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Borrachera de amor

Ficha técnica:

Bob Dylan – Triplicate (Columbia Records, 2017)

Intérpretes: Bob Dylan (voz), Tony Garnier (bajo), Charlie Sexton (guitarra), Donnie Herron (steel guitar), Dean Parks (guitarra), George Receli (batería). Producido por Jack Frost (alias Bob Dylan).

No uno sino tres discos, de una sola tacada, de parte de Mr. Tambourine Man para demostrarnos una vez más, por si hacía falta, que no solo es uno de los mejores cantantes de todos los tiempos (sí, señores escandalicensen, sí), sino que toda su obra, ya extensa de 76 años de edad, 55 de actividad artística, doscientos conciertos al año, cuarenta discos originales, otros tantos (o muchos más) de los llamados “piratas”, cientos y cientos de versiones de canciones propias o ajenas…en fin, con Dylan todo es desmesurado. Y por si fuera poco, para escarnio de ignorantes y advenedizos, Premio Nobel de Literatura. Ahí queda eso.

Pero datos y datos palidecen frente a la auténtica realidad. Todo la obra de Mr.Zimmermann, desde el primer surco de su primer disco hasta la última estría de este triple “Triplicate” (que quede claro) está recorrida por un solo sentimiento (eso sí, en sus múltiples, inacabables variantes): el amor. Amor por la vida, amor por la raza humana, amor por las mujeres, amor por su país y, sobre todo, amor por la música.

No de otra forma se puede entender esta borrachera de sentimientos desplegada en este álbum triple. Después de pasearse con genio y figura por todos los géneros de la música popular estadounidense, desde el folk primigenio y esencial de Woody Guthrie, hasta el “blues” de Robert Johnson y tantos otros, pasando por el gospel/espiritual de los Staple Singers (Mavis, uno de sus grandes amores), la “topical song”, la canción denuncia, el primer rock and roll, la generación “beat” de su amigo Allen Gingsberg, su complicidad complicada con la Queen Joan Baez, su magisterio folk-country con The Band…Blind Boy Grunt viene a decirnos que las grandes voces clásicas, los “crooners”(Bing Crosby, Frank Sinatra, Hoagey Carmichael, Mel Tormé, Tony Bennet, Jack Jones) también le pertenecen, son también su patrimonio.

 

Bob Dylan – Triplicate (vinilo)

 

Disco 1

“Til the sun goes down” marca la pauta de estas 30 nuevas canciones, porque, aun siendo viejas, D. las hace suyas, frescas, propias. Es un Dylan taciturno, romántico, nostálgico. Voz frágil, quebradiza, rota por momentos, que dará pábulo para que algunos listillos digan que a) no tiene voz, o b) que este señor no sabe cantar. Benditas sean las orejas de algunos. Títulos que lo dicen todo : “I could have told you” (arrepentido), “Once upon a time” (curioso…”like a rolling stone”), sereno, rememorativo, puro sonido años 30), el famoso “Stormy weather”, emoción a punto de estallar, “That old feeling” (te ví la pasada noche…cuando viniste, tuve ese viejo sentimiento), “My one and only one” (“pensar realmente en ti, me hace sentir bien), para acabar con un toque ligero, algo optimista y con la alegria del “swing” : “Trade Winds”

 

 

Disco 2

“Devil dolls”. Los peligros de la gloria, la belleza marchita, las luminarias engañosas. Muñecas diablesas, sean reales, imaginadas o ficticias. No puede faltar “As time goes by”, himno para “lovers” donde los haya. “P.S.I love you” (nada que ver con la canción del mismo nombre de The Beatles) : “toma de nuevo la pluma, y escribe…”, promesa de nuevas canciones que habrán de llegar, porque “lo mejor está aún por venir” -ya lo dijo también allá por 1969 en “New morning”-, “But beatiful”, “Here´s that rainy day”..fogonazos del lado más soleado de la calle, que también haylos…Algunos de estos temas, como “Braggin'” podian haber tenido cobijo también en “Love and theft”, álbum premonitorio del actual, al tiempo que “Xmas in the heart”.

Disco 3

“Comin´home late”. Quinto y último disco, por el momento, dedicado a la era pre-industrial, pre-voracidad capitalista, esos tiempos felices de la inocencia, de la sencilla vida familiar alrededor de una vieja Victrola. “Shadows in the night” y “Fallen angels”, los dos anteriores álbumes del aspirante a Carusso enseñaban ya la senda. Nadie puede llamarse a engaño con este Traveling Wilbury. “Day in, day out” es pura explosión de júbilo, mientras “Sentimental journey” habla del olvido; “Somewhere along the way” y “When the world was young” insisten en la nostalgia creativa, mientras la voz se desvanece. “These foolish things” nos recuerda eso, las cosas tontas y absurdas de la vida, a la que damos tanta importancia. “Stardust” es un clásico donde los haya, de Nino Tempo y April Stevens a las pelis del no menos romántcio Woody Allen. “Tiene gracia para todo el mundo, pero no para mí” marca el territorio que va de lo frívolo a lo grave, nuestro amigo no está para bromas. Para el último tema de la saga queda una pregunta : “Why I was born?”

Tú ¿qué crees, amigo. ? ¿Naciste para ser salvaje? (Steppenwolf). O ¿naciste para estar conmigo? O simplemente, naciste destinado a la gloria (de nuevo, Woody). Creo, Bob, que naciste para confundir a unos cuantos, arremeter contra otros tantos impíos, señores de la guerra, incurrir en contradicciones (humano al fin y al cabo). Y sobre todo, naciste para hacernos felices a otros muchos privilegiados.

 

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Elianes Elias saluda a la samba

Eliane Elias – Dance of Time (Concord Records, 2017)

La pianista paulistana (oriunda de San Paulo, Brasil) Eliane Elias, con 57 años ya cumplidos el pasado19 de marzo y con 24 discos bajo los brazos dice presente. Una carrera prolífica y extensa. Carrera que toma otro giro cuando la brasileña decide abrazar la vocalización.

Es evidente para unos que la Eliane-vocalista va en detrimento de la Eliane-pianista. Tal vez el mundo del jazz no ofrece muchas oportunidades para esos meros instrumentistas. Abrirse al mundo vocal ofrece facilidades de tocar otras puertas. El público tiende a identificarse con los intérpretes. No es un hecho fortuito que la pianista canadiense Diana Krall también saltara primero al canto, pese a las limitaciones.

No teman, la Eliane-pianista no desaparece en “Dance of Time”. Su piano bulle, vibra y se disfruta a plenitud. El álbum es un equilibrado ejercicio de temas sopesados con exquisitez, invitados bien conducidos (no meras visitas) y una producción impecable.

Es producido por la misma Elias junto a su esposo, el bajista Marc Johnson y Steve Rodby. Fue grabado en Brasil y toma como partida los cien años de la samba. Hay que destacar como el recurso vocal permea unos temas de manera esplendida. Lo hace desde el fondo, sirviendo de lienzo para preparar a que la melodía despunte y brille. Corre bajo la responsabilidad del integrante de Take 6, Mark Bibble. Se aprecia la voz en “Copacabana” y de manera aún más atractiva en la samba de medio tempo “By hands” y en “Speak low”.

Es, sin embargo, su dueto con Joao Bosco en la samba jazzeada “Cosa feita” resulta la verdadera joya del disco. Plácido y con balanceado gusto. Dulcemente vertiginoso y el piano de Eliane tocando ese lado derecho de los teclados. Su tarareo sin fin está garantizado.

Cuando Eliane interpreta en su idioma portugués se disfruta todavía más por la espontaneidad y la musicalidad del lenguaje. En esas baladas de media luz, se maneja con sensualidad e intimidad.

Unas figuras importantes en la carrera de la brasileña aparecen aquí. Tal como su ex esposo Randy Brecker en la trompeta de “Speak Low” y el vibrafonista Mike Mainieri en la tenue y precisa balada “Little Paradise”.

Otros importantes músicos brasileños dejan su huella como el guitarrista Marcus Teixeira, el bajista Marcelo Mariano, el batería Edu Ribeiro, el guitarrista Conrado Goys, los percusionistas Gustavo di Dalva y Marivaldo dos Santos. Además, el veterano pianista Amilton Godoy, figura vital en la vida música de la paulistana.

Un disco con marcada esencia brasileña y una pianística sutilmente conmovedora.

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El mestizaje de Estambul

Light in Babylon – “Yeni Dunya” (disco independiente, 2016)

“Yeni Dunya” (Nuevo mundo) es el segundo disco de un grupo de músicas del mundo afincado en Estambul llamado Light in Babylon (luz en Babilonia). Esta formación mezcla la música turca con influencias sefardíes y de otras partes del mundo. Hay temas originales así como dos canciones de música popular turca y la célebre canción de John Lennon, “Imagine” recreada con sabrosos ritmos turcos.

El sonido de Light in Babylon está caracterizado por la voz apasionada y carismática de la cantante israelí de origen iraní, Michal Elia Kamal; el sonido hipnotizante del santur tocado por el virtuoso Metehan Çifçi; las percusiones del cercano oriente; y las guitarras del Julien Demarque.

La formación que aparece en el disco la integran Michal Elia Kamala la voz y darbuka; Julien Demarque a la guitarra, laúd árabe y voz; Metehan Çifçi al santur y sansula (sanza); Jack Butler al bajo; Stuart Dickson a la percusión; y el invitado Ceyhun Kaya al clarinete.

Yeni Dunya del grupo Light in Babylon representa el mestizaje musical que tiene lugar en Estambul, con una mezcla deliciosa de las tradiciones del cercano oriente.

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Recuperación de la gaita finlandesa

Päre – Hausjärvi Beat (Zebo Records ZBR01, 2016)

El grupo säkkipill nos ofrece la oportunidad de escuchar de nuevo a un instrumento que casi había desparecido en Finlandia, la säkkipill o gaita finlandesa. El gaitero Petri Prauda es el principal impulsor de la recuperación de la gaita finlandesa.

Päre ha editado un disco magnifico titulado Hausjärvi Beat en el que mezcla la música tradicional finlandesa con temas nuevos inspirados en el folclore finlandés.

La gaita finlandesa tiene un sonido muy bonito y suave, más cercano a la gaita irlandesa que a las gaitas potentes de Escocia y Galicia.

Päre lo integran Petri Prauda a las gaitas; Piia Kleemola al violin y kantele de 15 cuerdas; Jarmo Romppanen a la mandola de 10 cuerdas; Oskari Lehtonen a la percusión; y Tapani Varis al clarinete, guimbarda y flauta.

Hausjärvi Beat nos presenta música fascinante lideradada por la gaita e inspirada en las tradiciones musicales nórdicas.

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El CD lo puedes conseguir aquí etno.net/cd/hausjarvi_beat

Las voces maravillosas de Tuuletar

Tuuletar – Tules Maas Vedes Taivaal (Bafe’s Factory, 2016)

Tules Maas Vedes Taivaal es un disco exquisito mu música a cappella interpretada por el cuarteto finlandés Tuuletar. El conjunto integrado por cuatro mujeres jóvenes canta composiciones originales inspiradas en la música clásica, la música tradicional finlandesa, el pop y la música electrónica. A pesar de que he mencionado la música electrónica, el cuarteto no utiliza aparatos electrónicos. En lugar de ello, una de las componentes de Tuuletar aporta la caja de ritmos humana (beatbox en inglés), en donde la voz imita los sonidos de una caja de ritmos electrónica.

A pesar de que las cuatro integrantes de Tuuletar son de Finlandia, las cuatro artistas se conocieron en la Academia Real de la Música de Dinamarca. Las cuatro jóvenes se hicieron amigas y crearon uno de los conjuntos a cappella más fascinantes del panorama internacional actual. Su sonido tiene elementos de la música tradicional, pero también suena fresco y actual, con magníficas armonías de estilo finlandés que tanto gustan a los seguidores de las músicas del mundo, y la caja de ritmos que hace que la música de Tuuletar sea muy atractiva para las generaciones más jóvenes.

Las componentes del conjunto son Venla Ilona Blom (voz y caja de ritmos), Sini Koskelainen (voz), Johanna Kyykoski (voz) y Piia Säilynoja (voz).

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Guillermo Zarba, “Los tiempos del agua”

Guillermo Zarba - Los tiempos del aguaEl más reciente trabajo del gran pianista y compositor argentino es una obra conceptual poético-musical presentada en CD y DVD editados por Pretal, que tiene como eje inspirador y temático el río y su contenido, el agua. Los temas compuestos y arreglados por Zarba van describiendo diferentes realidades del agua, de su fluir, de la vida que lleva, a través de la música y la palabra, entre el expresionismo puro del piano, la poesía hablada o el folklore instrumental.

Guillermo Zarba es un músico consagrado, de sólida formación académica y con más de cuarenta años de experiencia con la música. Los trabajos realizados por este artista nacido en la provincia de Entre Ríos, tienen siempre la profundidad y el puntillismo del compositor que elije con celo cada nota y la sensibilidad del poeta para expresar con el ojo del corazón.

El agua atraviesa el ambiente natural de la tierra de la que Zarba es oriundo. Ríos de grandes cauces llevan en su discurrir más que agua, pero en esencia, es el fluido lo que los conforma. El artista retrata en cada pequeño movimiento que configura cada pista del disco, a través de la música o la poesía, el universo que conforma el agua, que vive en el agua y en su entorno.

En “Los tiempos del agua”, van fluyendo varios y variados ritmos del folklore, con particulares arreglos capaces de modular y manifestar la visión del hombre. Poesías, habladas o cantadas,  que describen, como sólo la palabra puede hacer, la recreación del mundo inspirado.

La grabación del disco contó con Guillermo Zarba en composición, piano, arreglos y voz en relatos, y la participación de prestigiosos músicos como Mauricio Marcelli en violín y dirección artística, Hugo Romero y Claudio Ceccoli en guitarras, María Silva y Marino Frezetti en voces, José Bulos en piano, Ariel Cardoso en contrabajo, Daniel Ruggiero y Gustavo Reynoso en bandoneones y Marcelo García en percusión.

Guillermo Zarba

Pianista, compositor y arreglador. Comenzó su actividad artística hace más de cuarenta años como solista en su provincia natal, Entre Ríos, y en pequeños escenarios de Buenos Aires. A partir de su primera grabación en el año 1976, comenzó a actuar con formaciones instrumentales. A lo largo de su carrera se ha presentado en diversos escenarios de Argentina y realizado giras en el exterior. Grabó y compartió escenario con artistas de alto nivel musical y gran prestigio internacional. Ha hecho arreglos de composiciones de Carlos Guastavino, Eduardo Falú, Atahualpa Yupanqui, Astor Piazzolla y Gustavo “Cuchi” Leguizamón.

En el año 2010 presentó sus composiciones “Libaciones” y algunos movimientos de “Los Tiempos del Agua” en el Teatro Coliseo de Buenos Aires con interpretación de la  Orquesta Sinfónica del Río de La Plata y la dirección de Lucía Zicos. En la actualidad se encuentra participando de diversos proyectos, entre ellos, organizando la puesta de “Los Tiempos del Agua”, gestionando Workshops y clínicas con su participación en el piano en calidad de solista y exhibición del Dvd en las ciudades de San Pablo y Porto Alegre, Brasil, con las Direcciones de Cultura de Basavilbaso y Gualeguaychú, Entre Ríos y en Roma y Vicenza, Italia.

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A quitarnos lo malo con los hermanos Ochoa

Eliades Ochoa & Alma Latina – “Guajira más guajira” (Tumi Records, 2015)

Más que un disco del santiaguero Eliades Ochoa, es un trabajo de su hermana María Ochoa. Eliades apenas participa como vocalista. Es su hermana la que toma las riendas interpretativas en la mayoría de las ocasiones mientras Eliades se encarga de ejecutar el armónico (híbrido de la guitarra española y el tres cubano) y poner sus gestos vocales en los coros.

El disco alardea aroma ecléctico, se torna eléctrico por momentos y se inclina hacia otras direcciones. Tal vez de eso se trata Alma Latina, una variedad de sonoridades del continente a flor de piel.

Vamos al repertorio. Los Ochoa se apoyan en siete y ocho músicos. “Que viva la alegría”, como primera muestra, se detiene por un momento en el pulso del reggae para retomar curso como cumbia. Y la guitarra eléctrica irrumpe ruidosamente abriéndose paso hacia al son.

 

 

La animación de María es precisa, natural y gozosa. “El Punto Cubano”, otra de las piezas, ese clásico guajiro de Celina González, toma camino eléctrico desde el comienzo y le va bien. Una vez más es María Ochoa en la vocalización. En el corte, la guitarra eléctrica sirve de colchón armónico para que el tres cubano se exhiba, aparte de tornarse de instigadora para que a la superficie salga la esencia bailable para colocar a su merced a los más exigentes bailadores.

El álbum tiene la impronta de Julio Montoro, no solo en la producción, sino también en la mezcla. Aparte de agenciarse la ejecución del tres y la guitarra acústica. Es un nombre a tener en cuenta.

Otra tema más del repertorio, “Su aliento me hace falta”, esta vez con Eliades en la voz, entra como un bossa nova y una trompeta asordinada adorna maravillosamente. Inmediatamente se desliza hacia un son bolero.

Y hay más en un disco que contiene 13 canciones. Como por ejemplo, “Te sigo amando”, que es otra prueba del arcoíris de estilos que exhibe el álbum. De entrada, hace de una morna prestada de la caboverdiana Cesaria Évora, un vallenato se ve desde lo lejos y la melodía a veces nos evoca a “Gracias a la vida”, de Violeta Parra. Es un instrumental compuesto por Julio Montoro, uno de sus cuatros temas incluidos aquí. Y no nos da tregua ”Guajira más Guajira” con su acertado discurrir.

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Sociedade Recreativa, la tradición del futuro

Sociedade Recreativa – Sociedade Recreativa (Jarring Effects, FX130, 2016)

Dos fuerzas se unen: Forro de Rebeca y Maga Bo. Y se constituyen en Sociedade Recreativa. La tradición musical del nordeste brasileño llevada de la mano de lo electrónico. El estadounidense Maga Bo, establecido en Rio de Janeiro, se encarga de lo último. Los primeros, Forro de Rebeca inyectan lo brasileño. Maga lo hace sin subvertir la raíz, la realza, la embellece. Y ahí late el encanto. Todo encaja.

El mestizaje se gesta en Lyón, Francia, que se proyecta como una de las ciudades más afines a las novedades electrónicas de la actualidad.

Los efectos electrónicos propios del espacio sideral se posan sobre el tema “Boa Noite” y preparan el terreno para una irrupción rítmica. Y el golpe cunde efecto en el oyente de inmediato. Un hipnótico halo peinado por un sonido de acordeón nordestino. Es la joya del álbum.

En otro, el berimbau se hace dulcemente tenso, palpita y la capoeira entra y queda en el aire. El pulso galopante se hace lento y certero, abre camino mientras el acordeón desata esas abstractas sonoridades en “E camarada”, un hip hop muy oculto y evasivo.

En otra pieza como “Sereia”, este parece venir de los predios de Luis Gonzaga con esa entrada de baiao, el repique del triángulo y unas voces que vienen desde lo lejos. Cautivante de arriba abajo.

Hay más. La canción “A banda”, una versión sui generis de Chico Science, se me antoja, se acoge al vaivén del acordeón (!otra vez!) y los guiños tecno siempre adornan, nunca distorsionan.

El trío franco-brasileño Forro de Rebeca y el estadounidense Maga Bo saben jugar las cartas y logran un equilibrio de fuerzas que cautivan. Eso es Sociedade Recreativa. Puro deleite.

Funk, fusión y ficción canadienses.

Abandon earthAbandon earth” es el quinto disco de la potente agrupación canadiense Five alarm funk basado en una historia conceptual de ficción en la que un robot gigante y tirano destruye la Tierra.

El atrevimiento de esta banda con raíz en Vancouber, para, desde el funk, estallar en un sonido potente que no da tregua, y expandirse en una fusión de elementos de rock gitano, música latina, ska y hasta metal progresivo, demuestra la creatividad de sus integrantes que utilizan la música como forma de romper estructuras para crear una expresión propia y auténtica.

Five alarm funk es una de esas bandas conformada por numerosos miembros (nueve) que tienen un fuerte atractivo en sus presentaciones en directo y que, desde allí, proponen un estilo salvaje e intenso en sus grabaciones.

Esta banda lleva más de una década de carrera con cinco álbumes editados y cuatro giras nacionales en las que han ido creciendo poco a poco. “Abandon earth” demuestra la excelente forma en la que se encuentra esta dinámica agrupación que próximamente estará editando un nuevo trabajo de estudio.

Abandon earth” va pisando fronteras de sonidos y climas diversos, saliéndose de a ratos de los límites de lo preconcebido. Es un disco potente que expresa la historia apocalíptica que cuenta (la del tirano robot gigante que destruye la Tierra), en la que cada uno de los integrantes de la banda va aportando su punto de vista en sonidos que viajan a alta velocidad entre los Balcanes, la música latina y un acelerador metálico que es intencionalmente apretado para movilizar y sacudir.

Five alarm funk cuenta con nominaciones y diversos premios nacionales en la escena musical canadiense y prepara una gira por Estados Unidos, Europa y Oceanía. La banda de Vancouver está compuesta por: Gabe Boothroyd (guitarra), Oliver Gibson (guitarra), Neil Towers (bajo), Tayo Branston (batería y voz) Tom Towers (congas), Carl Julig (timbales), Nimish Parekh (trombon), Dameian Walsh (saxo) y Kent Wallace (trompeta)

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Funk potente modernizado mezclado con la música carnavalesca de los indios del Mardi Gras

Cha Wa – Funk ‘n’ Feathers (Upt Music, 2016)

Cha Wa es un magnifico grupo multiétnico de Nueva Orleans que reúne la tradición llamativa de los indios del carnaval Mardis Gras y las cadencias funk polirrítmicas irresistibles. Los indios del Mardi Gras son agrupaciones llamativas de músicos y cantantes afroamericanos que se visten con trajes y plumas coloridos. Desfilan durante el carnaval de Nueva Orleans y representan una tradición muy popular.

A pesar de que Cha Wa ha existido durante varios años, llevando a cabo numerosas actuaciones en directo, Funk ‘n’ Feathers (funk y plumas) es el primer álbum de Cha Wa. “Cha Wa” es una frase de la jerga de Nueva Orleans utilizada por cada tribu india del carnaval que indica “estamos viniendo hacia ti.”

Cha Wa inyecta el funk callejero en temas clásicos de Nueva Orleans como “All On A Mardi Gras Day” de Dr. John y “Jock-A-Mo” (también conocido como “Iko Iko ‘). El grupo está dirigido por el cantante y percusionista Honey Banister y el batería Joe Gelini. Honey Banister es el Gran Jefe de la tribu Creole Wild West. Apareció en la maravillosa serie Treme de HBO. Gelini se trasladó a Nueva Orleans después de graduarse en el Berklee College of Music de Boston. Joe vio a los indios del carnaval que aparecieron en el día de carnaval para desfilar por la calle Dryades. “Estaba enganchado,” dice Gelini. “Es una cosa espiritual. Es algo más que la música”.

La alineación en Funk ‘n’ Feathers incluye a Big Chief Irving “Honey” Banister en la voz principal y pandereta; Spy Boy J’Wan Boudreaux (nieto del Gran Jefe Monk Boudreaux de los Golden Eagles) en la voz principal y pandereta; Joe Gelini en la batería, percusión y coros; John Fohl en guitarra y coros; Sheizo Shibayama en la guitarra; Stephen Malinowski en el órgano; Yoshitaka “Z2” Tsuji en el piano acústico y piano eléctrico Rhodes; y Norwood “Geechie” Johnson, de los legendarios Wild Magnolias en el bombo y coros.

Los invitados especiales incluyen: Haruka Kikuchi en el trombón; Irving Banister Sr. en la guitarra rítmica; el productor Ben Ellman en el saxofón alto; David Crawford en la voz principal; y Colin Lake en la guitarra lap steel.

Próximos conciertos:

31 de marzo – Lafayette’s – Memphis, Tenesí
1 de abril – Nilo Azul [presentación del disco] – Nueva Orleans, Luisiana
7 de abril – French Quarter Fest – Nueva Orleans, Luisiana
10 de abril – Nueva Orleans, Luisiana
21 de abril – Ogden Museum of Southern Art – Nueva Orleans, Luisiana
23 de abril – New Orleans Jazz & Heritage Festival – Nueva Orleans, Luisiana
30 de abri – French Broad River Festival – Asheville, Carolina del Norte
4 de junio – Michael Arnone’s Crawfish Festival – Augusta, Nueva Jersey

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