Archivo de la categoría: Novedades en CD

La estrella de la música africana Angélique Kidjo lanza un homenaje a Celia Cruz

La cantante Angélique Kidjo, una de las estrellas de las músicas del mundo, lanzará Celia (Verve / Universal Music France) el 19 de abril de 2019. Se trata de un álbum que honra a Celia Cruz, conocida como “la Reina de la Salsa” y una de las artistas hispanoamericanas más populares del siglo XX.

En Celia, Angélique explora las raíces africanas de Cruz, nacida en Cuba, y reimagina canciones de la extraordinaria carrera de Cruz mediante una explosión de sonidos y ritmos de Cuba, África, el Cercano Oriente, las Américas y más.

Cuando era niña, vi a Celia Cruz cantar en Benin y su energía y alegría me cambiaron la vida,” explica Kidjo. “Fue la primera vez que vi a una mujer poderosa en un escenario. Su voz era percusiva y sus canciones resonaban de manera misteriosa conmigo. Muchos años después, supe que estaba cantando las canciones de Yoruba que se interpretaban en Benín hace 400 año. Sentí que era una hermana perdida del otro lado del mundo. Como yo, experimentó el exilio de una dictadura y siempre estuvo orgullosa de sus raíces, de sus raíces africanas. De la misma manera que quise traer el rock a África con mi proyecto Remain In Light de Talking Heads, ahora quiero rendir homenaje a esta increíble voz y esas canciones que se reúnen con sus raíces de juju (yuyu) y afrobeat“.

Angélique Kidjo – Celia

Celia fue grabada en Nueva York y París, producido y arreglado por David Donatien. Angélique está acompañado por una gran cantidad de músicos, entre ellos el gran baterista de Afrobeat nigeriano Tony Allen y Meshell Ndegeocello al bajo, que aparecen en varias canciones, además de su antiguo guitarrista Dominic James, la Gangbé Brass Band de Benín, el saxofonista británico Shabaka Hutchins y su trío Sons Of Kemet, y otros más.

Celia Cruz nació en La Habana en 1925 y se fue de Cuba a los Estados Unidos cuando Fidel Castro tomó el poder en 1959. Se unió a la orquesta de Tito Puente en 1966, y sus grabaciones para el sello Fania ayudaron a construir el legado del estilo musical conocido como salsa. Cruz publicó más de 60 álbumes, 23 de los cuales fueron de oro. Su imagen apareció en un sello conmemorativo de los Estados Unidos, recibió la Medalla Nacional de las Artes y ganó 6 premios Grammy, además del premio GRAMMY a la vida profesional.

El grupo Banda de Eslovaquia ha lanzado Telegrafy

Telegrafy (Pavian Records) es el nuevo álbum del grupo eslovaco Banda. El conjunto interpreta música tradicional eslovaca complementada con invención, musicalidad y diversión.

Banda está compuesta por músicos con una larga experiencia en la interpretación de música folclórica, así como en otros géneros. Al crear su repertorio de músicas del mundo, el grupo está particularmente inspirado en la música tradicional eslovaca, utilizando raíces auténticas. Sin embargo, los músicos también mezclan otros elementos musicales. Implementan voces ricas que respetan las tradiciones y las peculiaridades locales, pero también con un estilo completamente nuevo y original. En 2017, el grupo fue seleccionado para representar a Eslovaquia en WOMEX 2017.

El CD se puede compra en www.podvrskom.sk

La banda tejana Grupo Fantasma lanza American Music: vol. VII

El Grupo Fantasma de Austin, Tejas va editar su séptimo disco, American Music: vol. VII, el 29 de marzo de 2019. Han pasado cinco años desde su disco anterior y esta vez están trabajando con el talentoso Carlos “El Loco” Bedoya, un reconocido productor colombiano, ingeniero de sonido, músico y compositor con sede en Miami. Bedoya ha trabajado con artistas tan diversos y exitosos como Beyoncé, Weezer y ChocQuibTown. Según Grupo Fantasma, Bedoya “trajo consigo una gran cantidad de conocimientos y experiencia como mezclador e ingeniero, así como buenos oídos y habilidades como músico y compositor”.

Además, Grupo Fantasma ha cambiado de estudio de grabación y está colaborando con invitados especiales. También está experimentando con una gran cantidad de instrumentos nuevos e interesantes.
Es importante destacar que el Grupo Fantasma siempre ha tenido un sabor políglota especial con dos cantantes principales, varios percusionistas, una gran sección de metales, una destacada guitarra eléctrica, líneas de bajo pegadizas, muchos cambios y toda una plétora de influencias. Temáticamente, las letras de la banda van desde lo personal a lo universal, lo político a lo social, desde las melodías de las fiestas hasta los lamentos lentos que llevan el peso del romance que salió mal, la pérdida y la decepción. Entonces, en estos aspectos, nada ha cambiado radicalmente con este nuevo álbum. Sin embargo, definitivamente también hay diferencias.

Por ejemplo, la canción “LT” no solo se canta en inglés (algo raro en la banda) sino que presenta un sonido de guitarra inspirado en la psicodelia turca de los años 70 y el tambor dhol de Sunny Jain de Red Baraat. Varias canciones presentan la instrumentación folclórica colombiana de gaita y maracas, así como un acordeón que recuerda tanto al vallenato colombiano como al Tex-Mex del Sr. Vallenato y Josh Baca (de los Texmaniacs). Como novedad para la banda, un cantante externo, Tomar Williams (de Tomar y los FC), fue contratado para el tema de bugalú “Let Me Be”, en donde también toca el órgano eléctrico y aparecen los coros de los Soul Supporters.

“The Wall” es una colaboración con miembros de Ozomatli y Locos Por Juana que oscila desde el funk latino al hip-hop. Según Grupo Fantasma, la canción “cuestiona la definición de ‘inmigrante’ y lo que hace que uno sea ilegal“. Aunque a Grupo Fantasma no se le identifica por ser abiertamente político, “The Wall “dice mucho sobre lo que ha estado sucediendo en cuanto a Inmigración, fronteras, seguridad nacional y políticas basadas en la identidad durante el gobierno actual estadounidense, causante de divisiones sociales.

El álbum se grabó en Sonic Ranch, en la pequeña ciudad fronteriza de Tornillo, Tejas. Poco después de que el Grupo Fantasma terminara sus sesiones en el rancho, se hizo famoso como el sitio de un enorme y vergonzoso centro de detención de inmigrantes donde innumerables niños se alojaban separados de sus familias. Como dice la banda, “esta disonancia sin duda afectó al álbum e inspiró nuestro mensaje más adelante, ya que estábamos componiendo las letras y formando el mensaje de las canciones y el proyecto en general“.

Grupo Fantasma – American Music: vol. VII

De hecho, el propio título del disco discrepa con estas definiciones de identidad, fronteras y quién es ilegal u “otro”. Como dice Grupo Fantasma, llamarlo American Music: Vol. VII fue una “respuesta directa al concepto de identidad, así como el encasillamiento de nuestra música, que hemos sufrido a lo largo de nuestras carreras”.

Al presentar su mezcla musical multiétnica a lo largo de los años, el Grupo Fantasma ha cuestionado constantemente el concepto de identidad, ciudadanía y nacionalidad de la música, especialmente en la prensa y la industria discográfica. Sin embargo, como lo atestiguan, de muchas maneras “la música es el mejor asimilador, cruzando fronteras y culturas, y mutando para representar las experiencias de sus artistas“.

Aunque a menudo está etiquetada como latina o hispana, la banda siente que no tienen una identidad nacional distinta, ya que es estadounidense. Ninguno de los miembros de Grupo Fantasma procede recientemente de América Latina a excepción del cantante y percusionista José Galeano, oriundo de Managua, Nicaragua, pero ahora es un ciudadano estadounidense que hace mucho tiempo que llama a Tejas su hogar.

Aunque Grupo Fantasma tiene letras en español y ciertamente hacen referencia a las tradiciones musicales y los ritmos de sus raices, subrayan que “también abrazamos y expresamos la música de nuestro hogar en Tejas y la cultura estadounidense que habitamos diariamente. Sostenemos que, independientemente del idioma, nuestra música es “American Music” (música estadounidense) porque somos de aquí. Nuestra música es un producto de nuestras circunstancias y aún podemos celebrar el patrimonio étnico y cultural a la vez que afirmamos nuestra identidad como estadounidenses e hijos de este país“.

“País semejante”, un homenaje a la música popular latinoamericana de la década del ’60 y ‘70

Con un sonido fusión, que manifiestan una relación con el Jazz y otros géneros urbanos, Luis Caro recupera un repertorio de música folklórica, original de la década del ‘60 y ’70, en su nuevo álbum “País semejante”, en el que se destaca la interpretación profunda y sentida de una experimentada voz, junto a grandes músicos y excelentes arreglos.

La edición de este álbum es acompañada conceptualmente por un libro con obras de artistas plásticos como Carlos Alonso, Felipe Gimenez, Carlos Del Río, entre otros y textos de Luis Caro, Víctor Bidart, José Antonio Román, Carlos Polimeni, Sonnia De Monte, Rafael Bielsa y Nino Ramella.

País semejante” será presentado en un concierto en vivo en Buenos Aires el próximo 13 de Abril a las 21hs en Café Vinilo, Gorriti 3780, Palermo (+54 011 4866-6510)

Luis Caro fue protagonista de un tiempo en el que la música expresó, a través de una identidad bien definida, la manifestación de un pueblo intelectual que resistía a la creciente globalización, con la consiguiente ola que empezaba a proponer o a imponer cambios en las relaciones, intereses y hábitos propios de los pueblos. Mucha de esta resistencia quedó grabada en las letras de los temas que Luis Caro rescata y revive en “País semejante

El músico, actor y escritor argentino, nacido en Mar del Palta,  se inició en la “Comedia Marplatense” que dirigía Gregorio Nachman, un  director de teatro desaparecido durante los años de la dictadura militar. En 1976 Caro se exilió y vivió en Perú, Ecuador y Panamá, recorriendo en forma itinerante toda Sudamérica.

Esta experiencia de vida conectó a Caro con el nacimiento de la Canción Latinoamericana presentándose junto a, por ejemplo,  Alí Primera, Nicomédes Santa Cruz, Amparo Ochoa, Soledad Bravo, Pedro Luis Ferrer, Sara González, Los Jaivas, Victor Heredia, Fito Páez, Facundo Cabral, Polo Montañez, Joan Manuel Serrat o Mercedes Sosa.

Con “País semejante Luis Caro crea una obra de arte integral compuesta de arte visual, poesía y un álbum musical con canciones que, si bien mantienen un compromiso con la estética original, proyecta el sonido hacia una dimensión contemporánea, demostrando así que el recuerdo se mantiene vivo y el sonido que resuena en aquellos temas puede recrearse hoy con elementos actual, creando una estética moderna para cantar letras que conservan su vigencia.

Los músico que arropan el trabajo y la voz de Luis Caro son Fermín Ferraris (piano), Nicolás Pasetti (contrabajo) y Juan Miguel Carotenuto (batería), egresados de la Facultad de Bellas Artes de la ciudad de La Plata y de permanentes recorridos que interconectan las artes y las estéticas con natural maestría.

La escucha del disco transporta a un clima de reflexión mediante obras de una época en la que el pensamiento profundo y comprometido hecho canción era moneda corriente. Además de la excelencia nativa que está impresa en la música, la vuelta de tuerca que le dan los músicos y la forma en la que interactúa la voz Luis Caro, perfectamente armonizada con los otros instrumentos, invitan a la recreación de paisajes y escenarios que quedaron grabados en el inconsciente colectivo como íconos de un tiempo de fuertes manifestaciones socio-culturales.

Para más información de este completo artista argentino que explora el teatro, la literatura y la canción, contando con varios discos, libros y obras de teatro editados, está disponible su página Web www.luiscaro.com.ar

“Nigeria 70: No Wahala”, la era fértil de la música nigeriana

Como parte de las celebraciones de su vigésimo aniversario, Strut Records presenta “Nigeria 70: No Wahala: Highlife, Afro-Funk, & Juju 1973-1987“, otro volumen de su serie “Nigeria 70”, que reúne estilos como highlife (proununciado jailaif), afro-funk y juju (pronunciado yuyu) de los ’70 y principios de los ’80. Compilado por el coleccionista y DJ Duncan Brooker, esta nueva selección de temas va a aparecer por primera vez fuera de Nigeria.

La recopilación regresa a una era fértil en la música nigeriana cuando estilos establecidos como highlife y juju se cruzaron con elementos del jazz occidental, soul y funk, y los músicos contribuyeron un mensaje orgulloso después de la independencia. Brooker se centra especialmente en algunos de los increíbles músicos ukuani (ukwuani) de la región de Delta State, como el guitarrista Rogana Ottah y la banda Steady Arobby. Don Bruce se inspiró en los grandes artistas del R&B (ritmo y blues) de EE.UU.

Por otro lado, el álbum explora la estrecha conexión entre Nigeria y la música de Benin, a través de Sir Victor Uwaifo, así como el exitoso creador de highlife Osayamore Joseph.

Nigeria 70: No Wahala” saldrá el 29 de marzo de 2019 en CD, 2LP y digital. Todas los temas han sido restaurados. El paquete incluyeun libreto con entrevistas exclusivas a algunos de los artistas originales.

La mística Capadocia hecha música en el nuevo álbum de Johnson & Keaggy

El nuevo álbum del dúo conformado por Jeff Johnson y Phil Keaggy es un homenaje a la región de Capadocia, ubicada en el centro de Turquía y que inspira espiritualidad y fe religiosa desde hace siglos. Su particular geografía, la atmósfera del lugar, el paisaje de casas, iglesias y hasta comunidades enteras esculpidas en la piedra conmovieron a Jeff Johnson durante su viaje allí en 2017.

Cappadocia” (Ark Music) transmite la profunda espiritualidad que emana de esa región, y también busca destacar la historia, la geografía y la belleza geológica del lugar. El dúo lo presenta como música exquisita, delicada, de la nueva era, con inflexiones de música del mundo, para pintar su retrato musical.

El viaje de 2017 incluyó la visita de Johnson y su esposa a una basílica tallada dentro de la ladera de una montaña en la que se destaca una ventana en forma de rosa a través de la cual el sol crea unos efectos místicos particulares. La experiencia de descubrir este mundo oculto y la acústica del lugar conmovieron a la pareja e impulsaron a Jeff a reunirse con su socio-músico para realizar “Cappadocia

Además de la exploración emocional, estética y espiritual del arte, Johnson y Keaggy están relacionados con la música como expresión artística de la fe cristiana. Capadocia es y fue históricamente un lugar de culto de la fe cristiana, funcionando en diversas oportunidades como refugio en medio de diferentes olas de dominio de otras religiones en la región.

Phil Keaggy, un maestro de las guitarras acústicas y eléctricas, utiliza una amplia variedad de instrumentos en esta grabación, que incluyen guitarra acústica clásica y española, un cümbüş turco, una guitarra acústica de 12 cuerdas, guitarras Les Paul y Zion (entre otros), bajo sin trastes, ukelele y E-bow. El tecladista Jeff Johnson se mueve del piano a los sintetizadores para combinar la música con texturas adicionales que incluyen los sonidos de percusión, cuerdas y flauta. Ambos músicos también incorporaron ocasionales vocalizaciones sin palabras muy sutiles en el fondo.

Las composiciones de “Cappadocia” están atravesadas por sonidos de Medio Oriente y van describiendo lugares concretos, edificios particulares y conceptos relacionados con parábolas filosóficas y espirituales que refieren a pasajes bíblicos y hechos históricos.

La música en “Cappadocia” continúa con el mismo estilo musical suave que Jeff Johnson y Phil Keaggy exhibieron por primera vez en sus álbumes anteriores que resultaron altamente exitosos: “Frio Suite” (2009) y “Watersky” (2012). Ambos músicos tienen largas e ilustres carreras como artistas de grabación en solitario y también como artistas en diferentes formatos grupales.

Phil Keaggy, uno de los guitarristas más aclamados y admirados del mundo, comenzó a tocar cuando tenía diez años. Tomó el escenario nacional estadounidense con su banda de rock Glass Harp con la que grabó siete álbumes de estudio y un concierto en vivo en el Carnegie Hall. Cuando Keaggy inició su carrera como solista, decidió grabar música que reflejara sus creencias cristianas. Desde entonces, ha grabado todo tipo de música, sumando cerca de cinco docenas de álbumes, realizando giras internacionales, produciendo también a otros músicos y desempeñándose como músico cesionista en Nashville.

El trabajo inicial de Johnson fue rock progresivo vocal, pero su sonido evolucionó para centrarse más en el jazz, la nueva era, el instrumental contemporáneo, los estilos contemplativo-espiritual y celta.

“A lo largo de mi carrera musical he disfrutado haciendo grabaciones basadas en conceptos como “Cappadocia“”, explica Johnson. “Disfruto la experiencia de escuchar atentamente un álbum completo en una sola sesión y tomar el viaje que creó el artista. Todavía creo que las audiencias modernas disfrutarán de la experiencia completa del álbum si más de ellos le dieran una oportunidad”.

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Neskrotený, lo nuevo de Hrdza

Hrdza – Neskrotený

El álbum Neskrotený (2018) de Hrdza consta de 11 composiciones originales, en su mayoría escritas por el líder de la banda, y 3 canciones tradicionales muy poco conocidas y adaptadas con letras en eslovaco, Rusyn (Ruthene) y ucraniano. Además del líder de la banda, otras dos cantantes participan en las canciones.

Hrdza ha estado en el panorama de las músicas del mundo durante casi 20 años. Desde sus inicios, han interpretado sus propias composiciones arraigadas en la música tradicional eslovaca, fusionando elementos populares del este de Europa con influencias de la música moderna. Hrdza es un grupo vigoroso en vivo. Han lanzado cuatro discos de estudio.

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The Wine Album lo nuevo de Rua das Pretas

Rua das Pretas – The Wine Album

The Wine Album (el álbum del vino) es el título del álbum nuevo de Rua das Pretas. Es una celebración y exploración de la cultura lusófona pasada, presente y futura: desde los suspiros del fado y los placeres de la samba hasta las callejuelas del flamenco y el blues.

Es una música que se transmite de mano a mano entre amigos y compañeros artistas, mantenida viva por la santa comunión de la canción y la historia. A veces susurro, a veces cantado, y siempre en movimiento.

Jedba – Música espiritual de Marruecos

Abdesselam Damoussi y Nour Eddine – Jedba – Spiritual Music from Morocco

Abdesselam Damoussi y Nour Eddine van a publicar Jedba – Spiritual Music from Morocco (Jedba – Música espiritual de Marruecos), un CD de música Sufi de Marruecos en enero de 2019.

‘Jedba’ muestra que la música sufi no se limita a las mezquitas o zawiya (monasterios), sino que es una parte intrínseca de la vida marroquí cotidiana. Es música de las calles, casas, mercados y el desierto. Profundo, místico, convincente, fascinante, todo el álbum es un viaje a través del corazón y el alma de Marrakech. Rinde homenaje a la música espiritual y las canciones del Marruecos urbano y rural.

Incluye auténticos cánticos sufi místicos que a veces se alargan con una repetición similar a un trance a través de los arreglos cuidadosos y hábiles de los coproductores Abdesselam Damoussi y Nour Eddine. Jedba incluye actuaciones de cantantes y músicos que se escuchan en las calles, en una mezquita de Tánger, y cuenta con un músico maestro sufí de las montañas del Atlas. La música resultante es tan variada como los paisajes de donde proviene, pero siempre se mantiene fiel a sus orígenes.

Mi Luz Mayor, lo nuevo de Eddie Palmieri

El gran pianista, compositor, arreglista y director de orquesta Eddie Palmieri, ganador de varios premios Grammy, ha editado Mi Luz Mayor, su segundo álbum de salsa del año en su recién lanzado sello Uprising Music (a través de Ropeadope). Mi Luz Mayor es un álbum de gran banda con más de 35 de los mejores músicos afro-cubanos de la ciudad de Nueva York.

Los invitados especiales en Mi Luz Mayor son Gilberto Santa Rosa, Herman Olivera y Carlos Santana, que toca en la tercera canción del álbum “Mi Congo”. Los otros invitados son los colaboradores frecuentes de Palmieri, Jimmy Bosch, Luques Curtis, Conrad Herwig, Brian Lynch y “Little” Johnny Rivero.

Aquí les presento la música que mi difunta esposa Iraida y yo disfrutamos en nuestra juventud“, explica Palmieri sobre el álbum. “Soliamos escuchar esta música en nuestro hogar a menudo, durante las vacaciones y en ocasiones especiales. Bailabamos esta música, pero también hubo momentos en que la música hablaba por nosotros. La música fue la fuerza constante que tocó nuestros corazones y curaba cualquier herida que la vida nos habia enviado. En última instancia, estas canciones representan nuestra historia de amor. Seleccionar cada composición y escribir nueva música me ayudó a superar mi dolor después de que falleciera en 2014.”

Nacido el 15 de diciembre de 1936 en la ciudad de Nueva York, el Sr. Palmieri ha fusionado hábilmente los ritmos puertorriqueños con la complejidad de sus influencias de jazz. Ganó atención internacional como pianista en la década de 1950, tocando con Eddie Forrester y la popular Orquesta Tito Rodriguez, entre otros. En 1961 formó La Perfecta, presentando una línea poco convencional de trombones que crearon un sonido nuevo, mezclando el jazz con ritmos afrocaribeños.

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