Apertura del Salón de la Fama y Museo del Bluegrass

Salón de la Fama y Museo del Bluegrass

La gran inauguración del Salón de la Fama y Museo del Bluegrass (Bluegrass Music Hall of Fame & Museum) será del 18 al 20 de octubre de 2018. El edificio de $15 millones está ubicado en 311 West Second Street, en el centro de Owensboro, Kentucky. Abrirá sus puertas con tres días de música destacando el rico pasado, el presente dinámico y el emocionante futuro de la música bluegrass.

Horario de eventos

El jueves 18 de octubre, la Gran Inauguración comienza con una noche de celebración del Salón de la Fama. Entre los miembros del Salón de la Fama se encuentran Bobby Osborne, Doyle Lawson, Larry Sparks, Rodney Dillard y Paul Williams. Los artistas que honran a los miembros del Salón de la Fama incluyen a Tim O’Brien, Stuart Duncan, Charlie Cushman, Mike Bub, Larry Stephenson y Mike Scott. La ‘Banda de la Casa’ contará con Sierra Hull, Stuart Duncan, Charlie Cushman, Mike Bub, Tim Stafford y Josh Swift. Este evento es solo por invitación y cerrado al público.

Sam Bush se presentará ante el público el viernes 19 de octubre en el primer evento con boleto en el Teatro Woodward.

El sábado 20 de octubre, tendrá lugar un concierto gratuito en el escenario al aire libre, patrocinado por Jagoe Homes. Los vendedores de alimentos y bebidas estarán disponibles para los asistentes. El espacio es limitado, sin asientos. Las puertas se abren al mediodía.

Horario del sábado:

13:00 – High Fidelity
15:00 – Front Country
17:00 – Town Mountain
19:00 – Yonder Mountain String Band

Otis Rush, mítico guitarrista de blues de Chicago, muere a los 84 años

Otis Rush

Masaki Rush, esposa de Otis Rush, anunció hoy que el gran músico de blues de Chicago, Otis Rush, murió el 29 de septiembre de 2018 debido a complicaciones de un ataque al corazón que sufrió inicialmente en 2003.

Conocido como el musico clave del “West Side Sound” (sonido del lado oeste) de Chicago, Rush ejemplificó el estilo modernizado de blues urbano con su guitarra amplificada y con influencias del jazz, voces apasionadas y una sección de viento completa. La primera grabación de Rush en 1956 en “I Can not Quit You Baby” de Cobra Records alcanzó el #6 en las listas de éxito Billboard R & B Charts y lo catapultó a la fama internacional. Después grabó un catálogo de música que contiene muchas canciones que ahora se consideran clásicas del blues.

A finales de la década de 1950 y principios de la década de 1960, junto con Magic Sam, Buddy Guy, Mighty Joe Young y el joven Luther Allison, Rush creó un estilo de guitarra que inspiró a generaciones de aspirantes a blues. Su guitarra emocionante y su interpretación vocal igualmente impresionante lo convirtieron en una leyenda del blues de Chicago.

Rush nació y se crió en Filadelfia, Misisipi, y aprendió a tocar la guitarra y la armónica cuando era niño. Se mudó a Chicago en 1948, y se inspiró en la música de Muddy Waters, Howlin ‘Wolf y B.B. King.
En 1956, Willie Dixon vio a Rush actuar y quedó tan impresionado que ayudó a Rush, de 19 años, a llegar a un acuerdo con Cobra Records. El primer sencillo, una interpretación intensamente inquietante de “I can not Quit You, Baby” de Willie Dixon saltó al número seis en la lista de R & B de Billboard.

Rush continuó grabando para Cobra hasta su desaparición en 1958. Las grabaciones de Cobra de Rush entre 1956-58 se consideran entre sus mejores trabajos, y definieron su sonido característico. Entre los temas estelares registrados durante este período se encuentran Double Trouble, My Love Will Never Die (ambos producidos por Willie Dixon), All Your Love (I Miss Loving) y Keep On Loving Me Baby.
Después de que Cobra cerró, Rush se fue a grabar para Chess Records. Grabó el clásico So Many Roads, So Many Trains, el único sencillo que Chess lanzado durante su corta estancia allí desde 1960-62.

Rush luego se marchó a Duke Records hasta 1965, donde una vez más su sello lanzó un solo sencillo, Homework.

Después de Duke, grabó para Vanguard y para Cotillion (donde en 1969 lanzó el álbum producido por Mike Bloomfield-Nick Gravenites, Mourning In The Morning, un fracaso comercial).

Capitol Records fue el siguiente, y en 1971 Rush grabó el álbum excelente Right Place, Wrong Time, con Gravenites como productor. Sorprendentemente, Capitol optó por no lanzar el álbum, y no vio la luz hasta 1976, cuando el pequeño sello independiente Bullfrog obtuvo los derechos y lo lanzó.

Un lanzamiento en Delmark en 1975, Cold Day In Hell y un puñado de álbumes en vivo durante los años 70 y principios de los 80 mantuvieron a Rush algo a la vista del público, y continuó presentándose en clubes y festivales de blues a nivel nacional y en Europa y Japón.

En 1991, Alligator Records lanzó Lost In The Blues, que Rush grabó originalmente para el sello sueco Sonet en 1977 (y originalmente se tituló Troubles, Troubles). Ha habido nuevos lanzamientos en otros sellos, incluyendo un álbum de versiones para Mercury grabado en 1994 titulado Is not Enough Comin ‘In, y el ganador del Grammy en 1998 Any Place I’m Going, lanzado por House Of Blues Music Co.

El ganador del GRAMMY Otis Rush fue uno de los guitarristas más influyentes de la escena del blues de Chicago, mejor conocido como creador del “West Side Sound” de la ciudad”, dijo Neil Portnow, presidente / CEO de la Academia de la Grabación. “Con su voz apasionada, su estilo de interpretación único y su guitarra con influencia jazzística, Rush estableció el estándar para los músicos de blues en Chicago y más allá.

Obtuvo cuatro nominaciones GRAMMY a lo largo de su extensa carrera y fue galardonado con el GRAMMY a Mejor álbum de Blues Tradicional por Any Place I’m Going en la 41 edición de los GRAMMY Awards.

Siempre será recordado por transformar el blues tradicional en un sonido más intensificado e influir en muchos de los grandes del rock y el blues que lo siguieron. Nuestros pensamientos van a su familia, amigos y colegas durante este momento difícil”.

Del Getxo Folk al Mercado de Música Viva de Vic. Olatz Zugasti marca la diferencia.

Coincidentes el mismo fin de semana en las Hispanias post-romanas, el Getxo Folk y el Mercado de la Música Viva de Vic (Barcelona) ofrecieron momentos para el regocijo y la fundamentada esperanza en el futuro.

En Las Arenas (Vizcaya), debajo del Puente Colgante -prodigio de ingeniería novecentista- el Getxo Folk Festival Internacional llegó a su 43 edición. Un cartel de lujo: Olatz Zugasti, la arpista, guitarrista, teclista, cantante, compositora, compañera del excelso Benito Lertxundi, abrió el certamen, y casi lo finalizó: no hubo, seguramente, nada mejor que ella en el fin de semana.

Acompañada de su hija Gratxina en las flautas (travesera, piccolo), en los teclados y las segundas voces, Olatz desgranó buena parte de su quinto y maravilloso disco, “Ur goiena, ur barrena”, así como dio paso a tres o cuatro nuevas composiciones que habrán de figurar en su próximo álbum (para el mes de noviembre).

Olatz Zugasti

Intimismo, delicadeza, belleza y también compromiso artístico, estético y social en la voz cada vez más ajustada y modulada de Olatz, en unión de un excelente, sobrio y a veces pelín pasota de su trío de instrumentistas acompañantes (en especial, el batería catalán Oriol) configuraron un recital mágico, ensoñador, evocador, como suelen ser los suyos. Esperamos con impaciencia su nueva grabación, que tiene eso, sí, una tarea difícil: superar el disco precedente, sin duda uno de los tres mejores del ámbito folk español en la temporada pasada.

Por cierto, Benito Lertxundi también anuncia nueva grabación, y conciertos de presentación de la misma (en el Kursaal de San Sebastián, y en teatro Arriaga de Bilbao para los primeros días del inminente mes de diciembre). Vitoria, Pamplona y otras citas están aún pendientes de fecha de confirmacion. Estaremos atentos a la jugada, cómo no.

Manuel Luna

En Guecho, por lo demás, el cartel restante era de lo más atractivo: el folclorista, antropólogo, cantante, líder musical Manuel Luna, desde su Cantabria natal a su región de Murcia adoptada, fue la figura central de la segunda jornada.

Eleftheria Arvanitaki

La excelente vocalista Eleftheria (“Libertad”) Arvanitaki y el legendario grupo folk-rock inglés Fairport Convention (51 años de actividad incesante les contemplan) redondearon un programa de primera línea, como corresponde a uno de los mejores certámenes anuales del Pais Vasco y de todo el entorno geográfico circundante.

En Vic, a casi 100 kilómetros de Barcelona, el Mercado de la Música Viva (MMVV) llegaba a su 30 aniversario, y lo quiso celebrar por todo lo alto. Invitados especiales, profusión de grupos y solistas famosos y/o en edad de merecer, se alternaron en los cuatro o cinco escenarios de la Atlántida (sede central del encuentro): Auditorio, Carpa Negra, Jazz Cava, Carpa Vermella, Teatre, Off Mercat. Todos los géneros musicales imaginables, todas las propuestas posibles, innovadoras mayoritariamente, todos los estilos y maneras de encarar el fenómeno sonoro contemporáneo.

Kiki_Morente – Foto: Alex Rademakers

Nombres ya célebres (Marc Parrot, Kiki Morente, Sr. Canario, Ko Ko Mo, Alma Afrobeat Ensemble, Niño de Elche, Toti Soler (sí, el mismo, fastuoso guitarrista acústico de larguísima trayectoria en el mundo de la canço y alrededores), Alba Carmona, Mercedes Peón, los vascos Korrontzi -que también estuvieron en Guecho, en magnífico doblete-, Sara Fontán….y el maravilloso estreno de la brasileña Larissa, una artista de Sao Paulo que habrá que atender y seguir en un futuro inmediato: entre Suzanne Vega y Bjork.

Aquí tenemos a una compositora de hermosa tesitura vocal y plasmación ultra moderna, entre muestreadores (samplers) y guitarra eléctrica, que viene directamente de una hermosa herencia (Hermeto Pascoal, Os Mutantes…). A descubrir y a disfrutar en un futuro muy próximo.

Ciento cuarenta mil espectadores dicen que siguieron el MMVV en directo. Más o menos, da igual. Lo importante fue el escaparate colectivo, común y solidario: buen rollo, excelente ambiente, a veces incluso agradablemente familiar, “ninots” incluidos… El Mercat sigue adelante, y se plantea nuevos horizontes para otros 30 años venideros. Que así sea, y que nosotros lo veamos.

Imarhan el sonido Tuareg de Argelia

El grupo argelino Imarhan ha editado su segundo album “Temet“ este año, en donde mezcla las influencias de la música tuareg del desierto del Sahara y el rai argelino.

Imarhan lanzó su primer álbum Imarhan en 2016 y se convirtió rapidamente en uno de los grupos emergentes de la “Nueva ola de la música tuareg”.

Todos los miembros del grupo crecieron uno cerca del otro en Tamanrasset, en el sur de Argelia, en una comunidad tuareg de ascendencia maliense del norte. Su nombre que significa “los que me importan” en el idioma de la gente de Kel Tamashek. La gran división entre su hogar espiritual y su hogar físico se escucha en su música: la mezcla de los tonos más sutiles de la música tradicional sahariana y la fuerza y el romance de la música rai argelina.

El cantante argelino Rachid Taha fallece a los 59 años

El aclamado cantante franco-argelino Rachid Taha falleció el 12 de septiembre de 2018 en París, Francia, de un ataque al corazón.

Taha, que residia en Francia desde una temprana edad, fue una estrella de las músicas del mundo en los años 90 y 2000 en Francia y otros países con su mezcla de rai argelino y rock occidental.

Rachid Taha nació en 1958 en Orán, Argelia y creció en Francia en la comunidad inmigrante de la clase obrera y empobrecida que surgió en Lyon.

Desde temprana edad, la música fue su salvavidas contra la desesperanza de la vida de los inmigrantes. Cantó, y también fue pinchadiscos en salas, ofreciendo una mezcla internacional de sonidos que presagiarían su carrera. “Pinché un verdadero mosaico“, recordó, “árabe, salsa, rap, funk, cualquier cosa con la que puedas bailar“.

A mediados de la década de 1980 formó una banda, Carte de Sejour (carta verde). Su música ardió con el fuego de una joven generación inmigrante, explotando con la ira del rock en su canción más conocida, una versión irónica y políticamente cargada de la patriótica “Douce France”. Después de tres años, la banda se separó, y Rachid viajó a Los Ángeles para trabajar con el productor Don Was (Rolling Stones, Bonnie Raitt) en su debut como solista. Barbes, el resultado de su colaboración, apareció internacionalmente en 1991, en el apogeo de la fiebre de la Guerra del Golfo. A pesar de las buenas críticas, el sutil prejuicio contra todo lo árabe en el momento dejó que se hundiera sin dejar rastro.

Más viejo, más sabio, pero aún más aventurero, Rachid regresó en 1996 con Ole Ole, con una fusión atractiva de estilos musicales norteafricanos.

Rachid Taha

Con Diwan, en 1998, Rachid adoptó una táctica más sutil. Las canciones de la grabación provienen de su juventud, un trabajo que inspiró su propia música, de los letristas grandes como Dahmane El Harrachi y Nass El Ghiwane. Fue, explicó, “mi versión del álbum Rock’n’Roll de John Lennon“. Las versiones de Rachid llevaron a los clásicos hacia la era moderna. Ritmos y muestreos pulsaron junto a secciones de cuerdas e instrumentos tradicionales para un álbum que fue una revolución musical silenciosa.

En Made in Medina, Taha combinó el poderoso rock con las melodías del norte de África. La voz de la estrella de Afrobeat Femi Kuti, hizo un dúo con Rachid en “Ala Jalkourn”, uniendo África del Norte y Occidental en una perfecta combinación de unidad donde las voces trascienden las fronteras geográficas. El álbum fue grabado en París, Londres y Nueva Orleans, y fue producido por el veterano músico Steve Hillage.

El álbum de 2004, Tekitoi, se grabó en París, Londres y El Cairo. Algunos de los temas son guerra, racismo y corrupción.

Nuevo disco de A Saidera, la Big Band de Latinoamérica.

Tendiendo puentes entre géneros, países y autores, “Sur”, el segundo disco de A Saidera, recoge elementos característicos de la música popular de diferentes regiones de América Latina y los integra en una estética de Big Band de Jazz.

Así como se encuentran presente géneros como el joropo venezolano, el candombe uruguayo, el festejo peruano o la zamba y la milonga argentinas, la formación de Big Band permite crear un sonido potente y rico en matices con arreglos variados que plantean diferentes climas que funcionan como propuesta estética y también como aglutinante de grandísimos músicos, los propios de A Saidera y los invitados.

El sonido, los arreglos, los temas elegidos  para “Sur” son el producto final para disfrutar de una selección de música popular latinoamericana, con una interesante variedad cromática propia de una banda de diecisiete músicos con diferentes arregladores, lo que además de entregar un álbum variado y disfrutable, promete una gran fiesta sonora en sus conciertos.

Además de los músicos que buscan resonar de maneras diferentes en cada arreglo y en cada intervención, la grabación de “Sur” ha contado con la participación de destacadísimos músicos de la escena latinoamericana, muchos de los cuales son autores de los temas del disco, como Lito Vitale, Andre Mehmari, Hugo Fattoruso, Ligia Piro, Juan “Pollo” Raffo, Lucho Gonzalez, Carlos “Negro” Aguirre, Darío Jalfin, Willy Gonzalez, Mariano Delgado y Gabriela Waciarz.

A Saidera fue creada en 2009 a partir de la iniciativa del clarinetista y arreglador Emiliano Álvarez de formar  una orquesta de MPB (Música Popular Brasileña) inspirada en las “Orquestas a base de Sopros”, aquellas agrupaciones tradicionales estructuradas como Big Bands de jazz, dedicadas a los ritmos de samba, choro, frevo y baião del repertorio antiguo y contemporáneo de Brasil.

En 2012, el grupo grabó su primer disco, “Sotaque”,  plasmando en ese trabajo arreglos propios y otros de grandes arregladores brasileños (Jovino Santos Neto, Lea Freire) de temas clásicos y contemporáneos de la MPB como también músicas originales.

Con  el tiempo A Saidera decidió abrir el abanico de su repertorio incluyendo ritmos de otros países de Latinoamérica, bajo la dirección musical y arreglos de Javier Mareco, grabando desde esta perspectiva su segundo álbum “Sur”.

Más información en www.asaidera.com.ar

Eme Alfonso lanza el videoclip “Oroko”

Eme Alfonso, una de las artistas mas fascinantes de Cuba, ha lanzado un videoclip titulado “Oroko”. Es una canción para Ochún, la diosa del panteón Yoruba. Eme continua la tradicion iniviada por su familia, quienes fueron los fundadores del grupo Síntesis. Eme fusiona la música afrocubana con otros géneros. El tema tiene un bello arreglo interpretado por Harold López-nussa y las voces de la genial banda Síntesis.

Eme Alfonso, cantante y compositora cubana, utiliza sus raíces para combinarlas con sonidos electrónicos, percusiones del mundo y leyendas afrocubanas. Ha ganado el Premio Cubadisco (Premios de la Música Cubana) con sus dos trabajos discográficos “Señales” y “Eme”.

Su tercer álbum está producido por el productor brasileño Alê Siqueira y ha sido grabado en Cuba y en Brasil. El álbum se lanzará en otoño de 2018.

Eme ha sido parte de importantes proyectos que promueven la diversidad cultural de Cuba como el proyecto “Para Mestizar” auspiciado por la UNESCO. Es Directora Artística del festival internacional Havana World Music, con apoyo del Ministerio de Cultura de Cuba.

Sean Ardoin el innovador del acordeón criollo de Luisiana

Sean Ardoin es un nombre clave dentro de la tradición criolla de Luisiana, pero lo usa como un punto de partida para inventar sonidos nuevos. “En general, la industria y las personas que descubren la música criolla quieren guardarla en una caja. Tuve que saltar fuera de la caja tradicional y crear algo nuevo. Crecí escuchando todo tipo de música, desde Earth Wind and Fire y Kiss hasta Fishbone y Bob Marley, así como la música de la vieja escuela. Como guardian de la cultura criolla, siempre apuntaré hacia Luisiana, pero también me detendré en otros lugares“.

Ardoin llama al nuevo género que ha desarrollado, Kreole Rock and Soul, un sonido basado en las raíces que abarca e incorpora el pop contemporáneo y el rock clásico. Esta mezcla aparece en Kreole Rock and Soul que saldrá al mercado el 14 de septiembre de 2018.

Aunque el estilo gira en torno al acordeón de Ardoin y su voz expresiva, las guitarras acústicas y eléctricas, y elementos electrónicos, es algo que los artistas criollos han estado explorando durante más de una década en los festivales y senderos del sudoeste de Luisiana y el sureste de Tejas. “Lo que escuchas en el circuito de gira es mucho más tradicional de lo que escuchas en los eventos criollos actuales“, explica Ardoin. “La música criolla, Zydeco y ahora Kreole Rock and Soul es solo una parte de eso, es música viva, y la música en vivo siempre está cambiando“.

Compra Kreole Rock and Soul

Samba Touré alcanza el primer puesto de la Transglobal World Music Chart en septiembre de 2018

El álbum Wande del músico maliense Samba ocupa el primer puesto en septiembre de 2018 de la Transglobal World Music Chart, la lista de músicas del mundo de mayor alcance internacional.

2. Ammar 808 – Maghreb United – Glitterbeat
3. Fatoumata Diawara – Fenfo – Montuno / Shanachie / Wagram
4. Anandi Bhattacharya – Joys Abound – Riverboat / World Music Network
5. SANS – Kulku – Cloud Valley
6. The Turbans – The Turbans – Six Degrees
7. Angelique Kidjo – Remain in Light – Kravenworks
8. Vigüela – A Tiempo Real – ARC Music
9. Chancha Vía Circuito – Bienaventuranza – Wonderwheel
10. Hermeto Pascoal – Hermeto Pascoal e sua Visão Original do Forró – Scubidu

11. Catrin Finch & Seckou Keita – Soar – Bendigedig
12. Red Baraat – Sound the People – Rhyme & Reason
13. Bombino – Deran – Partisan
14. Toko Telo – Diavola – Anio
15. Amsterdam Klezmer Band & Söndörgő – Szikra – Vetnasj
16. Shadi Fathi & Bijan Chemirani – Delâshena – Buda Musique
17. Eliades Ochoa & Alejandro Almenares – Dos Gigantes de la Música Cubana – Tumi
18. Arat Kilo, Mamani Keïta, Mike Ladd – Visions of Selam – Accords Croisés
19. Yossi Fine & Ben Aylon – Blue Desert – Blue Desert
20. Grupo Mono Blanco – ¡Fandango! Sones Jarochos de Veracruz – Smithsonian Folkways

La Academia Latina de la Grabación reconocerá a los ganadores del Premio a la Excelencia Musical 2018

Chucho Valdés

La Academia Latina de la Grabación anunció esta semana que Erasmo Carlos, Dyango, Andy Montañez, José María Napoleón, Chucho Valdés, Wilfrido Vargas y Yuri recibirán este año el Premio a la Excelencia Musical. Igualmente, Horacio Malvicino y Tomás Muñoz recibirán el Premio del Consejo Directivo. Los homenajeados serán reconocidos en una ceremonia privada el 13 de noviembre de 2018 en el hotel Four Seasons de Las Vegas, como parte de la semana del Latin GRAMMY.

“Nos enorgullece rendir homenaje a este extraordinario grupo de talentosos artistas y profesionales de la música con los Premios a la Excelencia Musical y los Premios del Consejo Directivo de este año”, dijo Gabriel Abaroa Jr., presidente/CEO de La Academia Latina de la Grabación. “El grupo al que estamos reconociendo en este 2018, ha realizado contribuciones excepcionales, beneficiando a la música de Iberoamérica, brindando innovación, y una singular visión en pro de los amantes de la música”.

El Premio a la Excelencia Musical se entrega a los artistas que han hecho contribuciones sin precedentes de extraordinaria importancia artística a la música latina. El Premio del Consejo Directivo se otorga tras una votación del Consejo Directivo de La Academia Latina de la Grabación en la que se selecciona a las personas que, aún sin ser intérpretes musicales, han contribuido significativamente a la música durante sus carreras.

Premio a la Excelencia Musical 2018:

Andy Montañez

La salsa puertorriqueña ha sido el seno de muchos cantantes legendarios. Y aún en medio de una competencia tan férrea, Andy Montañez se ha distinguido como uno de los vocalistas más conmovedores y creativos del género afrocaribeño. Tenía 20 años cuando se unió a El Gran Combo, considerada la excelencia en orquesta de salsa, hasta 1981 cuando decidió enfocarse en su carrera como solista. Esa nueva independencia le permitió florecer como compositor y profundizar en un estilo que para entonces era emergente: la salsa romántica. Éxitos como “Casi Te Envidio”, “Payaso”, “Me Gusta” y “La Última Copa”, que estuvieron caracterizados por unos valores superlativos de producción, y sus delicados arreglos musicales, lo establecieron como uno de los cantantes de salsa más exitosos de los 80s. En 2006, recibió el Latin GRAMMY al Mejor Álbum Tropical Tradicional. Siempre dispuesto a explorar nuevas direcciones, Montañez experimentó recientemente con salsatón, género en el que fusionó los campos musicales tropicales con la vibra urbana del reggaetón.

Chucho Valdés

Resulta imposible reflexionar sobre el estado actual del jazz latino sin tomar en cuenta el talento multifacético del virtuoso pianista, director de orquesta y compositor Chucho Valdés. Tanto en su trabajo con el supergrupo Irakere como en su obra como solista ecléctico y prolífico, Valdés reinventó el léxico del jazz, mezclándolo con el rock, la música clásica y las raíces afrocubanas. La banda Irakere de Chucho Valdés contó con algunos de los músicos más talentosos de Cuba, incluyendo a Paquito D’Rivera en el saxofón y Arturo Sandoval en la trompeta, con la que presentó una alucinante mezcla musical de rock, raíces afrocubanas y jazz. En 1998, Valdés inició una ambiciosa carrera como solista que incluyó destacadas actuaciones, un álbum emocionante de dúos con su padre Bebo Valdés (Juntos Para Siempre), vibrantes sesiones de cuarteto y la aparición de una nueva banda, The Afro-Cuban Messengers. Además, Chucho Valdés y su padre participaron en Calle 54, un documental sobre destacados músicos de jazz latinos. A lo largo de su carrera, ha recibido tres Latin GRAMMYs™ y seis premios GRAMMY.

Wilfrido Vargas

Existe un puñado muy selecto de directores de orquesta que han logrado elevar el contagioso merengue, ese estilo de baile y música característico de la República Dominicana, a una tendencia mundial. Wilfrido Vargas es uno de ellos. Éxitos inolvidables y poderosos como “El Africano”, “El Jardinero”, “A Mover La Colita”, “El Baile del Perrito” y “Abusadora” trazan una prodigiosa discografía que marca el desarrollo del merengue. A comienzos de los años 70s fundó la orquesta Wilfrido Vargas & Sus Beduinos, pero fueron los años 80s los que marcaron el momento de un crecimiento extraordinario para Vargas, ya que la explosión de la salsa de los 70s fue reemplazada por nuevos estilos y géneros en la cultura popular latina, lo que incluyó el merengue. Además de haber participado en películas y un reality show, en la actualidad Vargas permanece muy activo realizando giras y grabando.

Erasmo Carlos

La biografía musical de Erasmo Carlos tiene dos fases. Primeramente, está su asociación como compositor con la estrella del pop Roberto Carlos, con la cual ayudó a definir a la balada latinoamericana en los ’70s. Por otra parte, está su carrera como solista, con la que lanzó algunos de los álbumes más populares de la historia de la música brasileña.

Dyango

A Dyango (José Gómez Romero) se le conoce como “La Voz del Amor”. Desde que comenzó su carrera con el lanzamiento del álbum Lejos de los Ojos con el que debutó en 1969, el cantante español ha seguido su evolución como intérprete de canciones románticas.

José María Napoleón

En su México natal, Napoleón fue uno de los principales protagonistas del influyente movimiento de la balada de los años 70. Tenía apenas 20 años cuando grabó su primer álbum, El Grillo. Desde entonces, Napoleón, quien también ha actuado en telenovelas mexicanas, continuó lanzando álbumes y escribiendo éxitos de suma carga emocional como “Pajarillo”, “Hombre”, “Eres”, “Leña Verde”, “30 años” y “Celos”. En 2015, su álbum Vive encontró al cantante rememorando las páginas más brillantes de su cancionero en forma de dúos, en el que participaron estrellas de ayer y hoy como Manoella Torres, Mon Laferte y Yuri entre otras.

Yuri

La cantante mexicana Yuri ha puesto su notable rango vocal al servicio de una variedad de estilos musicales: desde baladas y música cristiana hasta géneros tropicales, folk y música ranchera.

Premio del Consejo Directivo 2018:

Horacio Malvicino

Horacio Malvicino ha sido un exitoso ejecutivo de la industria discográfica y administrador de empresas en su Argentina natal; legendario guitarrista, compositor y arreglista de tango y jazz, además de ser un colaborador clave del maestro del tango Astor Piazzolla. Malvicino se encuentra activo desempeñándose como presidente de la Asociación Argentina de Intérpretes desde el 2014.

Tomás Muñoz

Tomás Muñoz es un ejecutivo de la industria discográfica. En 1969, fue nombrado director general de CBS Records en España, en donde apoyó las carreras de Julio Iglesias, Rafael y Joaquín Sabina. En 1980, se mudó a Brasil, donde revolucionó la manera de promover la música de artistas como Simone, Roberto Carlos y Djavan.

La semana del Latin GRAMMY culmina con La 19ª Entrega Anual del Latin GRAMMY que se transmitirá en vivo desde el MGM Grand Garden Arena en Las Vegas el 15 de noviembre, de 20:00 a 23:00 (8 a 11 p.m. ET / PT ) por Univision.

Más en: LatinGRAMMY.com

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