La gran fiesta Reggae Sumfest 2018 anuncia a los artistas principales de este año

Reggae Sumfest 2018, el gran festival dedicado al reggae tendrá lugar el 20 y 21 de julio en Catherine Hall Event Centre, Montego Bay, Jamaica. El festival ha anunciado los artistas que actuarán este año.

Viernes, 20 de julio

Popcaan, Aidonia, Bounty Killer, Sizzla, Spice Tommy Lee Sparta, Agent Sasco, Ding Dong, I-Octane, Stonebwoy, Harry Toddler, Yanique, D-Major, Kemar Hicon, Dance Expressions, Govana, Tosh Alexander, Shano, Jah Fabio, Kim Nain, Rygin King, Vanzo, G Don V, Press Kay. Más invitados especiales

Sábado, 21 de julio

Damian “Jr. Gong” Marley, Beres Hammond, Maxi Priest, Cham, Capleton, Raging Fyah, Jessie Royal, J Boog, Fanton Mojah, Keznamdi, Empress Ayeola, Naomi Cowan, Jah Dore, D’yani, Stushi. Más invitados especiales

Más información: www.reggaesumfest.com

“Las rutas de la esclavitud” – Jordi Savall, Músico De Músicos

Las rutas de la esclavitud” es una magna obra narrativo-musical que ilustra la vergonzosa historia de la trata de esclavos negros.

Intérpretes:

Jordi Savall (viola de gamba, director musical). La Capella Reial de Catalunya. Hesperion XXI. Tembembe Ensamble Continuo. Mali: Kassé Mady Diabaté (canto), Ballaké Sissoko (kora), Mamani Keita, Tanti Kouyaté, Nana Kouyaté (coristas). Madagascar: Rajery (valiha). Marruecos: Driss el Maloumi (oud). México-Colombia: Ada Coronel (vihuela, wasá, danza y canto). Leopoldo Novoa (marimbol, Marimba de chonta y triple colombiano), Enrique Barona (vihuela, Leona, Jarana, Quijada de caballo, danza y canto), Ulises Martínez (violín, vihuela, danza y canto). Brasil: María Juliana Linhares (soprano), Zé Luis Nascimento (percusión). Argentina: Adriana Fernández (soprano). Venezuela: Iván García (bajo). Recitador Emilio Buale. Selección, adaptación de los textos y de la cronología: Sergie Grau y Manuel Forcano.

Escenario: Auditorio Kursaal. San Sebastián.

Fecha: 7 de marzo 2018

Cita histórica en el Kursaal de San Sebastián: el genial músico, director escénico, investigador artístico Jordi Savall, representante ilustre de Cataluña, presenta su magna obra “Las rutas de la esclavitud”, una contribución impagable de carácter histórico, filosófico, sonoro (tradicional y plenamente moderno, al mismo tiempo) encaminado a hacer un mundo mejor a través del conocimiento, la sensibilidad y la empatía hacia los pueblos oprimidos, simbolizados en la ignominiosa historia de la trata de esclavos negros.

Así, Jordi Savall se configura, una vez más (y ya van muchas) como un verdadero “músico de músicos”, un maestro de maestros, uno de los artistas contemporáneos (no solo europeo u occidental) más preclaros, inspirados, solidarios, eruditos, sensibles de todo el ancho y vasto mundo. (“ Mira, el mundo es pequeño si no tienes corazón”, dijo él; “el mundo es muy grande si tienes corazón”. Llan de Cubel, el gran grupo “folk” asturiano en su álbum memorable “De un tiempo meyor”, 2004).

Jordi Savall – Las rutas de la esclavitud

“Las rutas de la esclavitud” -recordemos: magnifica obra discográfica/literaria, con una presentación gráfica de quitarse el sombrero, dos CDs, DVD y libreto acompañante en francés, inglés, catalán, alemán, italiano y castellano. Sello Hybrid, 2016. 25 euros- se estructura a través de múltiples recitados que contextualizan la cronología de los hechos narrados.

Comienza con la “Crónica del descubrimiento y la conquista de Guinea”, a cargo de mercaderes y marinos portugueses (1444) y se ilustra con música tradicional de Mali, un tema brasileño de tradición africana y una melodía Romanesca a la guitarra,

Recitado 2: “1505. El 15 de septiembre el rey Fernando el Católico escribe una carta a Nicolás de Ovando”, con citas sonoras de Mateo Flecha, el Viejo (son jarocho), el tema anónimo maliense “La Negrina” y el canto de griot “Manden Mandinkadenou”.

Recitado 3: ”1620. Los primeros esclavos africanos llegan a las colonias inglesas”, sobre el fondo musical de melodías brasileñas populares, el “Canto de Guerreiro”, un son tradicional de Colombia y el Canto sacro “Velo que bonito” o San Antonio.

4: “1657. Richard Ligon publica en Londres ‘A true and Exact History of the Island of Barbados”- Ecos tradicionales procedentes de Escurinho y Ciranda (Brasil), de Puebla (México) y la “negrilla” Tambalagumbá”.

Recitado 5 : “1661. Los castigos de los esclavos contemporáneos en el ‘Código de la esclavitud de Barbados’”. Se escucha “Follow the drinkin gourd”, canción de esclavos norteamericana, seguida de los sonidos hipnóticos de la kora y el ud.

Recitado 6: “1685. El ‘Código Negro’, promulgado por Luis XIV, se mantiene vigente hasta 1848”. Se oye el canto de griot “Sinanon Saran” y otro anónimo de Mali.

8: “1772. Raynal, historia filosófica y política de los asentamientos y el comercio de los europeos en las dos Indias”. Maracatú y samba brasileiras.

9: “1782. La esclava Belinda solicita al Congreso de Massachusetts una pensión”. “Simbo (canto de griot) y otro anónimo.

Recitado 10: “1848. Decreto de abolición de la esclavitud”. Músicas ad hoc: anónima, Códice Trujillo (Perú y Bolivia) y Tonada El Congo: “A la mar me llevan”.

11: “1885. Carta de Abrahan Lincoln a Joshua, amigo personal y propietario de esclavos en Kentucky”. Subrayado : la célebre canción espiritual “Amazing grace”.

Y 12. Conclusión: “1963 : ‘Por qué no podemos esperar’, de Martin Luther-King. Con una canción de esclavos estadounidense, “Another man done gone”, un anónimo maliense y, para finalizar, cómo no, un canto de griot, concretamente el titulado “Touramakan”.

 

Jordi Savall

 

“Las rutas de la esclavitud” quedará para la posteridad como una obra decisiva, estimulante, adelantada a su tiempo, necesaria y sorprendente. Una obra que combina música popular/tradicional con elementos de autor y de nueva elaboración, con predominio -afortunadamente- de las primeras.

Para Jordi Savall las divisiones entre popular y clásico no tienen sentido y son artificiales, además de estar obsoletas. Todo su trabajo se basa en esa premisa. Ha indagado en las músicas de Oriente, del Medievo y del Renacimiento, se ha acercado hasta la “Ruta de la Seda” y a conocer a fondo la cultura musical de Venecia. Próximamente, en Fès (Festival de las Músicas Sagradas) estrenará otra partitura sobre los recorridos del viajante pionero hispano-marroquí Ibn Batuta.

Jordi Savall no para. Y nosotros que lo veamos.

Spiro edita videoclip de The Copper Suite

Spiro

The Copper Suite del grupo Spiro es una nueva composición de ocho minutos que presenta elementos de canciones folclóricas clásicas de la colección Copper Family.

The Copper Suite se grabó y mezcló durante una sesión reciente en The Big Room en lose studios de Real World Records.

The Copper Suite fue encargado en 2015 por Ian Anderson de fRoots Magazine y Katy Spicer de la English Folk, Dance and Song Society.

Una semana en Donostia, de Sofia Rei a Traficadas

Sofia Rei

Sofia Rei: El gavilán (Homenaje a Violeta Parra). Club del teatro Victoria Eugenia. Intérpretes: Sofía Rey (guitarra, voz). Fecha: 30 de enero 2018

Mikel Urdangarin. Teatro Victoria Eugenia. Intérpretes: Mikel Urdangarin (guitarra acústica, voz), Ander Hurtado de Saracho (batería), Jon Cañaveras (bajo eléctrico), Koldo Uriarte (teclados, piano), Rafa Rueda (guitarra eléctrica), Nika Bitchiasvili (violín). Fecha: 1 febrero 2018

Traficadas (Viajes a la esclavitud). Exposición. Centro Cultural Okendo. Gros. Del 2 de febrero al 16 de marzo 2018.

Semana intensa de música y arte en San Sebastián, una más dentro de la excelente programación cultural que vive esta ciudad, pequeña y coqueta, para ejemplo y escarnio de más altas magistraturas y presupuestos.

Mientras Benito Lertxundi y Olatz Zugasti finalizaban sus habituales giras de otoño e invierno, recorriendo las geografías, aún las más recónditas, de esta zona (de Bayona a Vitoria, de Pamplona a Santesteban (Navarra), de Alsasua a Rentería, etc. etc., en San Sebastián se tomaba el relevo con amplias programaciones de interés en los tres centros emblemáticos de la actividad: el teatro Victoria Eugenia, el Auditorio Kursaal, y el centro Takabalera -que amplía ahora sus programaciones, añadiendo al teatro, cine y música, las de diseño, gastronomía, y otras.

Por no hablar de las Kultur Extea de los barrios y pueblos próximos: el Ernest Lluch, en Amara-Anoeta, el Lugaritz en El Antiguo, el Koldo Mitxelena en Buen Pastor, el Okendo en el delicioso barrio de Gros, el CC Aiete, los de Inchaurrondo, Egia y tantos otros.. ¿.Hay quién dé más en un radio de acción de diez kilómetros a la redonda?…Por no hablar de las innumerables salas de conciertos de rock, reggae, jazz, indies, etc, etc diseminadas por todas partes.

Violeta Parra, en el recuerdo

La transición del super-lluvioso mes de enero de este año al casi gélido febrero vio la presencia de la cantante argentina Sofía Rei, con su espectáculo “El gavilán, Tributo a Violeta Parra” (mismo nombre de su último CD). Oportuno homenaje con motivo del centenario del nacimiento de la grandísima Violeta (1917-1967).

Sofía Rei – El gavilán, Tributo a Violeta Parra

 

Acompañada de guitarrista experimental, en la línea del Marc Ribot que participa en el disco, Sofía ha querido actualizar el enorme repertorio de la autora de “Gracias a la vida”, con unos arreglos musicales discutibles, entre “vanguardistas” y pretenciosos, que no solo no arropan las viejas y eternas canciones, sino que a veces las anulan o ningunean.

Dudo mucho que Violeta hubiese dado su aprobación a estas versiones de canciones como “Casamiento de negros, “Run run se fue p´al norte “-ahora irreconocible-, “Maldigo del Alto Cielo”, o “Arriba quemando el sol”.

Solamente “El gavilán” parece recuperar algo del espíritu popular y salvajemente inocente de aquella gran sufridora del amor que fue la chilena Violeta. Su desgraciada vida pasional, que terminó en lamentable y trágico suicidio, se plasma en este largo tema (excesivos 14 minutos en el disco, algo menos en directo), una denuncia del alma depredadora del hombre abusador o insensible (su pareja inalcanzable en vida fue el francés Gilbert Favre), donde el voraz ave de rapiña devora y anula simbólicamente a su víctima indefensa.

El cancionero de Violeta Parra no se agota, ni muchos menos, en los 8 temas contenidos en la grabación, o en otros pocos añadidos en vivo. “Mazúrquica modérnica” (no contenida en el CD) fue, con sus humorísticas esdrújulas, otro de los momentos notables del recital. Pero se quedaron en el tinteros creaciones sublimes de Violeta como “¿Qué dirá el Santo Padre?” (que habita en Roma), , “Volver a los 17”, y la ya citada y universal “Gracias a la vida”, que también hicieron suya, entre otras, Mercedes Sosa y Joan Baez.

Sofía Rei, cuya bienintencionada empresa está fuera de toda duda, así como su hermosa, modulada y versátil voz, ha ofrecido su granito de arena, y es también de agradecer, a recordar la figura y la inmensa ternura de una de las mejores cantantes “folk” de la historia. Un granito a veces un poco indigesto, pero valioso al fin y al cabo. (1)

Un concierto solvente

El de Mikel Urdangarin en el teatro grande, histórico y pelín barroco de San Sebastián. Con el repertorio de su último disco, “Margolaria” como base, Mikel se mostró en pleno estado de forma vocal, tras una amplísima gira que le ha llevado también por medio País Vasco en los pasados diez o doce meses. Hemos hablado ya largo y tendido este trabajo y hemos conversado con el cantautor en estas mismas páginas, por lo que no que hace falta enfatizar la calidad y profesionalidad del empeño, así como su valor poético y musical.

 

Mikel Urdangarin

 

Solo insistir igualmente en la bondad de su banda acompañante, un grupo sin fisuras ni apenas florituras, siempre al servicio de vehicular la rotunda y empática presencia de Mikel, al que no le hace falta una gran expresividad corporal. Lo dice todo con su enérgico o sutil timbre vocal, según los casos. Pero el que sí ofrece gran expresividad escénica es el excelente guitarrista eléctrico Rafa Rueda, que se marcó unos “solos” de alto voltaje y virtuosismo. Asimismo, violín, batería, bajo y teclados contribuyeron con nota a construir un espacio sonoro reconocible, redondo y en ocasiones cercano al paroxismo, alcanzando notables cimas de clímax o trance compartibles.

Canciones como “Kopla bihotzekoak”, “Zurea da”, más intimistas y líricas, dieron paso a algunas de las creaciones más difundidas y célebres del repertorio del antaño bertsolari: “Zurekin”, rockera a tope, “Non gertzen den debora” o el bis final, “Kieari”, sin olvidar la extroversión de “Libre” y Hiritik urrun”. Y, sobre todo, sus clásicos y cantables “Euria ari du” y “Agian irailean”. Temas que ya figuran, por méritos propios, en el imaginario colectivo de un tiempo y de un paisaje/paisanaje. El cantante de Zortnoza sigue ampliando su cada vez mayor leyenda, una figura querida e incardinada en un entorno geográfico, histórico, cultural, cancioneril. Emociones viejas para tiempos nuevos.

La pintura y el maestro

Una exposición de arte inaugurada el 2 de febrero en el centro cultural Okendo, “Traficadas, viajes a la esclavitud”, fomentada/promocionada por el colectivo artístico EmPoderArte, reúne la obra de 42 mujeres que trabajan en el tema de las artes plásticas y audiovisuales, siempre con el objetivo de visualizar el tráfico y la trata de blancas (fotografía, video, pintura, escultura…). Se pretende “reflexionar y denunciar las distintas humillaciones y violencias a las que son sometidas las mujeres “traficadas”: el engaño, la amenaza, la violación, la ausencia de libertad”.

Obras de desigual y variado mérito estético, pero con el denominador común de su valentía y su perentoria necesidad. Algunos nombres de autoras : Paz Barreiro, Helena Revuelta, Erica Landfors, Viviana Duncan, Marta Garcia del Salto, Martina Dasnoy, señora Milton…Se ofrecen visitas guiadas a la exposición, y habrá también una conferencia, seguida de “mesa redonda”, el día 16 de marzo. Comisarias de la expo: Sara Beiztegi, Pepa Santamarina y Silvia Martínez Cano.

Y enlazando, de alguna manera, aunque sea tangencial, con la temática de esta muestra, se atisba uno de los conciertos más esperados del año en San Sebastián, al menos para quien esto suscribe. El maestro de la viola de gamba, el erudito musicólogo, el investigador profundo de la música antigua, medieval y renacentista, el catalán Jordi Savall presentando lo que es su último y excepcional trabajo literario-musical: “Las rutas de la esclavitud”.

 

Jordi Savall

 

Una mirada al mundo de la trata de esclavos (esta vez, hombres) en el tiempo de la colonización de América. Descubrimiento profundo de un mundo, sí, el de las culturas autóctonas, sus músicas tradicionales, que han sobrevivido a pesar de todo, siempre con un texto y un contexto por medio. Obra a inscribir entre el ya sobresaliente inventario y repertorio de Savall, siempre con sus inseparables grupos acompañantes, Hesperion XXI y la Capella Reial de Catalunya. Ahora, por desgracia, ya sin la presencia de Montserrat Figueras, la gran vocalista desaparecida aún non hace tantos años.

Cita a no perderse, por tanto, y que se ha programado ya en otras ciudades españolas, o que lo seguirá haciendo (espero, deseo). Con la participación de artistas indígenas o mestizos, necesarios sin duda en este tipo de obras y montajes. Jordi Savall rompe otra vez los moldes rígidos del academicismo, lanza un órdago a la grande y con su rigor de siempre, ofrece luz y voz a culturas e historias a punto de extinguirse. Admiración sin límites hacia su figura, hacia su magna Obra. Gracias, Maestro.

Proximamente:

Miércoles 7 de marzo 2018
Jordi Savall. “Las rutas de la esclavitud”. Auditorio Kursaal.
Intérpretes: Jordi Savall (viola de gamba). Grupo Hesperion XXI. Capella Reial de Catalunya, y otros músicos africanos y de la diáspora.

NOTA

(1) Se publica también en estos dias conmemorativos del natalicio de VP, el libro “Después de vivir”, de Víctor Herrrero (Editorial Lumen, 552 páginas, 21.90 euros), biografía detallada de la inolvidable artista, con testimonios de quienes la conocieron de cerca, como su hijo Angel, por ejemplo.

Miguel Zenón realizará conciertos benéficos para Puerto Rico

Miguel Zenón – foto realizada por Jimmy Katz

El reconocido saxofonista y compositor Miguel Zenón se presentará con el MIT Festival Jazz Ensemble, con Fred Harris, director musical y el clarinetista y compositor Evan Ziporyn en conciertos benéficos que celebran la resistencia del pueblo puertorriqueño.

Los conciertos tendrán lugar:

• Viernes, 2 de marzo, 20:00 (8 p.m.) en el Auditorio Kresge del MIT, 48 Massachusetts Avenue, Cambridge, MA. Boletos $ 15- $ 20. Para obtener información, visite www.eventbrite.com

• Sábado, 3 de marzo, 20:00 (8 p.m.) en el Auditorio de la Escuela de Trabajo Social Silberman en Hunter College, 2180 Third Avenue, New York City. Boletos $ 15- $ 20. Para obtener vaya a www.eventbrite.com

Aunque ya no son noticias de primera plana, todavía hay mucha necesidad en Puerto Rico“, dice Zenón. “Estoy muy entusiasmado con estos conciertos y estoy agradecido a Fred y MIT por habermos reunido. Los beneficios están destinados a recaudar fondos, así como a crear conciencia sobre la situación en la isla“.

Zenón ha sido artista residente dos veces en el MIT, más recientemente en 2015 para el estreno de su composición para la agrupación de viento Music as Service, que fue el tema de la película documental del MIT Call and Response.

Ambos conciertos presentarán el estreno mundial de En Pie De Lucha de Zenón, un homenaje a la gente de su país de origen. “La pieza fue inspirada por la resistencia y el coraje del pueblo puertorriqueño durante estos tiempos difíciles. Es un tributo a aquellos que se quedaron en la isla después de la destrucción, que estaban dispuestos a luchar y reconstruir su país.”

Todos los fondos recaudados serán donados al Fondo de Recuperación de Puerto Rico.

Zenón nació y creció en San Juan, Puerto Rico. Ha lanzado diez grabaciones como líder, incluyendo Tipico (2017) e Identities Are Changeable (2014). Como músico acompañante ha trabajado con grandes del jazz como The SFJAZZ Collective, Charlie Haden, Fred Hersch, Kenny Werner, David Sánchez, Danilo Pérez, The Village Vanguard Orchestra, Guillermo Klein y Los Guachos, The Jeff Ballard Trio, Antonio Sánchez, David Gilmore, Paoli Mejias, Brian Lynch, Jason Lindner, Miles Okazaki, Ray Barreto, Andy Montanez, Jerry González y The Fort Apache Band, The Mingus Big Band, Bobby Hutcherson y Steve Coleman.

Como compositor, ha sido comisionado por SFJAZZ, el Consejo Estatal de Nueva York para las Artes, Chamber Music America, Logan Center for the Arts, The Hyde Park Jazz Festival, John Simon Guggenheim Foundation, Jazz Reach, Peak Performances, MIT, PRISM Cuarteto y muchos de sus colegas.

Zenón ha impartido cientos de conferencias y clases magistrales en instituciones de todo el mundo, y es miembro de la facultad permanente en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra.
En 2011 fundó Caravana Cultural, un programa que presenta conciertos de jazz gratuitos en zonas rurales de Puerto Rico.

En abril de 2001, Zenón recibió una beca de la prestigiosa Fundación John Simon Guggenheim. Más tarde ese año fue uno de los 25 individuos distinguidos elegidos para recibir el codiciado MacArthur Fellowship, también conocido como la “Beca para los genios”.

Mehmet Polat anuncia su nuevo álbum ‘Ageless Garden’

Mehmet Polat – Ageless Garden

Mehmet Polat, músico turco afincado en Holanda, ha anunciado el lanzamiento de un nuevo álbum de ud (laúd árabe) titulado Ageless Garden (jardín intemporal). “La música ha sido el mejor lenguaje con el que expresar mi mundo interior durante más de 30 años. Y durante los últimos 20 años, el ud ha sido el principal instrumento en este viaje. Compuse estas diez composiciones durante diferentes fases de mi vida como músico migrante. Y los toco en este álbum a través de la lente de mi visión de hoy“.

Los músicos invitados en el álbum incluyen a Alper Kekec (Turquía) a la darbuka, daf y pandero; Pasha Karami (Irán) al tombak; Shaho Andalibi (Irán) al ney; Yama Sarshar (Afganistán) a lan tabla; y Zoumana Diarra (Mali) a la kora.

Mehmet Polat presentará el nuevo álbum el 21 de febrero de 2018 a las 20.30 en Podium Mozaiek, Ámsterdam.

Transglobal World Music Chart, los mejores discos de músicas del mundo del mes de febrero de 2018

El álbum Laissez Passer del conjunto TootArd ha alcanzado el primer lugar en febrero de 2018 en la Transglobal World Music Chart, la lista internacional de los mejores discos de músicas del mundo

TootArd es un conjunto del territorio ocupado de los Altos del Golán que combinan el blues del desierto influenciado por el Mediterráneo oriental, el rock psicodélico, el reggae y las modalidades árabes clásicas. Su segundo álbum, Laissez Passer, es su primer lanzamiento internacional.

Laissez Passer (déjalo pasar) es el documento que llevan los apátridas. Es todo lo que poseen los habitantes de los Altos del Golán. Desde 1967, el área ha sido parte de Israel, pero los habitantes no son israelíes. Ellos no tienen ninguna ciudadanía. No tienen pasaportes. Solo un Laissez Passer. Y para los miembros de TootArd que crecieron en el pueblo de Majdal Shams en el Golán, es un nombre muy apropiado para su nuevo álbum.

Laissez Passer son documentos especiales de situación“, explica el cantante y guitarrista Hasan Nakhleh. “Nos tomó un tiempo darnos cuenta del efecto. Somos residentes permanentes en Israel, pero no ciudadanos. No tenemos documentos de viaje. Cuando viajamos, necesitamos el laissez passer. Sin nacionalidad, oficialmente estamos ‘indefinidos’“.

Pero sin patria, los cinco músicos han descubierto la libertad musical. TootArd creció entendiendo que las fronteras son algo impuesto por los gobiernos, líneas que solo existen en un mapa. En un disco, en concierto, pueden ir a donde les lleve su imaginación. Ellos llevan su ciudadanía adentro.

Lo que hacemos ahora es el resultado de todo lo que hemos hecho y oído“, dice Nakhleh. “Comenzamos a escuchar música tuareg y nos enamoramos de ella. Resonó con nosotros. La música norteafricana es algo que hemos escuchado desde que éramos niños. Todos crecimos con la música árabe clásica. Al encontrar nuestro propio sonido, hemos descubierto cosas de todas partes“.

Cuando comenzamos en Majdal Shams, tocabamos versiones de reggae“, recuerda Nakhleh. “Mi familia está compuesta de músicos, aprendí música clásica, luego clásica occidental y descubrí más, especialmente Bob Marley. Con el reggae, aprendimos a hacer un ritmo. Entonces comenzamos a experimentar”.

El grupo lo integran Amr Mdah al saxofón y coros; Rami Nakleh al bajo, batería, percusión y coro; y Hasan Nakleh a las guitaras, piano y voz solista.

El resto de la lista:

Boubacar Traoré – Dounia Tabolo (Lusafrica)
Gabacho Maroc – Tawassol (10h10 / Cristal)
3MA: Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi, Rajery – Anarouz (Six Degrees)
Efrén López, Stelios Petrakis, Bijan Chemirani – Taos (Buda Musique)
Júlio Pereira – Praça do Comércio (Tradisom)
Kapela Maliszów – Wiejski Dżez (Unzipped Fly)
Maya Youssef – Syrian Dreams (Harmonia Mundi)
BKO – Mali Foli Coura (Buda Musique)
WoWaKin – Kraj za Miastem (WoWaKin)
Trio Da Kali and Kronos Quartet – Ladilikan (World Circuit)
Saz’iso – At Least Wave Your Handkerchief at Me: The Joys and Sorrows of Southern Albanian Song (Glitterbeat)
Gaiteiros de Lisboa – A História (Uguru)
Son Palenque – Kutu Prieta pa Saranguiá (Palenque)
Anouar Brahem – Blue Maqams (ECM)
Gili Yalo – Gili Yalo (Dead Sea)
Samurai Accordion – Te (Visage Music)
Canzoniere Grecanico Salentino – Canzoniere (Ponderosa Music)
Bao Sissoko, Mola Sylla & Wouter Vandenabeele – Tamala (Muziekpublique)
Lankum – Between the Earth and Sky (Rough Trade)

La Gira globalFEST: La Nueva Época Dorada de la música latina comienza el 2 de febrero de 2018

En las próximas semanas, tres de los mejores grupos jóvenes del panorama musical hispano de Estados Unidos van a estar de gira. La banda de folk acústico alternativo Las Cafeteras, del este de Los Ángeles; el grupo de mambo renovado Orkesta Mendoza, de Tucson, Arizona; y desde la ciudad de Nueva York, el mariachi de mujeres Flor de Toloache, representan lo más fresco, innovador y provocador entre las bandas de música hispanoamericana en los Estados Unidos hoy día.

La gira es parte de globalFEST: La Nueva Época Dorada de la Música Latina, la producción más reciente de globalFest On The Road. globalFEST On The Road es un concepto flexible de gira musical basado en globalFEST, el festival y muestra anual dedicada a las músicas del mundo celebrado en la ciudad de Nueva York. Este evento, que transcurre a lo largo de un día, presenta una extraordinaria gama de artistas de todo el mundo.

globalFEST:La Nueva Época Dorada de la Música Latina se divide en dos segmentos: los conciertos del 2 de febrero al 3 de marzo presentan a Las Cafeteras y Orkesta Mendoza; las actuaciones del 7 al 15 de marzo ofrecerán un programa doble con Las Cafeteras y Flor de Toloache.

Las Cafeteras

Las Cafeteras

 

El sexteto Las Cafeteras comenzó como un grupo de estudiantes en el Eastside Café, un espacio comunitario en el este de Los Ángeles. Allí aprendieron a tocar son jarocho, un estilo tradicional del estado de Veracruz, que tiene raíces españolas, africanas e indígenas. Veracruz está ubicado en el Golfo de México. Todos los integrantes de Las Cafeteras son hijos de inmigrantes.

El grupo incluye en su sonido instrumentos tradicionales mejicanos tales como la jarana, una guitarra de 8 cuerdas; la quijada de burro, usada como percusión; y una tarima de madera para el zapateado. Aunque su sonido esencial está basado en el son jarocho, Las Cafeteras añaden otros elementos como cumbia y rock. Es una mezcla de estilos y referencias musicales que sirve de vehículo a letras de contenido social, cantadas en inglés y español.

Somos activistas. Somos hijos del movimiento“, dijo David Flores, miembro de la banda, en una entrevista. “Pero no decimos que somos políticos. Decimos que somos narradores de cuentos. Lo que pasa es que no son los cuentos de la cultura dominante“.

El grupo ya ha lanzado dos discos. “La Bamba Rebelde”, una versión de “La Bamba” (quizás el son jarocho más conocido) con una fuerte carga social, fue parte del disco It’s Time (2012), y se popularizó como sintonía de la telenovela Bajo El Mismo Cielo en la cadena Telemundo. El segundo álbum de Las Cafeteras, Tastes Like LA, (Sabe a Los Ángeles) fue lanzado en abril de 2016 e incluye la canción “If I Was President” (Si Yo Fuera Presidente).

 

Las Cafeteras son Daniel French (voz, jarana), Enrique Chi (guitarra), Denise Carlos (voz, jarana, zapateado), José Cano (batería, cajón), Hector Flores (voz, jarana, zapateado) y Gloria Estrada (bajo)

Orkesta Mendoza

Orkesta Mendoza

 

La Orkesta Mendoza la creó en el 2009 el cantante y guitarrista Sergio Mendoza para tocar un concierto de 20 minutos en un homenaje a Dámaso Pérez Prado, el Rey del Mambo. Es un sexteto elegante que toca una potente mezcla de mambo, cumbia, psicodelia y rock. La música de la Orkesta, arreglada con un sonido de pequeña big band con toques electrónicos de baja fidelidad, habla de un mundo sin fronteras en el cual la cultura de los EE.UU. y las tradiciones hispanas se mezclan libremente.

Creo que eso tiene que ver con estar cerca de la frontera“, explicó Mendoza, en una entrevista con la revista Rhythm Passport. “Yo crecí en Nogales, Sonora. Vivir en México me expuso a la cumbia y muchos estilos regionales de México, como el mariachi y la música norteña. Cuando tenía 7 años, me mudé a Nogales, Arizona. Allí comencé a meterme en la música norteamericana y allí comenzó la mezcla de culturas“.

Desde mis 12 a 24 años, me olvidé por completo de la música latina,” dijo Mendoza. “Estudié un poco de muchos estilos en esos años. Un poquito de jazz, salsa, ska y mucho de rock. Tomé de todos esos estilos y así empezó Orkesta Mendoza. Hoy día queremos rockear un poco más. Por supuesto, tiene una base latina, pero nos gusta poner los amplificadores a tope y considerarnos una banda de rock“.

Esa es la música de ¡Vamos a Guarachar!, la edición más reciente de Orkesta Mendoza. El disco es una invitación a bailar mediante un viaje de estilos musicales que va desde el rock surfero al mambo y el pop rock.

 

 

La Orkesta Mendoza: Sergio Mendoza (voz, guitarra, teclados), Brian López (voz, guitarra eléctrica), Sean Rogers (bajo, voz), Marco Rosano (trombón, clarinete, acordeón, teclados), Quetzal Guerrero (violín, guitarra eléctrica, voz) y Jaime Peters (batería, programación).

Flor de Toloache

Flor de Toloache

Ganadoras del Latin GRAMMY en 2017 por su álbum Las Caras Lindas, el grupo de mujeres Flor de Toloache se presentará con Las Cafeteras para la parte final de la gira, a partir del 7 de marzo en Ciudad del Lago Salado (Salt Lake City), Utah.

La banda la crearon en 2008 la violinista, cantante, compositora y arreglista mejicano-dominicana Mireya Ramos, quien creció en Puerto Rico escuchando los discos de mariachi de su padre; y la cantante y vihuelista cubana-estadounidense Shae Fiol. Antes de formarse como grupo, Flor de Toloache comenzó como un trío de arpa, violín y vihuela (un instrumento semejante a una pequeña guitarra). Las integrantes incorporan a su música una amplia diversidad de raíces culturales, incluyendo México, Puerto Rico, la República Dominicana, Cuba, Australia, Colombia, Alemania, Italia y los Estados Unidos.

En el 2015, fueron nominadas a un Latin GRAMMY por su primer álbum autotitulado, el cual rindió homenaje al mariachi tradicional pero también mostraba influencias tales como el R&B. El nombre Flor de Toloache, alude a la flor blanca de la Datura, una planta que, de acuerdo a la leyenda, es un ingrediente clave de una poción para el amor.

Además de conciertos, la gira incluirá programas de alcance a la comunidad en universidades en todo el país así como también matinés para audiencias más jóvenes. De esta manera continúa la misión de globalFEST de llevar las músicas del mundo a los Estados Unidos.

Flor de Toloache son: Mireya Ramos (violín, voz), Shae Fiol (vihuela, voz), Julie Acosta (trompeta, voz), TBC (guitarrón, voz)

Gira:

Rhonda Vincent la otra ganadora del Grammy 2018 al Mejor Álbum de Bluegrass

All The Rage – Volume One” de Rhonda Vincent es uno de los dos ganadores del Grammy 2018 al Mejor Álbum de Bluegrass. Es el primero de un proyecto de dos partes.

Esta ha sido una aventura de cuento de hadas en la ciudad de Nueva York, y estamos muy felices y bendecidos por ganar ahora un Grammy de la Academia de Grabación; y es tan especial ganarlo en el 60° aniversario de los Grammys. Gracias a la Academia y a todos los votantes Grammy que hicieron esto posible“, dijo Rhonda.

Rhonda dice que es aún más especial, porque cada miembro de la banda se presenta en el proyecto, y el proyecto refleja perfectamente lo que presentan en cada espectáculo.

Esta primera victoria para Rhonda Vincent es histórica, ya que hubo un empate para el mejor álbum de Bluegrass, con los Stringdusters. Esta es una doble victoria para la música de bluegrass.

¡Felicitaciones a los Stringdusters!“, añadió Rhonda. “Creo que esto es genial para la música de bluegrass“.

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