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Fallece Yomo Toro, uno de los grandes de la música puertorriquña

Yomo Toro
El guitarrista de renombre internacional reconocido como “El Rey del Cuatro” Yomo Toro falleció el 30 de junio del 2012 a las 23:40 (11:40 pm) después de estar internado en un hospital de Nueva York por mas de un mes por insuficiencia renal. Tenía 78 años de edad.

Yomo Toro presentó por más de sesenta años el instrumento nacional de Puerto Rico, “el cuatro” al mundo entero. La música de Yomo Toro abarcaba desde las plenas, seis, y bombas de su país natal Puerto Rico hasta la salsa, jazz, rock, guitarra clásica y flamenco.

Víctor Guillermo Toro Vega Ramos Rodríguez Acosta nació en el barrio Ensenada de Guanica de Puerto Rico. A los cinco años, Yomo utilizó una caja como refuerzo para poder trepar para tocar la guitarra de su papá, que colgaba en la pared. Fue sorprendido por su padre Alberto que, en lugar de enojarse, le pidió al niño apodado “Yermo” que volviera a la caja y siguiera tocando la guitarra. Lo hizo. Cuando levantó la vista, su padre estaba llorando.

Desde ese entonces, Yomo emocionó a muchos al son de su guitarra preferida, “el cuatro”, instrumento puertorriqueño de diez cuerdas descendiente del laúd y luego adaptadas a cuerdas dobles similar a la vihuela española.

Después de aterrizar por primera vez a Nueva York en el 1953 con su banda “Los Cuatro Aces”, Yomo se embarcó en una series de giras por el Caribe. Durante este tiempo grabó el disco clásico con los maestros del cuatro Maso Rivera y Nieves Quintero apropiadamente titulado “Los Tres Cuatros”

Su sueño de tocar con el legendario Trío Los Panchos se realizó al principio de los años sesenta, donde Yomo grabó cuatro discos con ellos y uno en donde canta Eyde Gorme.

El programa de variedades de Yomo Toro en el canal 41 de Nueva York destacó a muchos artistas e hizo un nombre para el joven cuatrista durante las décadas de los ‘60 y ‘70. Llamo la atención de Jerry Masucci y Johnny Pacheco co-propietarios del sello Fania y con el tiempo se unió como un componente importante de la Fania All Stars. El año 1969 fue especialmente notable cuando grabó su primer álbum de salsa “Tributo a Arsenio” con la Orquesta de Larry Harlow.

Fue llamado de nuevo por el guitarrista y compositor Roberto García para grabar un álbum de Navidad que Pacheco estaba grabando con un nuevo grupo. Roberto le pidió a Yomo que trajera su guitarra eléctrica, popular en esos tiempos, para sustituirle. Pero, como Yomo cuenta la historia, cuando escuchó la palabra “navidad”, agarró su cuatro en su lugar. Cuando Héctor Lavoe vio el instrumento inmediatamente pensó en su mentor y amigo de Yomo, el gran cantante folclórico Chuito el de Bayamon y los dos empezaron a comparar los aguinaldos que ambos conocían. A través de este encuentro musical con Hector LaVoe y Yomo en el 1972 salió a luz el clásico “Asalto Navideño” con Willie Colón y Hector Lavoe, el cual se convirtió en uno de los mas vendidos clásicos de la Fania.

Durantes tres décadas, los ‘70, ‘80 y ’90, la carrera de Yomo Toro despegó de forma impresionante. Yomo participó en más de 150 discos y grabó 20 discos como solista para los sellos Fania, Isla, Rounder Records y Green Linnet.

Yomo Toro
Volvió a la televisión y al cine para tocar en anuncios publicitarios para varias empresas internacionales y también para programas de televisión tan conocidos como “Sesame Street” (Barrio Sésamo) y “El Fantasma de Padre Fohner ” mientras su música sonaba en varias películas como “Crossover Dreams” con Rubén Blades y “Bananas” de Woody Allen.

Llamado “El Jimmy Hendrix del Cuatro” por el New York Times, Yomo Toro colaboró con grandes de la música como Harry Belafonte, Paul Simon, Linda Ronstadt, Gloria Estefan y David Byrne. Su imagen aparece en estatuas creadas en su honor tanto en Japón como en su ciudad natal de Guanica.

A pesar de haber viajado el mundo entero, ser miembro de las “estrellas de Fania,” y hacer películas, Yomo mantuvo una vida sencilla y humilde. Vivia entre la gente de su barrio del Bronx en donde se instaló en la sección de Tremont desde el 1973, después de una temporada de haber residido en Brooklyn y en ‘El Barrio.’

Yomo se presento en la Casa Blanca con el mismo orgullo, vigor y entusiasmo que compartía con sus hermanos musicales durante los bailes anuales en su barrio del Bronx en el Bronx Lebanon Hospital Center donde realizo su último concierto en Octubre del 2010. Entre sus compañeros Yomo fue considerado el más humilde entre los artistas.

En el 1994 Yomo comenzó a viajar de nuevo y a grabar con las Leyendas Latinas de Larry Harlow. Dos años más tarde lanzó uno de sus discos favoritos “Celebremos Navidad”. Regresó en el 1998 esta vez como parte del musical de Off- Broadway de David González “Sofrito”. La música de Yomo también se escuchó en el programa popular de niños “Dora La Exploradora”.

El trombonista de jazz Roswell Rudd se enamoró de las cuerdas de Yomo y grabaron “El Espíritu Jibaro” en el 2007. Yomo también aportó su estilo único de la música jíbara de Puerto Rico y la salsa al primer disco de Zon del Barrio titulado “La Tribu de Cortijo,” seguido en el 2010 por el sencillo “Homenaje al Sonero Mayor”.

Información sobre el velorio será difundida luego por este medio a través de la familia Toro.

Le sobreviven su esposa Minerva, casados por mas de 31 años; su primera hija Denise Toro; sus hermanas Irma, Iris, Mirza y Milagros Toro; sus cinco nietos: Miriam Olivera, Martin Olivera, Denise Pinedo, Tiffany Pinedo & Denise Patricia Vélez; y los tres tataranietos: Shaun Donate, Cloe Rodríguez y Martin Olivera. Así como sus hermanos Juan, Ángel y Arcángel Toro quienes también estaban a su lado.

Discografía en inglés: Yomo Toro

Videos

Yomo Toro, Mano a Mano con Nelson González

Yomo Toro con Bravisimo All Stars

Yomo Toro con Larry Harlow Band

Falleció el gran percusionista cubano Luis Abreu de Los Papines

Los Papines
Luis Abreu, uno de los músicos del mítico grupo rumbero cubano Los Papines, falleció el martes 17 de abril en La Habana. Tenía 73 años.

Luis era un gran percusionista. Junto a sus hermanos Alfredo, Jesús y Ricardo, dedicó su vida a uno de los conjuntos artísticos cubanos más conocidos en el mundo.

Los Papines se creó en La Habana en 1963 y todos los integrantes del grupo demostraron que eran auténticos maestros de la percusión. Los principales instrumentos utilizados por los Papines son las tumbadoras, bongoes, claves, maracas, cencerros y güiros.

El cadáver de Luis Abreu fue cremado por voluntad expresa de sus familiares.

Fallece Benjamín Escoriza cantante de Radio Tarifa

Benjamín Escoriza
Nuestra colega española Araceli Tzigane de Radio Nacional de España (RNE) – Radio Exterior, nos ha informado del fallecimiento de Benjamín Escoriza, que fue cantante del célebre grupo Radio Tarifa. Benjamín Escoriza falleció el 9 de marzo de 2012 tras una larga enfermedad.

Benjamín Escoriza nació en Colomera (Granada) en 1953 y se trasladó a Madrid hace 20 años. En la capital española conoció a Vicente Molino y a Fain Sanchez Dueñas. El resultado de esta alquimia musical fue el grupo de fusión étnica Radio Tarifa que se formó a principios de los 90.

En 1992, Radio Tarifa editó Rumba Argelina. El disco, producido por el sello indepediente Música Sin Fin, es una de las joyas de las músicas del mundo (world music) hecha en España. El grupo sacó otros discos de gran nivel: Temporal, Cruzando el Rio y Fiebre, grabado en directo en Toronto (Canadá).

Además de su trabajo para Radio Tarifa, Benjamin Escoriza editó dos discos en solitario. En su primera grabación, Alevanta!, contó con Jaime Muela, Vicente Molino, Fernando Mejias y el productor de Rumba Argelina, Juan Alberto Arteche. Con esta formación grabaron una mezcla sabrosa de música árabe, flamenco, música sefardí, folclore andaluz, música medieval y rock.

Mirando p’l Este
(A Tope Producciones), su segundo disco, salió en el 2010. Mirando p’l Este tiene menos flamenco y más del sonido de fusión que caracterizó a Radio Tarifa. El disco contó con el saxofonista español Gautama del Campo, el trombonista sueco Ove Larsson, el clarinetista búlgaro Ivaylo (Ivo) Hristov y la cantante turca Şevval Sam.

Maestro de la salsa Jimmy Sabater fallece en Nueva York

Jimmy Sabater
Jaime Sabater Sr., también conocido como Jimmy Sabater, falleció en la ciudad de Nueva York el 8 de febrero de 2012. Jimmy Sabater era una leyenda de la música latina como cantante y timbalero.

Jaime Sabater nació en la ciudad de Nueva York el 11 de abril de 1936, de origen puertorriqueño. Tuvo gran importancia en la música hispana de los Estados Unidos gracias a su estilo romántico suave y al cantar en español e inglés.

Jimmy Sabater tocaba los timbales con un estilo propio. Fue miembro del famoso Joe Cuba Sextet durante muchos años, hasta 1979. Su gran éxito fue con el disco de bugalú (boogaloo) Wanted Dead or Alive. …Something Right que tenía el tema “El Pito (I’ll Never Go Back to Georgia)”.

Jimmy Sabater colaboró con otros grandes de la salsa como Ray Barretto, Eddie Palmieri y Charlie Palmieri. En 1998 se incorporó como cantante principal al septeto Son Boricua de José Mangual Jr.

A Jimmy Sabater se le echará de menos por su contribución imprescindible a la música latina y su historia,” dijo el timbalero Les Moncada.

Fallece Cesaria Evora, la reina de la morna

Cesaria Evora
La estrella de la música caboverdiana, Cesaria Evora, ha fallecido hoy en el hospital Baptista de Sousa de Mindelo en la isla de San Vicente (Cabo Verde).

El gobierno caboverdiano ha declarado dos dias de luto official por la muerte de la célebre cantante y las banderas están a media asta en todas las sedes oficiales del archipiélago y en las embajadas y consulados en el exterior.

Cesaria Evora nació en la ciudad de Mindelo, en la isla de San Vicente en 1941. Su padre murió cuando ella sólo tenía 7 años y fue internada en un convento, donde cantaba en el coro. A los 16 años, empezó a ganarse la vida cantando en los bares y cafés de su ciudad natal. De este modo, se adueñó de los sonidos de la morna local, canciones de sufrimiento, melancolía y exilio.

Después de unos años de silencio, en 1985 Evora retomó su carrera para grabar en Lisboa una antología de cantantes femeninas de Cabo Verde, un trabajo que no despertó demasiado interés.

Tres años más tarde conoció al productor José Da Silva, un joven francés con raíces en Cabo Verde. Él se convirtió en su productor y la convenció para viajar a París y grabar La diva aux pieds nus (1988), un trabajo que la hizo famosa de la noche a la mañana. A este disco le siguieron Distinto di Belita (1990), Mar Azul (1991) y Miss Perfumado (1992). Este último CD se convirtió en un auténtico éxito de ventas, con más de 200.000 copias vendidas, y recibió excelentes críticas, además de lanzarla a nivel internacional.

Durante la representación de este último trabajo, la cantante llenó durante dos noches seguidas el teatro Olympia de París y le permitió grabar Cesaria a l’Olympia, un disco en directo.

El éxito la llevó a realizar una gira mundial y a grabar un disco recopilatorio Soledade: Les plus belles Mornas de Cesaria (1994). Más tarde le llegó la invitación del músico Goran Bregovic para grabar Ausensia, para la banda sonora de la película de Emir Kusturica, Underground.

Los últimos años de la carrera de Cesaria se centraron en giras mundiales, periodos de descanso y la grabación de nuevos trabajos: Cabo Verde (1997), el recopilatorio Best of… (1998), Café Atlántico (1999), São Vicente de Longe (2001) y Voz d’Amor (2003).

Su disco Cafe Atlántico vendió más de 300.000 copias en Francia. En 2004, Voz d’Amor ganó el Grammy por mejor disco de músicas del mundo (world music) contemporáneas. Ese mismo año se editó Club Sodade: Cesaria Evora. Fue la primera colección de remezclas de Evora.

En 2009 grabó Nha Sentimento con el director de orquesta egipcio Fathy Salama.

Cesaria Evora sufrió un derrame en abril del 2008. En mayo del 2010 la admitieron de emergencia en un hospital de Paris por un problema cardiaco.

El 23 de septiembre de 2011, el representante de Cesaria Evora anunció que la cantante se retiraba definitivamente.

Su funeral tendrá lugar el 20 de diciembre en San Vicente.

Murió Katiuska Mendoza, cantante de Los Niños Vallenatos del “Turco” Gil

Katiuska Mendoza
Esta es una de esas noticias para las cuales uno no está preparado para recibir ni para dar. La muerte de un ser joven, una niña de 19 años, en la flor de su juventud y de sus anhelos.

Se ha ido Katiuska Mendoza, la nieta del gran “Colacho” Mendoza, la de la voz potente, clara y melodiosa. Había nacido para ser artista y por eso a los 8 años de edad, sus padres Nicolás “Nacho” Mendoza Torres y Luisa Cotes Acosta, la pusieron en manos del “Turco” Gil y 4 años más tarde, ya como integrante de Los Niños Vallenatos, hizo parte de los invitados a cantar el folclor vallenato en la inauguración de la Biblioteca Presidencial Clinton en la ciudad de Little Rock, en Arkansas (EEUU) en el 2004.

Luego vinieron otros viajes, a Panamá y Venezuela y sus muy aplaudidas presentaciones en los Teatros Jorge Eliécer Gaitán y Colsubsidio en Bogotá y Heredia y Centro de Convenciones Getsemaní de Cartagena en el homenaje tributado a Gabriel García Márquez durante la Solemne Sesión Inaugural del Cuarto Congreso Internacional de la Lengua Española en presencia de los Reyes de España, Juan Carlos y Sofía; el ex presidente Álvaro Uribe Vélez; el ex presidente de los Estados Unidos, Bill Clinton, y el ex presidente de la República de Panamá, Martín Torrijos, entre otros grandes eventos.

Su voz quedó registrada en los dos CDs hechos hasta la fecha por Los Niños Vallenatos del “Turco” Gil (Anhelo un futuro y Homenaje a Bill Clinton) y su deseo de profundizar en su carrera de cantante la llevó a Bogotá, donde con el empresario Germán Espinosa adelantaba el proyecto de producción de su propio disco como solista de una agrupación que se iría a llamar “Las Cañaguateras”, bajo la orientación musical del “Turco” Gil.

Katiuska nació el 20 de enero de 1992 en Fonseca, donde culminó su bachillerato en el Roig y Villalba. Acababa de terminar su segundo semestre de Comunicación Social – Periodismo en Uniminuto en Bogotá, y también estudiaba música.

Once años de vida musical acumuló Katiuska, pregonando la música de la tierra de Francisco el Hombre. “El cantor de Fonseca”, de Carlos Huertas, y “La dama guajira”, de Hernando Lacouture, eran las canciones preferidas por ella para entregar a su público.

Katiuska fue la ganadora del Concurso de Voces Femeninas de ExpoFestival en Valledupar, en dos oportunidades, lo mismo que del Festival Voces y Canciones de La Paz y en San Gil.

Su muerte se produjo durante un procedimiento quirúrgico que se le practicaba en una clínica de Valledupar, en la nariz, por razones estéticas.

La velación y sepelio se cumplirán en Fonseca.

Recordamos a Anibal Arias a un año de su partida

Anibal Arias
Anibal Arias (Buenos Aires 20/7/1922 – Buenos Aires 3/10/2010)

Los párrafos transcriptos a continuación pertenecen al resumen sobre la trayectoria profesional de Anibal Arias publicado como presentación del long play editado por RCA “Anibal Arias (una guitarra y el tango)” en 1971. Fue su autor Luis Adolfo Sierra (1914-1998), notable tangólogo e historiador pionero en los estudios del tango:

Anibal Oscar Arias es porteño. Nació en Devoto, un 20 de julio de 1922. Pero el culto por las tradiciones criollas y las cosas de nuestra tierra, le viene por influencia de su hogar catamarqueño aquerenciado en Buenos Aires. A los cuatro años nació su amor por la guitarra. Lo heredaba de su padre, artista vernáculo, que fue primera voz del dúo encabezado por Manuel Acosta Villafañe.

Músico nato, Anibal Arias aprendió a tocar la guitarra de oído. Integró precoces conjuntos infantiles con sus hermanos y primos. Y además cantaba como segunda voz en aquella inolvidable agrupación musical “Los Catamarqueñitos”.

Pero a los diez años decidió emprender seriamente los estudios de guitarra con D. Pedro Ramírez Sánchez, también maestro y amigo de su padre. Aquel culto pedagogo y valor humano excepcional, fue su único maestro de guitarra y consejero de una futura dedicación profesional. Ocho años de severa contracción al estudio, transitando por las más prestigiosas escuelas guitarrísticas universales -Sagreras, Sinópoli, Legnani, Sor, Aguado, Coste, Tárrega-, le confirieron una sólida formación interpretativa.

Pero además de la música, que estudiaba con apasionante dedicación, Anibal Arias se recibió también de Bachiller en el colegio Manuel Belgrano, ingresando luego a la facultad de Medicina. Cursó allí los estudios hasta cuarto año. Y esa curiosidad suya por aprenderlo y saberlo todo, lo condujo también a graduarse como técnico en radio y electrotécnica a muy temprana edad.

Siguió infatigablemente profundizando sus conocimientos musicales. Liberado ya de la tutela conductora de su maestro, seguía aprendiendo como autodidacto. Asimilaba experiencia y perfeccionaba su técnica de ejecución. Actualmente, maestro consumado, sigue estudiando. Es la ley inexorable de los músicos amantes de su arte.

Hacia 1940 optó Anibal Arias por las presentaciones en recitales de guitarra. Recorrió distintas localidades del país. Había alcanzado ya un alto grado de capacitación. Pero el género musical llamado clásico, si bien le proporcionaba grandes satisfacciones espirituales y artísticas, no le permitía la recompensa de los necesarios medios económicos. Cambió de orientación. Se forjó otro destino para su actividad musical. E inició así, una larguísima y brillante trayectoria en la música popular. Pero siempre con relevante jerarquía artística, y sin concesiones ajenas a la calidad y al buen gusto interpretativo. Anibal Arias eligió el camino del tango. Y su contribución se cuenta entre los valiosos aportes de superación estética dentro de una manifestación musical popular incuestionablemente evolucionada.

[…]
Arranca desde 1940 su dedicación al tango, y circunstancialmente al folklore. Todo comenzó como acompañante de Angel Reco, un cantor de Mataderos. El bar “Japonés” de Lanús, lo del “tano” Pacelli en Centenera y Tabaré, el bar “Victoria” de Rossini, el “Rincón Criollo” de Mataderos, el “Richmond Buen Orden”, la “Munich” de Boedo, ” El Olmo” del Once, el “Sevilla Colmao” de Retiro, están estrechamente vinculados a aquellos recuerdos iniciales.

En 1949 ingresó al cuarteto de guitarras de Alberto Ortiz en ” La Querencia” de la Avenida de Mayo. Acompañó allí a todos los cantores y cancionistas que desfilaron por aquel tradicional escenario porteño. Luego formó parte del trío musical del celebrado humorista Ricardo Pimentel, actuando por espacio de dos años alternativamente en “Goyescas”, “El Tronío”, “Sevilla Colmao”, “El Grillo”, teatro “Maipo”. Encabezó el conjunto de guitarras del cantor Hector Mauré, para dedicarse después a las actuaciones de solistas en salas cinemátográficas. Una prolongada permanencia profesional en Montevideo, y el regreso a Buenos Aires en 1957. Nuevamente la intensa actividad artística, junto a los dúos Llamas-Barroso y Hermanos Barroso, y al conjunto “Celeste y Blanco”, de Hilda Vivar. Conduciendo el acompañamiento musical del dúo Dante-Larroca, integrando el conjunto folclórico de Alberto Castelar y formando el trío melódico “Los pregoneros de América”, la labor de Anibal Arias se hizo intensa. Requerido por Edmundo Rivero en 1963 para formar parte de su conjunto de guitarras, recibió del gran intérprete la amistosa sugestión de proseguir los estudios de medicina, facilitándole posibilidades para ello, en un gesto digno de ser destacado.

La actuación de Anibal Arias como integrante de numerosísimos conjuntos musicales, requiere la mención del cuarteto “A puro tango” con Miguel Nijenson, el conjunto de solistas de Jorge Carreras, un trío con Osvaldo Tarantino y Osvaldo Risso. Integrante del acompañamiento del ballet de Joaquín Pérez Fernández. También contaron con la colaboración profesional de Anibal Arias, prestigiosos músicos de nuestro medio, tales como Héctor Stamponi, Feliciano Brunelli, Waldo Belloso, Eduardo Ferri, Tito Francia, Manuel Sucher, Calixto Sallago, Enrique Alesio, Jorge Dragone, Luis Stazzo, Orlando Trípodi, Armando Pontier, Celso Amato, Francisco Grillo, José Libertella, Osvaldo Piro, Juan José Paz. Es interminable la nómina de cantores y cancionistas que actuaron junto a la guitarra invalorable de Anibal Arias. ¿Nombres? Héctor Mauré, Oscar Alonso, Libertad Lamarque, Dorita Davis, Rogelio Araya, Agustín Irusta, Azucena Maizani, Alberto Gómez, Olga Cabrera, Raúl Berón, Chola Luna, Nelly Omar, Hilda Vivar, Carlos Acuña, Roberto Flores, Ricardo Ruiz, Elsa Rivas, Julia Vidal, Carlos Roldán, Graciela Lecube, Tania, Angel Cárdenas, Roberto Rufino, Julio Sosa, Ramona Galarza, Floreal Ruiz, Héctor Palacios, Alberto Marino, Eduardo Adrian, Elisa del Carril, Rosita y Elba Berón, Raúl Lavalle, Horacio Deval, Helena Maida, Enzo Valentino, Néstor Fabian Violeta Rivas, Alberto Echague, Juan Carlos Cobos, Alberto Morán, Jorge Sobral, Dúo Vera-Molina, Jorge Casal, Hugo del Valle, Carlos Barés, Alfredo del Río, Ruth Durante, Susy Leiva, Carlos Almagro, Dorita Verdi, Jorge Durán, Argentino Ledesma, Héctor Ortiz, Miguel Montero, Olga del Grossi, Mario Bustos, Roberto Florio, Raúl Ledesma, Adolfo Rivas, Fernando Leiva, Rubén Cané, Luis Correa, Alfredo Castel, Aldo Calderón, Rosita Valentino, Oscar Fuentes, Blanca Ramírez, Susana Rinaldi, Jorge Garré, Silvia del Río, Jorge Maciel, Alfredo Belusi, Mariano Leyes, Carmen Nogués, Carlos Montes y Marcelo Paz.

[…]
Hasta aquí las palabras de Luis Sierra.

Anibal Arias integró además el cuarteto de Anibal Troilo entre 1969 y 1975.

Fue solista en la Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires desde 1980, y fundador de la Escuela de Música Popular de Avellaneda (E.M.P.A.), donde dictó las cátedras de Historia del Tango y Guitarra Tango.

Fue miembro de la Academia Argentina de Música, Acacémico de Honor de la Academia Nacional del Tango y presidente de la Fundación Casa del Tango.

Giras artísticas:

(Se mencionan solamente las más importantes).

Varias por el interior del país.

1972: Anibal Troilo (Cuarteto), Washington.

1977: Susana Rinaldi. Olympia de París.

1978: Osvaldo Piro. Brasil.1979: Susana Rinaldi. Teatro de la Comedia. Madrid.

1979: Susana Rinaldi. Teatro de la Ville. París.

1980: Orquesta de Carlos García. Japón.

1993: Orquesta de Carlos García. Japón.

1995: Orquesta de Carlos García. Japón.

1996: Sexteto Mayor. Miami. Washington. Frankfurt.

1997: Orquesta de Carlos García. Japón.

1997: Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires. Latinoamérica.

1999: Dúo Arias – Montes. Smithsonian Institute. Washington.

1999: Dúo Arias – Montes. Japón. (Gira realizada año por medio)

2002: Dúo Arias – Montes. Holanda.

2003: Dúo Arias – Montes. Dinamarca.

Premios y distinciones

1985: “Orden del Porteño” por la Asociación Gardeliana.

1986: “Gardel de Oro” otorgado por el Centro Cultural del Tango

1996: Socio Honorario de la Asociación Tárrega.

2000: Designación como “Académico de Honor” por la Academia Nacional del Tango

2000: Designación como ” Académico de la Academia Argentina de Música”

2002: Nombramiento como “Gloria del Tango” por la Academia Porteña del Lunfardo

2004: “Diploma de honor” del Honorable Senado de la Nación por su valioso aporte a nuestra cultura.

2004: Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Reconocimiento a su paso por la Orquesta de Anibal Troilo.

2005: “Diploma al Mérito” por su trayectoria como Instrumentista de Tango. Premio Konex 2005 – Música Popuar

Discografía:

Se incluyen solamente los registros en los cuales se destaca como solista o dirigiendo agrupaciones de cámara.

1971: Anibal Arias (Una guitarra y el tango) RCA

1995: Anibal Arias. La guitarra romántica del tango. EPSA

1997: Juntos por el Tango. Anibal Arias Guitarra – Osvaldo Montes, bandoneón. EPSA

2003: Cuarteto Anibal Arias. Las cuerdas criollas. Anibal Arias, Federico Vallejos, Diego Kvitko, Anibal Corniglio (guitarras). EPSA

El día que me quieras. Anibal Arias, Osvaldo Montes, Walter Gutierrez, Yuki Furuhashi (en vivo en Japón). MONTON

Quiero verte una vez más. Anibal Arias (guitarra), Osvaldo Montes (Bandoneón), Walter Gutierrez (Cantante). (en vivo en Japón). MONTON

2006: Seis cuerdas y una voz. Anibal Arias y Oscar Ferrari

2006: Tango para todo el mundo. Anibal Arias & Osvaldo Montes. (Winter & Winter) – Francia

2006: Querido Chamamé. Anibal Arias (guitarra), Antonio Príncipe (bandoneón). EPSA

2007: Bien tanguero. Anibal Arias & Osvaldo Montes. EPSA

Luis Adolfo Sierra, 1971
Analía Rego, Marzo de 2007