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La etapa Gospel de Bob Dylan

Bob Dylan – Trouble no more (Columbia Records)

A la altura de l978-1980, Bob Dylan atravesaba una grave crisis personal, ocasionada por el doloroso (y costoso) divorcio de su gran musa de los años 60, la anterior modelo de la revista erótica Playboy, Sara Lowdnes, la mujer que inspiró joyas musicales y ardientes profesiones de amor de parte de Mr. Tambourine man (“If not for you”, “Sarah”, “Wedding son”). El álbum de 1974, “Blood on the tracks” documentó con especial sentimiento de pérdida y dolor esta situación de la pareja (“Fuimos unos buenos padres, pero no supimos ser un buen matrimonio”, confesaría más tarde el autor de “Blowin’ in the wind”).

Confuso y aturdido, desquiciado y deprimido, el creador de Minnesota se entregó con furor al trabajo artístico, como no podía ser menos en un autor de su categoría. “Street legal” fue un disco esotérico y volcánico, donde el tarot y la cábala insuflaban algún alivio al amante desesperado. Pero no fue hasta la conexión con alguna pequeña comunidad evangélica de California, a través de su amiga de la compañía discográfica CBS, Mary Alice Artes (“Covenant woman”), cuando Mr. Bobert Zimermann (recordemos, de familia y religión judía, procedente de Duluth, en el Iron Range del Medio Oeste) abrazó sin reparos la fe cristiana, y el descubrimiento de Jesús Salvador como único y exclusivo leit motiv de su redención.

Una trilogía de discos (“la etapa góspel de Dylan”), ilustra a la perfección este camino de penitencia hacia la Gracia divina: “Slow train coming”, “Shot of love” y “Saved”. Los dos primeros eludieron el fundamentalismo militante para entroncar directamente con una de las tradiciones más notables de la cultura afro-americana, en absoluto ajena al más joven y seminal Bobby Dylan de su primer álbum homónimo (1962). Allí encontrábamos ya temas como “Gospel plow” o “Fixin´to die”, del más puro estilo “spiritual blues”.

Nunca abandonó Dylan esa vertiente anti-materialista del folk (Woody Guthrie es su otro gran mentor en los primeros tiempos). Pero la profesión iluminada de conversión de los últimos 70 es otra cosa: un arrebato rotundo, sin fisuras, una declaración absoluta de vasallaje a Jesús de Nazaret. Sus conciertos “live” de esta etapa, desde Toronto hasta San Diego pasando por el Earls’ Court londinense, recogidos con profusión en este “Trouble no more” (ocho CDs y un DVD), muestran a un “entertainer” inspirado y en trance, deseoso de mostrar y defender con fiereza y firmeza su Buena Nueva. “Salvado, por la fuerza de la Cruz”.

Una gran banda de acompañamiento (Fred Tackett, guitarra de resonancias stonianas, eclesial órgano Hammond a cargo de Spooner Oldham, bajo funky de Tim Drummond, Jim Keltner a la bateria y un apoteósico coro femenino de voces rutilantes, lastimosas y chillonas (Clydie King, Madelaine Quebec, Carolyne Dennis) contribuyen al milagro de hacer audible y asimilable un mensaje más bien indigesto y estomagante. Dylan se lo cree, y nos hace creer a nosotros a través del único canal que nos interesa: un sonido perteneciente a lo mejor del histórico “góspel” de Alabama y Misisipi, al rock and roll que viene del más afroamericano “rhythm and blues” (Little Richard, Chuck Berry), y al funk machacante y reiterativo deudor de James Brown y Sly Stone.

Gran música para ser oída en los años 80, especialmente al calor del “directo”. Hoy, estos conciertos repletos de fuego y de azufre, quedan como testimonio de una época turbulenta, quejumbrosa, inconformista de Bob Dylan. Puro Dylan, pues, aunque con envoltorio pegajoso y a veces reiterativo (se repite incesante, al comienzo de casi cada álbum, la declaración de intenciones del Maestro: “Un lento tren se acerca, a la vuelta de la esquina”. “Tienes que servir a alguien, ya sea al Lord o al Diablo”. Aun así, cuatro o cinco pinceladas del penúltimo Premio Nobel de Literatura, nos remiten a lo mejor de su extraordinaria e inacabable trayectoria: “What can I do for you”, “Lenny Bruce”, “Pressing on” y, sobre todo, “Caribbean wind“ y “Every grain of sand” son joyas que ni el mayor de los desmadres confesionales pueden hacer olvidar, menos aún ningunear.

En las tiendas, un CD doble significa el resumen de esta borrachera de luz y sonido que supone esta nueva entrega de las “Bootleg series” (que recientemente bucearon en las legendarias “The Basement Tapes” de la Big Pink con The Band; la gestación pormenorizada de la trilogía “Bringin it al back home”, “Highway 61 Revisited” y “Blonde on Blonde”, el Dylan majestuoso y anfetamínico del 64-66. Y también la nueva revisión del “Self Portrait” uno de los vinilos más injustamente vituperados de la historia del rock (“¿Qué es esta mierda”, saludó en su día el inefable crítico Greil Marcus).

Ahora, “Trouble no more”, en tiempos de incredulidad y descreimiento, viene a advertirnos de que no todo está perdido en las tenebrosas tinieblas del Mal. Dios eterno y su Hijo en la Tierra puede ser una Verdad absoluta o simplemente una metáfora alegórica, una senda hacia la salida personal. Dylan encontró ese resquicio y pronto volvería a lo secular y a lo más humano. Le costaría una década de decadencia pero volvería por sus fueros en “Oh, Mercy”, “Time out of mind”, “Modern times”, “Tempest” y en el más reciente y conmovedor “Triplicate”.

Kebrada, lo nuevo de la sensacional Elida Almeida

En muy poco tiempo la cantante caboverdiana Elida Almeida se ha convertido en una de las voces más importantes del país africano. Su segundo álbum se llama Kebrada (el pueblo donde creció Elida).

En Kebrada, Elida deleita al oyente con ritmos caboverdianos como el batuque, funaná, coladera y tabanka aderezados con influencias de la música latina y pop.

 

 

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Relevantes conexiones caribeñas: la música jamaicana se encuentra con las canciones tradicionales cubanas

Varios artistas – Havana Meets Kingston (VP Records / 17 North Parade, 2017)

El productor australiano Mista Savona (también conocido como Jake Savona) reúne a algunos de los mejores músicos de Jamaica y Cuba en Havana Meets Kingston (La Habana se encuentra con Kingston). Aquí, el reggae y el dancehall se encuentran con el son cubano y otras formas de música tradicional cubana.

Cuando visité Cuba por primera vez en 2013, había algo en el aire; parecía estar suplicando que sucediera algo“, dijo Jake Savona. “El álbum hierve a fuego lento con una energía, calidez y sinceridad que parece cada vez más difícil de encontrar en esta era digital.”

En Havana Meets Kingston se escuchan versiones cubanas de clásicos del reggae y recreaciones de reggae y dancehall de clásicos cubanos como el popular ‘Chan, Chan’, ‘El Cuarto de Tula’ y ‘Candela’. La mezcla funciona realmente bien. Lo más flojillo son los dos temas con raperos al final del disco.

Havana Meets Kingston se grabó en La Habana, en donde los artistas cubanos se encontraron con sus homólogos jamaicanos.

El impresionante elenco incluye a los músicos cubanos Barbarito Torres (Buena Vista Social Club) en el laúd; Yaroldi Abreu en las congas; Félix Baloy (Afro-Cuban All Stars) en voz y percusión; Changuito (Los Van Van) en timbales; Rolando Luna (Buena Vista Social Club) al piano; Beatriz Márquez en la voz; Telmary Diaz en la voz; El Médico en los coros; Eugenio Rodríguez “Raspa” (Septeto Nacional Ignacio Piñeiros) en la voz; Julito Padrón en la trompeta; Maikel Ante en la voz; Francisco Solis Robert en la voz; Gaston Joya Perellada en el bajo; Pepe Ordaz en la voz; Juan de la Cruz “Cotó” Pérez en tres; Alejandro Falcon en los teclados; Juan Carlos Marín Elósegui en el trombón; Antonio Leal en el trombón; David Suárez en saxofón; los artistas de reggaetón La Armada (Puchoman & Krazyman); Oliver Valdés en percusión; Anyilena Perera en la voz; Brenda Navarrete en la voz.

Jamaicanos: Sly Dunbar en la batería; Robbie Shakespear en la guitarra; Bongo Herman en percusión; Ernest Ranglin en la guitarra; Winston “Bopee” Bowen en la guitarra; Leroy Sibbles (The Heptones) en la voz; Cornel Campbell en la voz; Earl ‘Chinna’ Smith en la guitarra; Burro Banton; El Príncipe Alla en la voz; Glasford ‘Porti’ Manning & The Jewels en la voz; Turbulence en las voces; Micah Shemiah en la voz; France Nooks en la voz; Exile The Brave en la voz; Sizzla en la voz; Lutan Fyan en la voz; I-Maali en la voz; Shaun ‘Bugzy’ Anderson en la percusión; Aza Lineage en la voz; y The Congos en la voz.

Invitados adicionales incluyen a Randy Valentine en la voz; Cali P en la voz; Jornick en la voz; Vince Vella en percusión; Aprendiz en voz; y Javier Fredes en la batería.

La música magistral y fascinante de Omar Faruk Tekbilek

Omar Faruk Tekbilek – “Love Is My Religion” (Alif Records, 2017)

Tras cinco años de ausencia, el gran multi-instrumentista y compositor turco Omar Faruk Tekbilek regresa con un magnifico álbum titulado  “Love Is My Religion” (El amor es mi religión).

Los discos de Omar Faruk Tekbilek son un cruce de culturas mediterráneas, desde el oriente turco hasta el flamenco de España y la música sefardí, mezclados con jazz y otros sonidos contemporáneos.

En ‘Love Is My Religion’ aparecen invitados de gran nivel, como la cantante  Yasmin Levy. A manera habitual, Omar Faruk interpreta una gran variedad de instrumentos como el ney, el ud (laúd), davul, bendir y la darbuka. Le acompañan Alex Alessandroni Jr. al piano; Bahadir Sener al kanun; Yossi Fine al bajo acústico; Chris Wabich a la batería; Amotz Plessner a la guitarra y teclados; y Hamid Saeidi al santur (salterio del Cercano Oriente).

Love Is My Religion es un disco exquisito que demuestra que Omar Faruk Tekbilek es uno de los músicos fundamentales dentro de las músicas del mundo.

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La chicha psicodelica de Austin

Money Chicha – Echo en Mexico

Money Chicha – Echo en Mexico (Vampisoul, 2016)

La cumbia colombiana ha viajado a lo largo de las Américas y se ha transformado en varios países. En el Perú se convirtió en chicha, una forma psicodélica tropical que recientemente ha sido redescubierta y se ha hecho popular en determinados círculos aficionados a la música retro. Money Chicha es un grupo instrumental estadounidense de Austin que ha adoptado el estilo peruano de la cumbia. Es interesante porque los músicos involucrados en Money Chicha también interpretan el estilo mejicano de la cumbia, que es muy diferente y más inclinado hacia el pop.

Money Chicha incluye músicos de dos formaciones bien conocidas de Austin, Grupo Fantasma y Brownout. Mientras que algunos se adhieren a la chicha clásica con guitarras psicodélicas, reverberación y otros efectos, junto con ritmos tropicales; Money Chicha incorpora otros elementos como el soul y el funk que tienen un sabor más estadounidense, junto con influencias de la cumbia mejicana.

Borrachera de amor

Ficha técnica:

Bob Dylan – Triplicate (Columbia Records, 2017)

Intérpretes: Bob Dylan (voz), Tony Garnier (bajo), Charlie Sexton (guitarra), Donnie Herron (steel guitar), Dean Parks (guitarra), George Receli (batería). Producido por Jack Frost (alias Bob Dylan).

No uno sino tres discos, de una sola tacada, de parte de Mr. Tambourine Man para demostrarnos una vez más, por si hacía falta, que no solo es uno de los mejores cantantes de todos los tiempos (sí, señores escandalicensen, sí), sino que toda su obra, ya extensa de 76 años de edad, 55 de actividad artística, doscientos conciertos al año, cuarenta discos originales, otros tantos (o muchos más) de los llamados “piratas”, cientos y cientos de versiones de canciones propias o ajenas…en fin, con Dylan todo es desmesurado. Y por si fuera poco, para escarnio de ignorantes y advenedizos, Premio Nobel de Literatura. Ahí queda eso.

Pero datos y datos palidecen frente a la auténtica realidad. Todo la obra de Mr.Zimmermann, desde el primer surco de su primer disco hasta la última estría de este triple “Triplicate” (que quede claro) está recorrida por un solo sentimiento (eso sí, en sus múltiples, inacabables variantes): el amor. Amor por la vida, amor por la raza humana, amor por las mujeres, amor por su país y, sobre todo, amor por la música.

No de otra forma se puede entender esta borrachera de sentimientos desplegada en este álbum triple. Después de pasearse con genio y figura por todos los géneros de la música popular estadounidense, desde el folk primigenio y esencial de Woody Guthrie, hasta el “blues” de Robert Johnson y tantos otros, pasando por el gospel/espiritual de los Staple Singers (Mavis, uno de sus grandes amores), la “topical song”, la canción denuncia, el primer rock and roll, la generación “beat” de su amigo Allen Gingsberg, su complicidad complicada con la Queen Joan Baez, su magisterio folk-country con The Band…Blind Boy Grunt viene a decirnos que las grandes voces clásicas, los “crooners”(Bing Crosby, Frank Sinatra, Hoagey Carmichael, Mel Tormé, Tony Bennet, Jack Jones) también le pertenecen, son también su patrimonio.

 

Bob Dylan – Triplicate (vinilo)

 

Disco 1

“Til the sun goes down” marca la pauta de estas 30 nuevas canciones, porque, aun siendo viejas, D. las hace suyas, frescas, propias. Es un Dylan taciturno, romántico, nostálgico. Voz frágil, quebradiza, rota por momentos, que dará pábulo para que algunos listillos digan que a) no tiene voz, o b) que este señor no sabe cantar. Benditas sean las orejas de algunos. Títulos que lo dicen todo : “I could have told you” (arrepentido), “Once upon a time” (curioso…”like a rolling stone”), sereno, rememorativo, puro sonido años 30), el famoso “Stormy weather”, emoción a punto de estallar, “That old feeling” (te ví la pasada noche…cuando viniste, tuve ese viejo sentimiento), “My one and only one” (“pensar realmente en ti, me hace sentir bien), para acabar con un toque ligero, algo optimista y con la alegria del “swing” : “Trade Winds”

 

 

Disco 2

“Devil dolls”. Los peligros de la gloria, la belleza marchita, las luminarias engañosas. Muñecas diablesas, sean reales, imaginadas o ficticias. No puede faltar “As time goes by”, himno para “lovers” donde los haya. “P.S.I love you” (nada que ver con la canción del mismo nombre de The Beatles) : “toma de nuevo la pluma, y escribe…”, promesa de nuevas canciones que habrán de llegar, porque “lo mejor está aún por venir” -ya lo dijo también allá por 1969 en “New morning”-, “But beatiful”, “Here´s that rainy day”..fogonazos del lado más soleado de la calle, que también haylos…Algunos de estos temas, como “Braggin'” podian haber tenido cobijo también en “Love and theft”, álbum premonitorio del actual, al tiempo que “Xmas in the heart”.

Disco 3

“Comin´home late”. Quinto y último disco, por el momento, dedicado a la era pre-industrial, pre-voracidad capitalista, esos tiempos felices de la inocencia, de la sencilla vida familiar alrededor de una vieja Victrola. “Shadows in the night” y “Fallen angels”, los dos anteriores álbumes del aspirante a Carusso enseñaban ya la senda. Nadie puede llamarse a engaño con este Traveling Wilbury. “Day in, day out” es pura explosión de júbilo, mientras “Sentimental journey” habla del olvido; “Somewhere along the way” y “When the world was young” insisten en la nostalgia creativa, mientras la voz se desvanece. “These foolish things” nos recuerda eso, las cosas tontas y absurdas de la vida, a la que damos tanta importancia. “Stardust” es un clásico donde los haya, de Nino Tempo y April Stevens a las pelis del no menos romántcio Woody Allen. “Tiene gracia para todo el mundo, pero no para mí” marca el territorio que va de lo frívolo a lo grave, nuestro amigo no está para bromas. Para el último tema de la saga queda una pregunta : “Why I was born?”

Tú ¿qué crees, amigo. ? ¿Naciste para ser salvaje? (Steppenwolf). O ¿naciste para estar conmigo? O simplemente, naciste destinado a la gloria (de nuevo, Woody). Creo, Bob, que naciste para confundir a unos cuantos, arremeter contra otros tantos impíos, señores de la guerra, incurrir en contradicciones (humano al fin y al cabo). Y sobre todo, naciste para hacernos felices a otros muchos privilegiados.

 

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Elianes Elias saluda a la samba

Eliane Elias – Dance of Time (Concord Records, 2017)

La pianista paulistana (oriunda de San Paulo, Brasil) Eliane Elias, con 57 años ya cumplidos el pasado19 de marzo y con 24 discos bajo los brazos dice presente. Una carrera prolífica y extensa. Carrera que toma otro giro cuando la brasileña decide abrazar la vocalización.

Es evidente para unos que la Eliane-vocalista va en detrimento de la Eliane-pianista. Tal vez el mundo del jazz no ofrece muchas oportunidades para esos meros instrumentistas. Abrirse al mundo vocal ofrece facilidades de tocar otras puertas. El público tiende a identificarse con los intérpretes. No es un hecho fortuito que la pianista canadiense Diana Krall también saltara primero al canto, pese a las limitaciones.

No teman, la Eliane-pianista no desaparece en “Dance of Time”. Su piano bulle, vibra y se disfruta a plenitud. El álbum es un equilibrado ejercicio de temas sopesados con exquisitez, invitados bien conducidos (no meras visitas) y una producción impecable.

Es producido por la misma Elias junto a su esposo, el bajista Marc Johnson y Steve Rodby. Fue grabado en Brasil y toma como partida los cien años de la samba. Hay que destacar como el recurso vocal permea unos temas de manera esplendida. Lo hace desde el fondo, sirviendo de lienzo para preparar a que la melodía despunte y brille. Corre bajo la responsabilidad del integrante de Take 6, Mark Bibble. Se aprecia la voz en “Copacabana” y de manera aún más atractiva en la samba de medio tempo “By hands” y en “Speak low”.

Es, sin embargo, su dueto con Joao Bosco en la samba jazzeada “Cosa feita” resulta la verdadera joya del disco. Plácido y con balanceado gusto. Dulcemente vertiginoso y el piano de Eliane tocando ese lado derecho de los teclados. Su tarareo sin fin está garantizado.

Cuando Eliane interpreta en su idioma portugués se disfruta todavía más por la espontaneidad y la musicalidad del lenguaje. En esas baladas de media luz, se maneja con sensualidad e intimidad.

Unas figuras importantes en la carrera de la brasileña aparecen aquí. Tal como su ex esposo Randy Brecker en la trompeta de “Speak Low” y el vibrafonista Mike Mainieri en la tenue y precisa balada “Little Paradise”.

Otros importantes músicos brasileños dejan su huella como el guitarrista Marcus Teixeira, el bajista Marcelo Mariano, el batería Edu Ribeiro, el guitarrista Conrado Goys, los percusionistas Gustavo di Dalva y Marivaldo dos Santos. Además, el veterano pianista Amilton Godoy, figura vital en la vida música de la paulistana.

Un disco con marcada esencia brasileña y una pianística sutilmente conmovedora.

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El mestizaje de Estambul

Light in Babylon – “Yeni Dunya” (disco independiente, 2016)

“Yeni Dunya” (Nuevo mundo) es el segundo disco de un grupo de músicas del mundo afincado en Estambul llamado Light in Babylon (luz en Babilonia). Esta formación mezcla la música turca con influencias sefardíes y de otras partes del mundo. Hay temas originales así como dos canciones de música popular turca y la célebre canción de John Lennon, “Imagine” recreada con sabrosos ritmos turcos.

El sonido de Light in Babylon está caracterizado por la voz apasionada y carismática de la cantante israelí de origen iraní, Michal Elia Kamal; el sonido hipnotizante del santur tocado por el virtuoso Metehan Çifçi; las percusiones del cercano oriente; y las guitarras del Julien Demarque.

La formación que aparece en el disco la integran Michal Elia Kamala la voz y darbuka; Julien Demarque a la guitarra, laúd árabe y voz; Metehan Çifçi al santur y sansula (sanza); Jack Butler al bajo; Stuart Dickson a la percusión; y el invitado Ceyhun Kaya al clarinete.

Yeni Dunya del grupo Light in Babylon representa el mestizaje musical que tiene lugar en Estambul, con una mezcla deliciosa de las tradiciones del cercano oriente.

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Recuperación de la gaita finlandesa

Päre – Hausjärvi Beat (Zebo Records ZBR01, 2016)

El grupo säkkipill nos ofrece la oportunidad de escuchar de nuevo a un instrumento que casi había desparecido en Finlandia, la säkkipill o gaita finlandesa. El gaitero Petri Prauda es el principal impulsor de la recuperación de la gaita finlandesa.

Päre ha editado un disco magnifico titulado Hausjärvi Beat en el que mezcla la música tradicional finlandesa con temas nuevos inspirados en el folclore finlandés.

La gaita finlandesa tiene un sonido muy bonito y suave, más cercano a la gaita irlandesa que a las gaitas potentes de Escocia y Galicia.

Päre lo integran Petri Prauda a las gaitas; Piia Kleemola al violin y kantele de 15 cuerdas; Jarmo Romppanen a la mandola de 10 cuerdas; Oskari Lehtonen a la percusión; y Tapani Varis al clarinete, guimbarda y flauta.

Hausjärvi Beat nos presenta música fascinante lideradada por la gaita e inspirada en las tradiciones musicales nórdicas.

Compra la version digital de digital version of Hausjärvi Beat.

El CD lo puedes conseguir aquí etno.net/cd/hausjarvi_beat

Las voces maravillosas de Tuuletar

Tuuletar – Tules Maas Vedes Taivaal (Bafe’s Factory, 2016)

Tules Maas Vedes Taivaal es un disco exquisito mu música a cappella interpretada por el cuarteto finlandés Tuuletar. El conjunto integrado por cuatro mujeres jóvenes canta composiciones originales inspiradas en la música clásica, la música tradicional finlandesa, el pop y la música electrónica. A pesar de que he mencionado la música electrónica, el cuarteto no utiliza aparatos electrónicos. En lugar de ello, una de las componentes de Tuuletar aporta la caja de ritmos humana (beatbox en inglés), en donde la voz imita los sonidos de una caja de ritmos electrónica.

A pesar de que las cuatro integrantes de Tuuletar son de Finlandia, las cuatro artistas se conocieron en la Academia Real de la Música de Dinamarca. Las cuatro jóvenes se hicieron amigas y crearon uno de los conjuntos a cappella más fascinantes del panorama internacional actual. Su sonido tiene elementos de la música tradicional, pero también suena fresco y actual, con magníficas armonías de estilo finlandés que tanto gustan a los seguidores de las músicas del mundo, y la caja de ritmos que hace que la música de Tuuletar sea muy atractiva para las generaciones más jóvenes.

Las componentes del conjunto son Venla Ilona Blom (voz y caja de ritmos), Sini Koskelainen (voz), Johanna Kyykoski (voz) y Piia Säilynoja (voz).

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