Archivo de la categoría: Críticas de CDs

Funk potente modernizado mezclado con la música carnavalesca de los indios del Mardi Gras

Cha Wa – Funk ‘n’ Feathers (Upt Music, 2016)

Cha Wa es un magnifico grupo multiétnico de Nueva Orleans que reúne la tradición llamativa de los indios del carnaval Mardis Gras y las cadencias funk polirrítmicas irresistibles. Los indios del Mardi Gras son agrupaciones llamativas de músicos y cantantes afroamericanos que se visten con trajes y plumas coloridos. Desfilan durante el carnaval de Nueva Orleans y representan una tradición muy popular.

A pesar de que Cha Wa ha existido durante varios años, llevando a cabo numerosas actuaciones en directo, Funk ‘n’ Feathers (funk y plumas) es el primer álbum de Cha Wa. “Cha Wa” es una frase de la jerga de Nueva Orleans utilizada por cada tribu india del carnaval que indica “estamos viniendo hacia ti.”

Cha Wa inyecta el funk callejero en temas clásicos de Nueva Orleans como “All On A Mardi Gras Day” de Dr. John y “Jock-A-Mo” (también conocido como “Iko Iko ‘). El grupo está dirigido por el cantante y percusionista Honey Banister y el batería Joe Gelini. Honey Banister es el Gran Jefe de la tribu Creole Wild West. Apareció en la maravillosa serie Treme de HBO. Gelini se trasladó a Nueva Orleans después de graduarse en el Berklee College of Music de Boston. Joe vio a los indios del carnaval que aparecieron en el día de carnaval para desfilar por la calle Dryades. “Estaba enganchado,” dice Gelini. “Es una cosa espiritual. Es algo más que la música”.

La alineación en Funk ‘n’ Feathers incluye a Big Chief Irving “Honey” Banister en la voz principal y pandereta; Spy Boy J’Wan Boudreaux (nieto del Gran Jefe Monk Boudreaux de los Golden Eagles) en la voz principal y pandereta; Joe Gelini en la batería, percusión y coros; John Fohl en guitarra y coros; Sheizo Shibayama en la guitarra; Stephen Malinowski en el órgano; Yoshitaka “Z2” Tsuji en el piano acústico y piano eléctrico Rhodes; y Norwood “Geechie” Johnson, de los legendarios Wild Magnolias en el bombo y coros.

Los invitados especiales incluyen: Haruka Kikuchi en el trombón; Irving Banister Sr. en la guitarra rítmica; el productor Ben Ellman en el saxofón alto; David Crawford en la voz principal; y Colin Lake en la guitarra lap steel.

Próximos conciertos:

31 de marzo – Lafayette’s – Memphis, Tenesí
1 de abril – Nilo Azul [presentación del disco] – Nueva Orleans, Luisiana
7 de abril – French Quarter Fest – Nueva Orleans, Luisiana
10 de abril – Nueva Orleans, Luisiana
21 de abril – Ogden Museum of Southern Art – Nueva Orleans, Luisiana
23 de abril – New Orleans Jazz & Heritage Festival – Nueva Orleans, Luisiana
30 de abri – French Broad River Festival – Asheville, Carolina del Norte
4 de junio – Michael Arnone’s Crawfish Festival – Augusta, Nueva Jersey

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Las muchas facetas de Tony Allen

Tony Allen – Film of Life (Jazz Village/Harmonia Mundi, 2014)

Tony Allen, el mejor baterista de África, era la principal fuerza que impulsó el afrobeat de Fela Kuti cuando estaba en su apogeo. Allen ha hecho un trabajo magnifico bajo su propio nombre, tanto en el estilo polirrítmico afrobeat como en la vertiente más experimental y minimalista. (Película de la Vida), editado por Jazz Village ofrece temas que mueven los motores como el implacable funk de “Afro Kungfu Beat” y “Koko Dance”, con texturas modernas elegantes en la mezcla, y dejando otras, incluyendo el tema de apertura “Moving On”, cocinando a fuego lento.

Allen ha escuchado y absorbido con claridad la fusión, el jazz, dub, hip hop y otros géneros no tan fáciles de definir y aplica sus tambores perpetuamente para mantener las cosas siempre de forma orgánica en el núcleo.

Aquellos enamorados del afrobeat ms tradicional se deleitarán con los temas endulzados con una sección de metales como “Ire Omo”, mientras que cualquiera que aprecie un buen ritmo que es a la vez primitivo y contemporáneo se va a encontrar con aún más cosas que les va a gustar. Cine de la Vida es una muestra vigorizante de las muchas facetas de Tony Allen. Es un disco tremendo, extraordinario.

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Intenso y voraz, los loas se van con RAM

RAM 6 – “Manman M Se Ginen” (Willibelle Publishing & Sales, 2016)

A seis años de un terrible terremoto, seguido de otro que llegó en forma de rescate y reconstrucción, Haití se debate entre la esperanza, negligencia de sus líderes, complicidad de la comunidad internacional que se lucra con esta tragedia. Sin embargo, ahí sigue Haití, de pie. soporta los vaivenes políticos y sociales.

Richard A. Morse es RAM, esas son sus iniciales. Richard es un haitiano-americano que no desaprovechó el llamado de su país y desde 1990 viene elaborando con RAM una de los más excitantes episodios de la música en la capital haitiana Puerto Príncipe. Richard y RAM se las han jugado en Haití, al estar involucrado en grandes conflictos, amenazas de muertes y controversias. De hecho, RAM ha tomado posturas políticas valientes y de compromiso con los mejores intereses de su país.

Su sexto disco “Manman M Se Ginen” se esperaba, se ansiaba. Ya pasaba más de una década sin ningún nuevo trabajo. Sus doces piezas se mueven en diferentes orbitas tomando a la música raíz (mizik rasin) como su punto de partida. Entre ellos se destacan, un konpá sugerente titulado “Jije’m Byen” que se hace tan familiar con esa guitarra eléctrica de Yonel Vendredi tan atractiva. La voz de Lunise, esposa de Morse, los logrados coros y la batería de Max Blanc son otros de sus puntos fuertes.

Otra de esas canciones a destacar es “Ki Mele Mwen”, caminante y penetrante, que no da tregua al éxtasis. Ahora, RAM deja lo mejor con “Koulou Koulou”. La canción transita en la vena del rara o konpá acelerado o un soukous congoleño, es una canción vibrante, con una guitarra eléctrica inolvidable que lleva una melodía altamente pegajosa. Encima de ello, Wilson Emmanuel forcejea con un bajo espeso y certero. En pocas palabras, un tema de grandes quilates. El repertorio es bastante balanceado, con piezas en tempos más moderados y sosegados.

RAM 6 nos dan uno disco espléndido y uno los mejores de este joven año.

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“Gardeliano”, el álbum de Hernán Lucero, será presentado en el C.C. Tasso de Buenos Aires.

Gardeliano - Hernán LuceroEl cuarto disco de este cantor que pisa fuerte en el escenario contemporáneo del Tango, es un homenaje a Carlos Gardel editado en 2015, año del 80º aniversario del fallecimiento del zorzal criollo. “Gardeliano” será presentado los próximos días jueves 3 y 10 de marzo a las 21hs en el C.C. Torquato Tasso.

Con una voz melódica, en un registro similar al de Gardel, con un estilo que recrea aquella forma de cantar, pero con un siglo de agua discurrida bajo los puentes del Tango, Hernán Lucero homenajea logradamente al zorzal criollo conservando su propio estilo que mantiene en su forma de cantar, lo que resulta muy difícil cuando la voz de Gardel resuena en cada nota como una sombra que puede ser susurro de inspiración o inspiración de una odiosa comparación.

La selección de temas, reinterpretando clásicos y recuperando algunos menos famosos grabados por Gardel, el trabajo realizado con ellos, el abordaje musical, los destacables arreglos a medida realizados por Ramiro Boero y Pablo Fraguela que dirigen la orquesta que arropa a Lucero, o la forma de entender e interpretar desde el canto, son señales del conocimiento profundo y el amor o devoción que el cantor contemporáneo manifiesta sobre el mito.

Hernán Lucero presentará Gardeliano en el C.C. Tasso de Buenos Aires
    Hernán Lucero presentará “Gardeliano” en el C.C. Tasso de Buenos Aires

Además de la destacada voz de Lucero, participan en Gardeliano como invitados, la cantante Florencia Bernales con quien canta a dúo “Golondrinas” y “El día que me quieras” y el maestro Guillermo Fernández con quien canta a dos voces “Caminito soleado

Tangos clásicos, cuidados, con interesantes arreglos, en una nueva voz, en un clima particular que mezcla la remembranza del pasado con el presente creativo, no deja de ser una propuesta  distinta, un aporte a la eternización del gran Carlos Gardel y una perla en la carrera artística del cantor arrabalero Hernán Lucero.

En los conciertos de los próximos jueves 3 y 10 de marzo a las 21Hs. en el Centro Cultural Torquato Tasso (Defensa 1575 – Buenos Aires) se presentarán junto a Hernán Lucero, la orquesta dirigida por  Ramiro Boero y Pablo Fraguela, además de Florencia Bernales en voz y la promesa de grandes artistas invitados. Serán dos conciertos en los que habrá nuevas canciones, clásicos preparados para la ocasión y todo el repertorio de “Gardeliano”.

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Lanzamiento internacional del nuevo trabajo del sudafricano Guy Buttery

Guy ButteryEl multipremiado y talentoso guitarrista sudafricano Guy Buttery regresa al disco con su sexto trabajo homónimo, grabado en Sudáfrica en 2015 y lanzado al mercado internacional en este mes de marzo de 2016.

Cuando un disco es la expresión creativa del artista que experimenta su universo con todos los sentidos, capitalizando las vivencias para transformarlas en música, el trabajo conseguido, la obra completa, es un mundo de arte vivo que transmite emociones, sensaciones, paisajes sonoros, en cada una de sus melodías.

Este  nuevo álbum que tiene como protagonista a la guitarra es una vivencia grabada, una serie de impresiones con alto grado de espontaneidad, variedad de climas, juegos sonoros y mucha participación de grandes artistas e instrumentos particulares. Los temas, todos compuestos por Buttery, tienen diversas inspiraciones, desde una utópica reunión de Egberto Gismonti con el cineasta Bernard Hersog en Manaos hasta  un viaje desde Cachemira en el norte de India hasta el Sahara en Marruecos siguiendo los pasos de la ruta que tomara en su día Led Zeppelin.

Guy Buttery” es la visión particular del músico que con mucho talento y técnica, utiliza todos los recursos a su disposición (que no son pocos) para llevar hacia adelante la propuesta del sonido, creando unas formas musicales particulares, llenas de inspiración y sensibilidad.

Guy Buttery hair flying

Este guitarrista sudafricano reconocido en muchas partes del mundo, que ha sido invitado a tocar durante muchos años en países como Estados Unidos, Gran Bretaña, Australia, Francia, Brasil e Italia, es un hombre muy conectado con la naturaleza y se nutre de ella sin esfuerzo, por su experiencia de vida, habiendo nacido y crecido en un pueblo costero del norte de Sudáfrica, rodeado de granjas, sembradíos, la costa del océano Índico y la vida silvestre.

Para grabar este nuevo trabajo, Buttery decidió instalarse en una casa en medio del campo en Zululandia (KwaZulu-Natal, Sudáfrica), a donde comenzaron a acudir de apoco muchos de sus amigos músicos que se sumaron al proyecto. En el sonido del disco quedaron registros del ambiente del campo gracias a las sesiones realizadas con las puertas y ventanas abiertas, pero también se puede escuchar una integración de artistas que crean entre todos una expresión musical sudafricana renovada y viva.

En el álbum puede apreciarse la gran destreza de Buttery en guitarras acústicas, mbira (pequeño piano africano que se toca con los pulgares) y texturas acústicas ambientales. Además, participan colaborando algunos de los mejores músicos sudafricanos incluyendo a Vusi Mahlasela (vocalizaciones no verbales), Dnan Patlansky (guitarra eléctrica), Nids Van Der Spuy (cuatro, guitarra acústica y eléctrica), Shane Cooper (bajo acústico), Derek Gripper (guitarra clásica), Gareth Gale (batería), Chris Letcher (piano Wurlitzer y órgano) y Qadasi (arco de boca umhupe y concertina) También fueron parte de las grabaciones artistas de otras partes del mundo como Lorenzo Mantovani tocando el sarangui hindú y Piers Faccini en coros, así como el reconocido músico alemán radicado en EE.UU. Will Ackeman en guitarra acústica, uno de los ídolos a lo largo de la vida de Guy, gentileza de Windham Hill Records.

Escuchando atentamente este potente disco la música de fusión, de raíz, el entrecruzamiento de culturas y la creatividad humana se manifiestan por todo lo alto, evolucionando la World Music, derribando límites mentales en la apreciación y llenando el alma de reconfortante nueva música.

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Música de raíz haitiana que mueve las caderas

Lakou Mizik – Wa Di Yo (Cumbancha Discovery, 2016)

Wa Di Yo es el primer disco de un colectivo de músicos de Haití llamado Lakou Mizik. Esta nueva formación abarca varias generaciones de músicos que incorporan la música de raíces haitianas para producir un sonido fresco e irresistible.

Lakou Mizik utiliza ritmos bailables del vodú, cantos de llamada y respuesta, fraseos de jazz, melodías de acordeón y la energía constante de las trompas rara, unas trompetas rugientes que se suelen utilizar durante la temporada de carnaval.

La formación de la banda que aparece en Wa Di Yo incluye a Steeve Valcourt en las guitarras y voces; Jonas Attis en la voz; Luis Lesly Marcelin (también conocido como Sanba Zao) en el tambur (tambor de barril), percusión y voz; Nadine Remy en la voz; Lamarre junior en el bajo y el bombo; Woulele Marcelin en el tambur y la percusión; Peterson “Ti Piti” José en la rara y percusión; James Carrier en la rara y percusión; y Belony Beniste en el acordeón. El músico y productor canadiense Chris Velan aparece en la guitarra y el banjo.

Wa Di Yo presenta el sonido arrollador y alegre de Lakou Mizik que anima a mover las caderas. Sin duda, el mejor grupo que han salido de Haití en los últimos años.

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Jaffa Road, una calle convertida en música desde Jerusalén a Canadá

Jaffa RoadLa banda de Toronto, “Jaffa Road”, es una de las más potentes referencias de la World Music en Canadá. Merecedores de dos nominaciones a los prestigiosos premios Juno, por sus dos álbumes editados, su segundo CD “Where the light gets in” fue además galardonado con el premio a la mejor banda de World Music canadiense en 2013.

Es una interesante agrupación que fusiona música de raíz judía, árabe e india con una base siempre presente de sonidos actuales del jazz, pop o dub. La interculturalidad de esta banda está grabada en la herencia de sus integrantes y en sus experiencias presentes;  los puentes que trazan a través de la música son culturales y temporales, recreando música antigua en un marco de sonidos modernos, mezclando instrumentos acústicos y electrónicos.

El sonido de “Jaffa Road” va migrando de la pureza de la raíz de un estilo o género a otro, se va instalando, suena, cuenta, representa y continúa haciéndolo mientras manifiesta una y otra vez los detalles, aquellos elementos distintivos y a la vez comunes a las diferentes culturas y a su música de raíz, con letras tradicionales cantadas en Hebreo, Castellano e Inglés.

La banda canadiense está integrada esencialmente por Aaron Lightstone (Oud -ó laúd de medio oriente- , guitarra y sintetizadores) Aviva Chernick (Cantante) Jeff Wilson (Percusión), Sundar Viswanathan (saxo y flauta) y su productor Chris Gartner; a los que se agregan un nutrido número de invitados en sus conciertos o discos. Jaffa Road son asiduos participantes de grandes festivales de Folk, Worlld, Jazz o Pop a lo largo del territorio canadiense, visitando también Estados Unidos y Brasil.

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Abundance, música de raíz celta de alta calidad.

AbundanceAlasdair Fraser en violín forma dúo con Natalie Haas en violonchelo, para la realización de su cuarto trabajo juntos. El álbum editado por Culburnie Records en 2014 es un trabajo realizado con el cuidado y la sensibilidad de los artesanos que elijen cada elemento con la mente y el corazón.

Los dieciséis temas que componen “Abundance” recorren los sonidos de música de raíz celta, con el agregado de algunas experiencias contemporáneas que matizan el sonido, pasando por el reel, alguna marcha, clásicos, una canción de amor tradicional gaélica y algunos temas escritos  por encargo o inspiración como pequeños homenajes a seres o situaciones particulares compuestas por Freiser.

Los talentosos Alasdair Fraser y Natalie Haas unieron sus fructíferos caminos artísticos en 2004 para continuar juntos la labor de promover la  música tradicional escocesa, que realizaban cada uno por su cuenta, creando un dúo que resulta una gran oportunidad para apreciar este género, con variedad de matices y arreglos.

Abundance”, producido por el propio Fraser, cuenta con un nutrido número de músicos escoceses y norteamericanos que aportan cada uno toques que enriquecen la propuesta musical del disco. Además de  Alasdair Fraser que ejecuta diferentes tipos de violín y la kalimba, al igual que Natalie Haas, que además toca el violonchelo, participan en las diferentes pistas Donald Shaw en piano y acordeón, James MacIntosh en percusión, Corey DiMano en bajo, Dominick Leslie en mandolina, Brittany Hass en violín, Hanneke Casset en piano, Stefan Amidon en percusión, Kai Welch en trompeta y Oscar Uterström en vientos.

Grabado principalmente en California, además de otras locaciones de Estados Unidos, con un trabajo de ingeniería proveniente de Glasgow, Escocia, “Abundance” es un reconocimiento y una celebración a la vida que brota desde las raíces de la cultura y surge como un árbol de mil notas musicales perfectamente maduradas a través de las cuerdas y los ritmos propios de la música de origen celta escocesa.

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“Firelight” un viaje por la naturaleza a través de un dúo de guitarras

Firelight - Terra GuitarraEl último trabajo de “Terra Guitarra” propone la fusión de ritmos y géneros, la mezcla de paisajes interiores y exteriores, la creación de ambientes sonoros inspirados en la naturaleza en una propuesta variada entrono a la exploración del sonido de la guitarra y los elementos más esenciales de la naturaleza.

El dúo formado por Julie Patchouli, quien toca guitarra acústica con cuerdas de acero y Bruce Heckel, que ejecuta la guitarra española de cuerdas de nylon, crea un sonido compacto con una base heredada del bajo y la expresión melódica, ligera, intensa y a la vez sutil, a partir de un excelente trabajo de ensamble.

La combinación de instrumentación creada por “Terra guitarra” y sus composiciones originales llevan a la propuesta de “Firelight” a brotar desde el género del nuevo-flamenco para dejar luego surgir elementos del jazz, la new age, el folk, la música  clásica y diferentes fusión dentro de la World music. Entre esta nutrida variedad de ritmos, a lo largo del álbum, las dos guitarras son arropadas por tambores, percusión étnica, bajo y flauta originaria americana.

Terra guitarra“ crea un sonido fresco, profundo, que traduce las estructuras más naturales de nuestro medioambiente en música a través de la interpretación rica en matices de las guitarras, donde la madera se funde con el arte y la energía de los intérpretes. Dos guitarras que se ensamblan perfectamente, ocupando diferentes espacios, como danzando, entre la percusión coloreando el papel en blanco del silencio como un marco indispensables para lograr un sonido completamente identificado con la World Music.

Ambos norteamericanos, Julie de Chicago y Bruce de Minneapolis, han recorrido el mundo de la formación musical desde temprana edad, comenzando con diversas experiencias cada uno por su lado hasta reunirse como estudiantes de un curso intensivo para músicos avanzados en Old Town School of Folk Music en Chicago en donde comenzaron a tocar juntos formando luego un grupo de folk-rock llamado Aunt Betsy.

Luego de experimentar con este grupo durante cuatro años, girando de manera bastante hippie, en 2008 fundaron “Terra Guitarra”, invadidos por las muchas experiencias de la tierra, de la gente y de la guitarra como ese instrumento acústico y natural que expresa de manera muy particular las emociones entorno a lo natural y también a lo intelectual del Ser humano.

“Firelight” es su trabajo discográfico más reciente en el que puede disfrutarse del momento presente de la evolución de estilo que propone este interesante dúo de guitarristas.

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Coctel apasionante de música global arraigada en los Balcanes

New York Gypsy All-Stars – Dromomania (New York Gypsy All-Stars, 2015)

El conjunto New York Gypsy All-Stars ha lanzado un álbum fantástico que va más allá de las raíces de los Balcanes. Dromomanía nos ofrece una mezcla fascinante de música gitana de los Balcanes, los sonidos de las bandas de metales, elementos turcos, funk, jazz, tambores bhangra, ritmos electrónicos de baile, salsa y mucho más.

El grupo neoyorquino está liderado por el maestro del clarinete Ismail Lumanovski (Macedonia). En un principio formó un dúo con el bajista griego Panagiotis Andreou. Posteriormente, se convirtió en una banda completa con el innovador del kanun Tamer Pinarbasi (Turquia), el percusionista turco-australiano Engin Gunyadin; y el teclista estadounidense Jason Lindner.

Dromomanía fue financiado con el apoyo de los seguidores del grupo. Es un disco recomendable, de lo mejorcito que he escuchado recientemente en cuanto a música de los Balcanes. Es un delicioso cóctel de influencias musicales globales arraigadas en los Balcanes y el Mediterráneo Oriental.

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