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Entrevista con el magnífico grupo colombiano Systema Solar

Músicas del mundo presenta una entrevista en exclusiva con Systema Solar, uno de los grupos más importantes del panorama musical colombiano. Systema Solar representa el sonido apasionante de la costa caribeña de Colombia en la que se mezclan influencias autóctonas junto con sonidos del Caribe, África y otros lugares. Su nuevo disco se titula “Rumbo a Tierra” y ofrece una fusión de champeta criolla, cumbia, calipso, afrobeat, blues, ritmos gnauas de Marruecos, salsa, rayados de tornamesas, compases electrónicos y otros sonidos.

 

Systema Solar – Rumbo a Tierra

 

¿Cuándo y cómo se formó Systema Solar?

Corría el año 2006 y hubo varias situaciones de la vida que permitieron este encuentro, una de estas fue la realización del documental “Frekuensia Kolombiana” sobre hip hop colombiano en el que casi todos los/as ahora miembros estábamos participando dentro y fuera de cámaras, esto se convirtió en una oportunidad para conocernos y motivarnos de los talentos que cada quien mostraba.

Otra circunstancia fue la visita a una verbena o KZ (fiesta popular en el Caribe colombiano) en la población de Santana y en toda esta zona en donde adquieren gran protagonismo los “sound systems” que en nuestro entorno le llamamos “picós” y han sido gran parte de nuestra inspiración en su contexto de Fiesta en donde hay muy buena música, en donde se mezclan en vivo, colores, luces, encuentro de la gente de los barrios en un andamiaje para hacerte sentir bien.

Algunos ya éramos conocidos y amigos y ya estábamos andando el camino musical y artístico y la concreción de todo esto surgió cuando a Vanessa Gocksch la invitan a presentarse junto a Dj David Fresh, (uno de los DJs más importantes de la escena del hip hop colombiano. Ella, VJ y directora del documental Frekuensia Kolombiana, le dicen que vayan a presentarse en el concierto de lanzamiento de la Bienal de Arte de la ciudad de Medellín y ella respondió al encargado que en vez de ir los dos podía llevar a un grupo y el encargado le dijo que estaba bien, preguntándole quién era el grupo y ella le dijo que luego le daba detalles, y es cuando nos propone hacer el ensamble [conjunto] para esa presentación, de tal manera que no existíamos hasta ese entonces y aceptamos hacerlo y tocó buscar un nombre y construir el repertorio de una hora, que lo realizamos en un mes completo y aún seguimos por aquí.

Integrantes de ese momento:

Vanessa Gocksch, madre del proyecto, VJ, encargada de diseño gráfico, arte, escenografía, videoclips,
DJ David Fresh: tornamesas y samplers [muestreadores]
Juan Carlos Pellegrino: Productor
Daniel Broderick “Dani Boom”,  Maquinista, fue quien propuso el nombre
Jhon Primera:  rapero, excelente maestro del freestyle
Walter Hernández: performance, vocalista

Luego al salir nuestro compañero DJ David Fresh, entró nuestro actual Dj, DJ Corpas y nuestro percusionista Andrés Gutierrez.

 

 

¿Qué significa el nombre del grupo?

Systema Solar viene de sistema, de sound system que en nuestro contexto son los picós, los equipos de sonido con personalidad que le ponen la vida sónica a la fiesta es decir a la verbena o KZ.

Solar viene del lugar en el cual se hace la fiesta, es decir la verbena, el sitio que puede estar deshabitado en medio de una calle o lugar equis del barrio.

Somos un colectivo músico visual para celebrar la fiesta de la vida.

 

 

¿Cuáles son los elementos esenciales de la música de Systema Solar?

Dejarnos llevar por lo que cada quien trae y propone, nos inspiramos en la vida cotidiana, es nuestra fuente de sabor para contar lo que nos sucede como personas, de un barrio, de un país con tremendas condiciones y recursos.

Sabor, contenido, concepto…puede ser.

Vibrar con la riqueza sonora y cultural de Colombia desde el Caribe.

No pensamos en estilos o géneros musicales. Nuestras canciones o ideas surgen mucho del jam [descargas], y sobre todo que lo disfrutemos bailando.

 

Systema Solar

 

¿A quién pueden citar como sus principales influencias musicales?

Por mencionar algunos nombres: Corraleros Del Majagual, Pedro “Ramayá” Beltrán, Anibal Velasquez, KRS One y Spiral Tribe.

Toda la dimensión cultural sonora africana e indígena del Gran Caribe de todos los tiempos

Cartagena y otras ciudades costeñas de la zona caribeña de Colombia son un cruce de culturas. ¿Cómo llegan los sonidos del Caribe, África, Norteamérica y otros lugares a estas ciudades?

Han llegado en barcos, en vinilos, y demás formatos, y se han difundido gracias a los picós (sound systems).

La buena radio también ha ayudado a darnos a conocer gran parte del espectro.

¿Cómo ha evolucionado musicalmente y artísticamente el grupo hasta ahora?

En términos generales, tenemos 3 discos editados y cada uno de ellos han sido dimensiones en donde hemos explorado sonido, imagen, escenografía, vestuario, redes sociales interactuando con la gente, desde los conciertos que en lo posible siempre hemos promovido que lo que hacemos no es solo concierto, es una fiesta en la que cada quien debe aportar al momento.

El primer disco fue muy dado a los samplers, el segundo se fue haciendo en las giras y primero se compartían las canciones en vivo y luego se grabó y quisimos que esa energía del en vivo quedara en la grabación y grabamos todo en bloque, y por el otro lado también con una exploración aún más marcada por las texturas de sintetizadores análogos. Luego, en este nuevo álbum tienen protagonismo los instrumentos convencionales tocados con la presencia más controlada en cierta medida.

En todo caso, nada de esto ha sido tan calculado realmente, ha sido un fluir durante ya 10 años. Cada tema es un mundo siempre al que en vivo se le diseñan maneras de conectarse con la luz, la escenografía, los elementos de interacción como kinects [sensores de movimiento] entre otras herramientas, siempre conectadas a experiencias y causas específicas de algún lugar.

Cada etapa hemos cambiado de set [escenario], equipos de cada quien que han ido cambiando y otros que se mantienen, como el “tambor alegre” que es una textura muy de acá junto a las interfaces que nos han permitido mezclar audio y video además de las colaboraciones de otras personas que nos han enseñado bastante.

 

 

¿Qué instrumentos musicales utilizan?

Para grabar utilizamos cualquier objeto que nos emocione con sus sonido, no hay límite; así como instrumentos más convencionales como guitarras, bajo, tambor alegre, percusiones varias, sintetizadores, tornamesas. Normalmente, los instrumentos que se interpretan sí son comunes, luego se trasladan a la interfaz para ser llamados sin que estén ejecutados, de nuevo de manera convencional en vivo. En la percusión usamos timbales, tambores de piso, charles, y otros platillos.

Por lo que he escuchado en las letras, hay un interés especial en proteger la naturaleza. ¿Cuáles son las amenazas medioambientales actuales que está experimentando Colombia?

Megamineria, fracking [fractura hidráulica], afectaciones al agua. En lo fundamental, la ilógica decisión de entregar los recursos de los/as gobernantes y la incidencia de Estados Unidos, Canadá y Europa, usurpación de nuestros recursos, generando violencia.

Aparte de la música, Systema Solar tiene un componente visual. ¿Quién se encarga de este aspecto y como se integra con la música?

En realidad esto no se da aparte de la música, es parte del todo que conforma nuestra propuesta y Vanessa Gocksch, madre del proyecto, VJ, es la encargada de esto, además del diseño gráfico, vestuarios, escenografía. Todo esto conjugado con la luminotecnia se funde de manera músicovisual.

 

 

¿Cómo está el panorama de la música de raíz y el mestizaje cultural en Colombia?

Está en un momento pleno de creatividad, muy buena proyección y expansión.

Algo clave es el reconocimiento a las expresiones que en cada región hablan de sus particularidades y riqueza cultural. Siento que falta más respeto a pesar del crecimiento por todas las comunidades ancestrales que habitan Colombia y que hablan más de 68 idiomas con sus músicas y sentido de conexión ancestral que aún debemos seguir aprendiendo y transmitiendo a nuestras generaciones actuales y venideras.

Si pudieran reunir a músicos o grupos musicales para colaborar, ¿a quién llamarían?

Estamos abiertos a hacerlo con quienes fluyan las mejores vibras, esta es una dimensión tan amplia y de fuerzas sabrosas.

¿Están preparando algún proyecto nuevo?

Ahora vamos a preparar un nuevo show que implica nuevos vestuarios, escenografía, luces, etc., Este nuevo álbum Rumbo A Tierra apenas está iniciando su camino así que tenemos mucho para explorar y compartir.

 

Discografía:

Systema Solar (Chusma, 2010)
La Revancha Del Burro ‎(Galletas Calientes, 2014)
Rumbo a Tierra (Polen/Nacional Records, 2017)

Entrevista con el cantautor Daniel Cros

Daniel Cros
Daniel Cros

Conocimos al cantautor español Daniel Hernández-Cros (Daniel Cros) en una de las ediciones de EXIB Música. En esta entrevista Daniel nos habla sobre su disco más reciente y sus otras actividades relacionadas con la música.

¿Por qué has titulado tu disco “No más canciones tristes”?

Es el título de una de las canciones del disco que habla de una relación que está empezando y que parte de la promesa de vivir “no más canciones tristes… estando junto a vos”. Y en un plano más metafórico es una invitación a dejar a un lado la melancolía y la tristeza y a salir a buscar la alegría. Sin renunciar a alguna canción triste, que las hay bellísimas.

Daniel Cros - No más canciones tristes
Daniel Cros – No más canciones tristes

En el disco colaboran varios invitados. ¿Cómo conociste a Zaira Franco, Alejo Garcia, Sylvia Patricia y Pablo Grinjot?

Con Zaira nos conocimos el año pasado a través de Josean Martin, músico amigo del País Vasco, coincidiendo con la primera gira de Zaira por Europa. La invité a Barcelona y grabamos “Jamás me Curaré”; luego dimos una serie de conciertos en el DF y este año hemos continuado con más conciertos en Madrid, Barcelona, Donosti y Andorra.

 

 

Con Sylvia nos encontramos en Womex en Tesalónica en 2013; con Alejo en un concierto junto a Andrés Correa y a Pala en Barcelona ese mismo año y con Pablo en Buenos Aires, durante mi primera gira por Argentina en 2014.

¿Qué hay de nuevo en “No más canciones tristes” frente a discos anteriores?

Creo que es un disco austero musicalmente, construido con la guitarra acústica y en el que apenas toco el piano, que estaba más presente en discos anteriores. Cuenta también con esas cuatro colaboraciones que le han aportado cuatro colores diferentes al disco y que reflejan los viajes por América.

También el diseño tiene un aire diferente gracias a las ilustraciones de Borja Chacón que ha hecho un bello trabajo, en sintonía con las canciones.

Ya has presentado el disco en varias muestras y conciertos. ¿Cuándo vas a ir de gira de nuevo?

Acabo de llegar de una gira por Colombia y Panamá, voy a quedarme unas semanas en Barcelona y a finales de noviembre tengo un concierto en Andorra y en diciembre dos más en Palma de Mallorca. Para el próximo año hay perspectiva de viajar a Uruguay y de regresar a Colombia.

¿Cuáles son tus principales influencias musicales?

Las primeras fueron Dylan, Cohen y los Beatles, que siempre van y vienen pero siguen estando ahí; luego los grupos de pop ingleses de los ochenta: los Clash, Prefab Sprout, Orange Juice, Elvis Costello, Joe Jackson, Marc Almond, aunque uno no sabe si son influencias o sólo pasiones. Y también: Paul Simon, Van Morrison, Jackson Browne, David Byrne, Crosby, Stills, Nash & Young, Billy Joel. Cuando empecé a estudiar improvisación en el piano transcribía los solos de Bill Evans, Miles Davis, Red Garland, Wynton Kelly… que también influyeron supongo en mi manera de tocar. Luego aprendí a tumbar al piano gracias a Guillermo Céspedes. Y naturalmente Sabina, Aute, Serrat, Silvio, Pablo Milanés y Paco Ibáñez.

 

 

Además de cantante, eres autor. ¿Hay otros artistas que cantan temas tuyos?

Por lo que sé algún cantautor amigo canta algún tema mío en sus conciertos.

Aparte de tu carrera como músico, también produces a otros artistas. Cuéntanos un poco sobre Rosazul y a qué artistas has grabado.

Rosazul es una productora musical que de una parte es un estudio de grabación que está en el barrio del Poblenou en Barcelona y de otra es organizador de conciertos. Como estudio hemos grabado los últimos dos discos de Paco Ibáñez y han pasado por aquí Omara Portuondo, Ibrahim Ferrer, Miguel Poveda, Orishas, Maria del Mar Bonet -que acaba de terminar su nuevo disco-, Anthony & The Johnsons, Kepa Junkera, Manolo García, Vicente Amigo y Sidonie, entre otros.

En la parte de conciertos, hemos producido a lo largo de los años diferentes ciclos conectados con las músicas del mundo y programado conciertos sobretodo en España y también en Francia, Suiza, Marruecos, Argelia, Malasia, además de organizar mis giras por América.

Ahora mismo estamos volcados en la promoción de la fadista Carla Pires que está presentando su nuevo disco “Aquí” (Ocarina, 2016) y a punto también de producir el primer disco de Sergi Blanch, que ha sido el ganador del concurso de cantautores organizado por la sala La Fada Ignorant de Andorra.

 

Daniel Cros
Daniel Cros

 

Si pudieras reunir a los músicos o grupos ideales, ¿a quién llamarías?

Llamaría a Leo Cortés (contrabajo), a Yoan Sánchez (percusión), a Raúl Fuentes (piano) y a José Rafael Coello “el Pochi” (trompeta).

¿Qué te gusta hacer durante tu tiempo libre?

Me gusta salir a correr por la playa y me gusta ir al cine.

¿Qué país o países te gustaría visitar?

India, Vietnam, Japón, Madagascar

¿Qué otros proyectos tienes?

En esta última gira he estado dando unos talleres de escritura de canciones que han despertado bastante interés y me gustaría darles continuidad. La idea surgió porque hace unos años escribí una serie de artículos en la revista Keyboard (en su versión española) en los que analizaba canciones conocidas y la verdad que se aprende mucho de hacer una inmersión en el mundo de otros compositores y sobretodo de compartirlo en los talleres.

También quiero ponerme a estudiar con la guitarra las armonías que se utilizan en el jazz manouche, pero eso de tocar con el pulgar lo veo complicado.

Gracias por la entrevista.

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Entrevista a Gabacho Maroconnection

Gabacho Maroconnection - Foto realizada por Luis Alvarado
Gabacho Maroconnection – Foto realizada por Luis Alvarado

 

“Hacíamos jazz pero bailar se convirtió en una necesidad”

El grupo franco-hispano-marroquí, uno de los proyectos más activos y exitosos del panorama europeo, ha hecho posible en menos de dos años crear su propio público y recibir excelentes críticas de su primer disco Bissara. Melodías pegadizas, ritmos gnawas, percusiones afromagrebíes, ngoni, cantos y coreografía, impulsado por un trabajo infalible y colorista en los arreglos, hacen posible una música que evita los clichés del jazz fusión y envía un mensaje de disfrute colectivo. Son el grupo del momento y por eso en 2015 recorrerá de nuevo España, pasará por Marruecos, Francia y otras capitales europeas y dará el salto a Sudamérica y Nepal.

Cruzamos Cádiz (Andalucía, España) desde la estación de tren hasta la Plaza del Mentidero, camino del encuentro con nuestro protagonista. Hace un día estupendo y cálido pese a las invernales fechas. La profunda crisis económica que aún aprieta parece tener una cara más benevolente en estas calles. Vincent Thomas es un batería francés formado, como gran parte de su anterior grupo, el quinteto de jazz Gabacho Connection, en la Escuela Musikene de San Sebastián, sede de un histórico festival europeo que cumple este año su 50º aniversario. El por qué de que haya venido a parar a una ciudad del sur de España tan pequeña y mal comunicada, para cualquiera que viaje tanto como él, esconde razones que se entienden con sólo mirarle la cara, sentado con su hijo, disfrutando del generoso sol de invierno en una ciudad con un pasado de tres mil años, cercana al sentir del Mediterráneo, África y América.

Dos proyectos que han nacido en el Sur. Su hijo y su grupo. Vincent Thomas, músico, representante de su causa y padre. Alguien que opina sin titubear que “en un proyecto musical la música es un 20% y la promoción un 80%”. Con los datos que maneja de conciertos ofrecidos en un año y medio con GMC, tratándose de 8 músicos que proceden de ciudades distintas y tres países, España, Francia e Italia, nadie mejor que él para ofrecer esos porcentajes de resultados.

 

Leo mira a cámara sostenido por su padre Vincent Thomas, batería y líder de GMC - Foto realizada por Luis Alvarado
Leo mira a cámara sostenido por su padre Vincent Thomas, batería y líder de GMC – Foto realizada por Luis Alvarado

 

Jesús Gonzalo– Nos conocimos en noviembre de 2013. ¿Recuerdas el día?

Vincent Thomas– Perfectamente, hacía dos que mi hijo había nacido y yo estaba tocando en tu festival de Jerez de la Frontera con Antonio Lizana.

Echando cuentas, parece ser que tanto tu hijo como GMC se gestaron al mismo tiempo.

Sí, todo fue sucediendo a la vez. Leo, mi hijo, nació justo el día en que salíamos del estudio de Granada de grabar Bissara. (sonrisas)

 

 Vincent sostiene a su hijo - Foto realizada por Luis Alvarado

Vincent sostiene a su hijo – Foto realizada por Luis Alvarado

 

Observo cómo se remueve Leo en su regazo y le miro a él. Vincent parece más tranquilo y sereno. Le pregunto, haciendo balance, ¿te sientes satisfecho del enorme esfuerzo realizado?

Me siento bien, contento, cómo no. El esfuerzo ha dado sus frutos. Hemos girado mucho en este tiempo, hemos tenido mucha y muy buena repercusión mediática, los mejores programas de radio y medios españoles han puesto atención en nuestra música, pero al mismo tiempo tengo una sensación de inquietud. En francés el significado de “inquietud” es algo distinto al español. Es como si te sintieras algo incómodo, no por lo hecho en el pasado sino por lo que está por venir. Hay mucho por hacer y confío que este año se cumplan las expectativas de conciertos.

Para no insistir en los grandes rasgos que ya han sido tratados, me gustaría entrar en los pequeños detalles de cómo ese proyecto nacido en San Sebastián, como quinteto de jazz, realiza un viaje hacia el Sur hasta llegar a la música gnawa.

Se trató de una coincidencia. Yo compartí piso durante 2 años mientras estuve en Musikene con un baterista sevillano llamado Nacho Megina. En una de las veces que él solía bajar me dijo que por qué no le acompañaba a Marruecos. Así que me fue con él a Esauira. Compramos música, hicimos música gnawa..Fueron 10 días increíbles. Luego he vuelto 10 veces más, en total 11 en 5 años. A mí me gusta el jazz, he tocado y sigo tocando jazz, pero necesitaba el baile. Lo siento, pero me gustan más las músicas del mundo, las escucho más en mi casa que al jazz. El ritmo es muy importante para mí, soy batería.

Recuerdo que cuando aún sólo disponías del máster, en casa de un amigo común, yo mismo me puse a bailar al escucharlo por primera vez y te comenté que esta música tenía todas las herramientas para ser un éxito, que ésta era la música que necesitaba una sociedad en crisis…

Es que no es mi música, es nuestra música. Aunque cada uno componga la música, ésta es la música de un grupo.

(Se para un momento a pensar y me sorprende con esto)

Como músico, yo lo siento, pero para que algo tenga éxito hay que tener un 20% de música y un 80% de management. Por muy buena que sea la música, sino te das a conocer no hay nada que hacer…No estoy hablando de hacer un concierto en un club de jazz, estoy hablando de hacer giras, de mover el proyecto de verdad, de vivir de la música, de tu sueño.

(Se para otro instante y contesta al tema del éxito y de la búsqueda del baile al mismo tiempo)

Esto fue un click… Me pasó en el festival de Valladolid de 2013. Estábamos dentro de un cartel muy bueno con Bill Evans, Ron Carter y el baterista Antonio Sánchez, que dio un concierto estupendo el día antes del nuestro. Imagina, gente que toca mil veces mejor que nosotros…Y yo me dije, a este público le vamos a gustar, le vamos a impactar. Era el último concierto del festival. A mediodía había como 500 entradas compradas y al final se vendieron 800. A dos temas para el final casi me enfadé con el público. No habían bailado aún. Estaban acostumbrados a estar ante un concierto de jazz como el de Antonio Sánchez. Ese día me di cuenta cuál debería el objetivo del proyecto. Entonces, empiezas a cambiar “el chip”. Cambias algunas cosas, sacas algo de jazz y metes algo más africano…

 

Gabacho Maroconnection - Foto realizada por Luis Alvarado
Gabacho Maroconnection – Foto realizada por Luis Alvarado

 

¿El grupo ese día en Valladolid era como el actual compuesto por ocho miembros, el quinteto de antes más tres?

Sí, sí. El quinteto Gabacho Connection venía del periodo en Musikene y lo formábamos Charley Rose (saxo alto),  Willy Muñoz (teclados), Eric Oxandaburru (bajo) y yo a la batería. Salió un trombón, luego había que meter un saxo tenor. Antonio Lizana además de saxofonista es cantaor flamenco, y canta muy bien, así que nos servía para subrayar nuestras raíces mediterráneas. Los problemas vinieron con los visados de nuestros tres músicos marroquíes. El consulado español nos los había cancelado y con ellos una gira. Así que para la segunda ocasión, que tenía citas potentes como el festival de San Sebastián o éste de Valladolid, nos pusimos en contacto con dos músicos de Esauira que viven y trabajan en Europa. Hamid Moumen (voz, guembri) y Jawad Jadli (percusión, voz). El tercero que vino a completar ese puesto era un viejo amigo mío francés que tocaba la percusión y el N`goni que había estudiado en el Congo,Fred Faure.

Así que teníamos un quinteto que quería cambiar de horizontes de estilo, que había ido a Marruecos y contactado con músicos de allí pero que por problemas de papeles no podía contar con esos músicos y los cambió por músicos marroquíes de Europa.

Volviendo a la importancia que señalabas del management, por número de conciertos, por impacto mediático, podría decir que GMC ha sido el acontecimiento musical del 2014 en España. Aparte de la labor titánica que puedo imaginar has tenido que hacer para conseguir todo eso, me pregunto estando el grupo tan alejados, los ocho repartidos en 5 capitales distintas y tres países, ¿cómo has podido resolver esta dificultad logística?

Bueno, en primer lugar tengo que agradecer a los músicos del grupo su esfuerzo. Ya sé que no todo el mundo pone de su parte en la misma media y que como es lógico durante tantas horas juntos surgen conflictos…Esto siempre complicado, pero con esta banda todoterreno ha sido posible. Son gente que está disponible, a esta gente le gusta viajar y se adapta bien a las condiciones. Esto es muy importante, porque a veces las condiciones económicas pueden ser muy difíciles y las distancias grandes…Los festivales van a lo suyo y si pueden pues te dan… menos y tenemos que mirar por el grupo…(sonrisa).

De igual modo que decías que había que invitar al público a bailar, en convertir el concierto en un ritual y alejarlo del personalismo de los solos de un instrumentista de jazz, esto nos lleva a ver a tu banda no como un grupo de músicos sino como un colectivo…

Eso es cierto. Conozco muy bien a mi banda y esto es posible por las personalidades que la componen. Yo me he peleado con cada uno de ellos y creo que cada uno se ha peleado con los otros (sonríe). La gente elegida es gente caliente. Cada uno de ellos… Antonio Lizana comunica muy bien con el público, todo el mundo lo dice. Charly Rose, también saxofonista, tiene un grupo de la música más violenta, el metal hardcore, se vuelve loco detrás del escenario… pero también te puede hacer un arreglo exquisito para violín. El bajista, Eric Oxandaburru, ha escuchado bastante música africana. El “percu”, Fred Faure, pues eso, estudió en el Congo. Luego están los dos marroquíes, que tienen conocimientos de su música tradicional. Willy, el teclista, le va la world music y el hip hop y a mí también. Cada uno de los músicos que estamos tenemos bastante generosidad en el escenario y eso al final se trasmite.

 

Gabacho Maroconnection - Bissara
Gabacho Maroconnection – Bissara

 

Hablemos del escenario y de vuestro disco, Bissara. Un excelente trabajo que recoge fielmente el concepto y la estructura del producto. Ahí está la esencia de vuestro potencial…

Sí, eso es.

Parece más bien un disco de pop antes que de jazz…

Bueno, hay de todo…

Quiero decir, que el público puede identificar perfectamente cada una de las piezas, aunque cuando queréis podéis tocar dentro o fuera del disco, con más improvisación…Que no se trata de una idea cerrada…

Sí, claro, claro…A veces cambiamos cosas, la presentación también. Yo cuando presento a veces hago trampas…Jugamos también con el tema de las sorpresas.

 

Gabacho Maroconnection, Danzas de la tierra y del mar - Foto realizada por Luis Alvarado
Gabacho Maroconnection, Danzas de la tierra y del mar – Foto realizada por Luis Alvarado

 

Y la coreografía que sirve de comunicación con el público… Cómo se han ido añadiendo figuras. ¿Esta parte de quién viene?

De los marroquís. De ellos, va poco a poco y esto va a ir a más. La aportación de los marroquíes está aún a un 20% o un 30%. Se van a ir añadiendo nuevos elementos…Por ejemplo una noche Jawad fue a la habitación de Fred con un bendir y le hizo un baile con los pies que dijo venía de un pueblo perdido de Marruecos. Lo incorporamos al día siguiente.

Tenemos algo de esencias ritualistas, ritmo, percusión, coreografías…

Y melodías.

Claro, y son muy pegadizas. Escuché a unas chicas jóvenes ir por las calles de Cádiz cantando Sonríe Ana dos días después del concierto que disteis aquí…

¿Ah sí?…Estupendo…(risas)

Porque cantáis todos los miembros de la banda. Eso no es frecuente en un grupo de jazz…

Melodías y canto…Esto es muy importante…Podemos hablar de muchas cosas pero esto es lo importante…Cómo no te va a gustar Stravinski o Miles Davis, cómo no dar su lugar a la música instrumental…Me gusta, pero al final esto es lo que le toca a la gente, cantar.

Y toda esa polémica inútil que se arrastra de que si jazz o no jazz, ya ni Stranvinski ni Miles, lo que queréis es comunicar, hacer bailar y cantar a la gente…Conseguir algo casi tribal conectado con África.

Sí, la música gnawa procede de los esclavos negros que venían de Níger, Malí, Sudán…

¿Vas a seguir GMC nutriéndose de la música africana para su nuevo disco, qué nos puedes avanzar?

Que habrá más canto. Y temas sencillos y profundos a la vez

Eso ya lo tenéis ya en este disco, en Bissara

Podemos hacer un disco mejor aún. Tengo fe en esto. Ya estamos componiendo, yo tengo dos temas, Eric tres y Fred uno, hay material. Pero podemos usar más a nuestros músicos marroquíes para la composición…

(medita)

Es muy profundo todo esto…Los músicos blancos no conocen el desierto, no conocen Esauira, yo sí…Tenemos que hundirnos aún más en la música africana y marroquí. Vamos a tener ocasiones en nuestra gira para ello. Sobre todo la cita en el Festival de Merzouga.

(ver agenda de GMC al final de la entrevista, nota JG)

Por eso hicisteis el vídeo de ese segmento tradicional gnawa, como diciendo: “no sólo somos fusión, también somos tradición”.

Sí, por supuesto. Lo más importante es que los músicos de GMC conozcan la música marroquí en profundidad.

 

Gabacho Maroconnection, Gnawa, tradición y ritmo - Foto realizada por Luis Alvarado
Gabacho Maroconnection, Gnawa, tradición y ritmo – Foto realizada por Luis Alvarado

 

Sabemos que GMC ha girado mucho en muy poco tiempo. Igual estamos siendo algo injustos con el panorama jazzístico, porque han sido sus festivales y clubes los primeros que han apoyado esta propuesta.

Sí, pero yo creo que es por nuestro pasado en quinteto con Gabacho Connection.

Mira, hoy he recibido un correo de un tío de Luxemburgo o Suiza o no sé qué. “Sí, he visto tu mail pero a nosotros no nos interesa el jazz”. Le había puesto arriba en el asunto “GMC afro, gnawa, jazz música marroquí”. Vale, pues he quitado “jazz” y le he vuelto a mandar el mail… (risas)

Vincent me entrega otra copia de Bissara pero antes se la enseña a su hijo mientras le tararea el tema Moussaoui, uno de los “hits” del disco del que han hecho un precioso vídeo.

 

 

Ahora me gustaría que me hablaras de ti…Eres francés, eres baterista…Háblanos de tus baterías favoritos y del jazz francés, que está muy conectado con África.

Cuando tenía 15 años empecé a tocar la batería. Mis héroes absolutos eran Manú Katché, Stewart Copeland y Jeff Porcaro… Por lo tanto yo vengo de los baterías de Toto, Police y Manu Katché, que es Sting y Peter Gabriel. Luego llega la técnica y el estudio…Dave Weckl, Vinnie Colaiuta…La sensibilidad, el jazz.

Así que hoy en día, de los grandes baterías, si me pides unos cuantos nombres, pues saldrían Brian Blade, Jeff Ballard, Manú Katché, Stewart Copeland, el del grupo de hip hop The Roots, Amir Thompson…

(Pensativo)

Hay que separar las cosas…No puedes decir que Steve Gadd o Manu Katché no saben tocar por jazz porque han tocado con Paul Simon o Sting…Su aportación es enorme en el arte de configurar la batería en el estudio. Es algo increíble (pausa)…Luego está el trabajo de Philip Jo Jones o Tony Williams con Miles Davis, que es brutal, pero no tiene nada que ver, hay que distinguir lo que hace cada cuál.

Mira, en Musikene (San Sebastián) tuvimos de profesor a Gillermo Klein. Un tipo muy reputado en el jazz que dijo que el Imagine de John Lennon encierra tanta dificultad como una pieza clásica.

Lo que quiero decir es que no hay categorías… Hacer una buena toma en un estudio con un metrónomo de Like a Virgin es igual que difícil que tocar con Joshua Redman.

Y lo del jazz francés y su conexión con África…

Es que Francia es África. El 30% de la Población de París es negra…

¿Barbés?

No hay que ir a Barbés…Hay mucha gente negra en París, una población enorme.

¿Y conoces a los baterías de Henry Texier o Louis Sclavis, por hablar de dos músicos de jazz cuya música se ha inspirado en África?

Claro, Tony Rabeson es de Madagascar, ahí lo tienes. Con Francis Lassus toqué en un proyecto de 12 baterías titulado Las Elegantes Máquinas (Les Élégantes Machines). Este tipo ha tocado y ha aprendido de mucha gente y mucha de África…Es amigo del baterista argelino Karim Ziad…Hay mucha cultura en Francia en relacionarse con África.

Pero es que incluso el gran Joe Zawinul, en los últimos grupos del Zawinul Sindicate, llevaba músicos africanos y franceses. Richard Bona entre ellos.

Es como si todo volviera a África, Zawinul produce a Salif Keita y cambia de concepto

Eso es dialogar, y eso es lo que nos ha llevado hasta aquí.

 

Hamid Moumen
Hamid Moumen

 

Agenda 2015 GMC

18 de abril: Festival Merzouga (Marruecos)

14 de mayol: Festival Atout Coeur (Francia)

06 de junio: Festival Afriqu’a Muret (Francia)

20 de junio: Festival Poborina Folk (España)

24 de junio: Fiestas de Segovia (España)

10 de julio: Festival Musikaire: (España)

11 de julio: Festival Intercultural de Laredo (España)

18 de julio: Festival Etnosur (España)

19 de julio: Festival de jazz de Sanlucar (España)

24 de julio: Festival de jazz flamenco de Ronda (España)

01 de agosto: Festival Músicas en Espejo de Soria (España)

03 de agosto: Festival Mediterraneen de Al Hoceima (Marruecos)

05 de agosto: Festival de jazz del Mosquito Huelva (España)

07 de agosto: Castel de Denia (España)

13 de agosto: Festival du Monastier (Francia)

15 de agosto: Festa de la Pigna, San Remo (Italia)

23 de agosto: Festival Bidasoa Folk (Francia)

24 de agosto: Fiestas de Bilbao (España)

04-05 de septiembre: Festival Sam Africa (Francia)

06-14 de septiembre: South Americ tour (Chile – Bolivia)

16 de septiembre: Festival Jazz au Chellah (Marruecos)

17 de septiembre: Institut Français de Safi (Marruecos)

18 de septiembre: Institut Français de Essaouira (Marruecos)

19 de septiembre: Institut Français de Agadir (Marruecos)

04-11 de noviembre: Festival Jazzmandu (Nepal)

Noviembre-Diciembre: Gira por Asia

Web Gabacho Maroconnection

Janusz Prusinowski, donde nace la mazurca

Janusz Prusinowski - foto realizada por Artur Chmielewski
Janusz Prusinowski – foto realizada por Artur Chmielewski

 

Janusz Prusinowski, junto a los componentes de su kompania, los cuatro músicos y bailarines que le acompañan, es actualmente el más activo representante de la música tradicional de una tierra que ha irradiado con su influencia, en el contexto popular y en el erudito, a múltiples países de Europa y de otras costas del Atlántico.

Hace unos 20 años la trayectoria de Janusz, original de la ciudad de Mława, en la región norcentral de Polonia, experimenta un punto de inflexión que le lleva a consagrarse artísticamente a la música tradicional rural, centrándose primero en la zona al sur de Varsovia, para ir ampliando progresivamente el círculo de su búsqueda de las fuentes más auténticas, los viejos maestros con los que aprender el repertorio e interiorizar el estilo hasta hacerlo suyo. Él mismo nos habla de sus comienzos en la música, de su evolución, de su faceta como artista, de su grupo, de las fuentes de las que se nutre su rica propuesta artística y de su iniciativa como generador de espacios y momentos de encuentro entre esos viejos maestros y las nuevas generaciones a través del festival del que es fundador y director artístico.

 

Araceli Tzigane: ¿Cómo comenzaste en la música?

Janusz Prusinowski: Fue muy sencillo. A mi madre y a mi padre les gustaba mucho cantar y cuando yo tenía 5 o 6 años, me recuerdo a mí mismo cantando muchos tipos de canciones, tanto canciones graciosas como religiosas, solo por divertirme. Cuando conseguía cualquier instrumento, aunque fuera muy sencillo, unas campanillas, o incluso instrumentos de juguete, empezaba directamente a tocar melodías. Así que así es como empecé.

Soy de la opinión de que es la manera sencilla de empezar en la música típica para cualquier persona, tanto músicos como no músicos. Cualquiera puede comenzar a desarrollar su musicalidad cuando empezamos a aprender la lengua materna. Esto es también la razón por la que pongo tanta atención al folklore para niños, a la música para niños con mi esposa, trabajamos en la educación en este terreno.

Cuando eras niño y cantabas, ¿cantabas bien? Porque cuando yo cantaba de pequeña era absolutamente horrible… Cantaba desafinada todo el tiempo, así que me imagino que tú tienes alguna habilidad de nacimiento.

Tal vez, sí, yo recuerdo que me gustaba cantar, a veces mis padres me pedían que cantara para otra gente y se ponían orgullosos. Mi madre cantaba en el coro de una iglesia y yo cantaba un poco con ellos también. Debía de cantar bien, porque recuerdo algunas veces en el colegio en las que yo cantaba y tocaba muchas canciones y los demás niños solo escuchaban.

Y cuando creciste, ¿empezaste a estudiar música?

Cuando crecí tenía muchas aficiones, como la gente joven, me fascinaba la psicología, los lenguajes extranjeros, incluso de muy lejos, y también estaba fascinado por la música de diferentes culturas. Empecé a tocar la guitarra, a componer con amigos, muchas canciones sencillas, con 15 o 16 años… Incluso grabamos algunas de ellas. Era una creación espontánea, digamos.

De vez en cuando tocaba también el acordeón con mis padres y para ellos, pero era otro tipo de música. Y cuando acabe la escuela secundaria primero estudie psicología y solo después de dos años decidí ir al conservatorio. Tocaba ya muchos instrumentos, mandolina, guitarra, percusiones… cualquier cosa.

Tenía unos 20 o 21 años cuando fue por primera vez a clase y empecé a aprender solfeo e historia de la música, y nuevos instrumentos, fagot, piano y era fascinante ir a la escuela sabiendo lo que quería hacer, sabiendo que quería ser músico y que ser compositor, así que me lo tome muy en serio y estudiaba mucho y logre aprender mucho. Y esto me abrió a la parte clásica y teórica de la música, pero mi principal camino fue a través de varias músicas étnicas.

La música tradicional polaca llegó al final, pero primero tocaba incluso música latinoamericana, tocaba muchas canciones ucranianas, balcánicas, judías… Durante años tocaba en Cracovia, en una parte de la ciudad era un barrio judío y me ganaba un dinero tocando en la calle repertorio judío, danzas y canciones judías.

 

Janusz con Jan Gaca en 1996- - foto realizada por Andrzej Bieńkowski
Janusz con Jan Gaca en 1996- – foto realizada por Andrzej Bieńkowski

 

¿Y tienes algo grabado de eso?

No sé, no creo, fue hace 25 años… Pero recuerdo muchas de esas canciones, fueron el camino a la música polaca, porque la notación de las melodías judías estaba en los mismos documentos que las polacas, así que empecé a leer ambas y luego las polacas resultaban también muy interesantes, nos provocaban preguntas, nos hacían encontrarnos con otras personas, como Andrzej Bieńkowski, que nos mostró películas de grabaciones en aldeas y eso fue una revolución total, hacia dejar todo y entregarme a la música tradicional de Polonia central.

Entonces, aquel fue el momento en que decidiste investigar en la música tradicional polaca, pero, con tu familia, ¿no tocaban esa música, no tocaban música rural? ¿Que tipo de música tocabas con ellos?

La región en la que yo nací y en la que vivo, en el norte de Varsovia, es totalmente diferente de la zona del sur de Varsovia. Aquí siempre ha habido buenas comunicaciones, como trenes, y era fácil venir desde Varsovia. La mitad del repertorio de mis padres eran canciones populares de antes de la Guerra, como tangos, valses, y la otra mitad era música tradicional de esta región. Siempre se mezclaban, y estaba bien, pero era muy diferente de la música de mazurcas improvisada de la zona del sur.

Yo aprendí algunas mazurcas y obereks de mi vecino, pero era más como algo para tocar deprisa con el acordeón e impresionar, pero no había una melodía para cantar, no se podía cantar de ninguna forma. Así que cuando conocí esta música del sur de Varsovia pensé que también debía haber sido así en mi región, la música más antigua, tradicional, que estaba prácticamente olvidada, pero seguía siendo comprensible. Cuando toqué algunas de estas músicas para mi padre, él las entendía perfectamente y podía bailar.

 

Aleksander Bobowski al violín, Piotr Zgorzelski al basy y Remek Hanaj en la percusión
Aleksander Bobowski al violín, Piotr Zgorzelski al basy y Remek Hanaj en la percusión


Pero antes de que conocieras a Andrzej Bieńkowski, ¿no habías oído esa música antes?

Había oído algunas canciones. No estaban publicadas y no sonaban en ninguna radio. Era una música desconocida. La música del sello de Andrzej es Muzyka Odnaleziona (Musica perdida/encontrada). Era música que se perdió, casi nadie tenía ni idea de que existía esa música loca y salvaje en Polonia Central.

Y si no hubieras tenido esta iniciativa, ¿qué habría pasado contigo?

No lo sé. Yo fuí una de esas personas jóvenes que empezamos a viajar a los pueblos para aprender la música, no solo para grabarla, o para otra cosa, sino para aprenderla, para tocar para el baile y para continuarla, como alumnos de estos violinistas rurales. ¿Qué habría pasado si no hubiera hecho esto hace 20 años? Tal vez ahora nadie tocaría esto. Es posible, porque hemos puesto mucha intensidad en esto, gracias a nuestra juventud, hemos tocado esta música en ciudades, en discos… y al comienzo era totalmente despreciado, no se valoraba nada, pero paso a paso empezó a ser más importante para otras personas, así que éramos como inspiradores para otras generaciones más jóvenes, pues era posible que esto funcionara, que esta música fuera fascinante.

Alguien me dijo que te considera un héroe, porque hace 20 años te dijo que por qué hacías eso, que lo dejaras, así que creo que no elegiste un camino fácil. ¿Qué sientes ahora, 20 años después, ahora que has ganado, que tienes un festival, que eres un artista muy conocido, tocas por todo el mundo…?

Estoy muy orgulloso de esa decisión y creo que no había otro camino para mí o para nosotros. Yo no me imagino haciendo ninguna otra cosa más que tocar esta música y contando estas historias acerca de las personas, de la cultura, de las situaciones… Me siento de alguna forma como un embajador, digamos, no hay duda en esto, creo. Tiene valor no solo fuera de Polonia, también dentro. Este año hemos empezado a notar que la energía regresa a nosotros. Hemos tocado en lugares de prestigio, para el presidente, y hemos compartido con orgullo lo que hemos aprendido de nuestros maestros, de nuestros ancestros. Es una actitud que me parece importante, no solo para mi país, espero.

 

 Janusz con Kapela Dobrzeliniacy, grupo del pueblo de Dobrzelin en la región de Łowicz

Janusz con Kapela Dobrzeliniacy, grupo del pueblo de Dobrzelin en la región de Łowicz

 

Te iba a preguntar algo que ya me has respondido, que es qué harías si no estuvieras haciendo esto, pero dices que no te imaginas haciendo nada más.

No podría estar haciendo nada más… Si no, estaría haciendo otras cosas en este terreno tan amplio, como tocar para niños y con niños, canciones para diferentes momentos del ano, tanto religiosas como populares, tocando para bailar, ensenando a la gente a bailar, a tocar instrumentos y entender la música a través de su cuerpo, enseñando cómo funciona la música como comunicación, creando espacios para los ancianos maestros en la cultura contemporánea, y abriendo espacios para los músicos jóvenes y creando eventos para las artes, haciendo dibujos animados para los niños con esta música… Esto es un universo en el que varias partes cooperan, así que no puedo imaginarme haciendo nada diferente.

Y cuando conociste a Andrzej Bieńkowski y esas músicas, ¿qué pasó en concreto, qué hiciste para aprender esta música?

Empecé a aprender, intentando tocar en el violín estas músicas, fuí a buscar a los maestros a los pueblos, luego les invité a tocar las casa de baile en Varsovia, y aprender, aprender, aprender.

Pero ¿cómo los encontrabas? ¿Ibas al pueblo y preguntabas quien toca música ahí?

A veces era así, otras veces ya teníamos las direcciones que nos había dado Andrzej Bieńkowski o Piotr Dahlig que era un gran etnógrafo, de otras personas que lo conocían, y llegábamos a la dirección, le preguntábamos quien más toca o canta aquí en este pueblo, e íbamos de uno a otro, creando una red. Andrzej Bieńkowski incluso hizo un mapa con las direcciones de viejos músicos, así que fue muy útil.

¿Y aún ahora encontráis músicos rurales que no conocíais?

Sí, sí, aun encontramos gente que no conocíamos, especialmente en la region de Rzeszow, pero no solo. A veces son músicos de aldea que han ido a vivir a la ciudad con sus hijos, para no vivir solos en el pueblo. Ocurre que son aún muy buenos. No hay tantos como hace 20 años pero hay muchos, y yo no he aprendido todo su repertorio aun y me gustaría.

 

El maestro Jan Gaca con su más cercano discípulo y amigo Maciej Żurek. Cortesía del Festival Mazurki
El maestro Jan Gaca con su más cercano discípulo y amigo Maciej Żurek. Cortesía del Festival Mazurki

 

¿Cómo es tu grupo, Janusz Prusinowski Kompania, y quiénes lo forman?

El grupo está formado por músicos y bailarines, si es que se puede separar. De todas formas, la sección rítmica la lleva Piotr Zgorzelski, que toca el bajo, Piotr Piszczatowski, que toca el tambor baraban y la pandereta que llamamos bębenek. Ellos son entregados bailarines y guían bailes nocturnos, también en bodas… en cualquier sitio. Lo que ellos dan al grupo es un pensamiento corporal que está dentro de los patrones rítmicos. Lo que nosotros tocamos es lo que ilustra sus movimientos, los movimientos que se hacen cuando están bailando en parejas o en grupos grandes.

El siguiente es la sección de vientos, que es Michał Żak, que toca tres instrumentos de vientos, una flauta de madera que es casi como la que se toca en Bretaña, la chirimía, cada uno de estos instrumentos proporciona un color diferente, una manera de respirar diferente. Este fue el comienzo del grupo, del trío. Cuando oí a Michał tocando pensé: este hombre sabe lo que toca.

Szczepan Pospieszalski, el trompetista, cuando estaba grabando el disco y la canción Serce, corazón, necesitaba el sonido de una trompeta, así que hicimos una búsqueda de trompetistas en Polonia, invité a algunos grandes trompetistas pero cada uno de ellos tenía alguna dificultad al tocar estas frases. Por suerte Michał conoció a este joven Szczepan y tocó lo que le pareció y fue el comienzo de su colaboración y ahora es un miembro fijo del grupo. Ah, y yo. Yo toco casi todos los instrumentos del grupo, estudié instrumentos de viento en la escuela de música pero esa no es la cuestión. La cuestión es que la mayoría de la música la he encontrado en los pueblos yo mismo. Por eso se llama la banda con mi nombre.

He vivido muchas situaciones de estar en los pueblos tocando para el baile, y siento que es un gran regalo, del que aún no nos damos cuenta que está esperando su oportunidad para ser tocado, para ser bailado, y esto es uno de los más importantes motores de lo que hace el grupo, musicalmente y no solo.
Muchas veces tocamos con artistas invitados. Los más importantes son los maestros rurales. La más importante es Maria Siwiec, de Gałki Rusinowskie, de la que seguimos aprendiendo. Otro que no es muy habitual, pero a veces pasa, es Piotr Gaca, uno de los mejores violinistas polacos actualmente, tiene 86 años. A veces hay un grupo entero que canta, de esta región.

También mi mujer Kaja suele ser invitada de la Kompania o casi es un miembro más. Con ella tocamos villancicos, también las actuaciones para niños son una parte de nuestro repertorio y también conciertos con baladas. Otra invitada es Justyna Piernik, de la región de Kujawy, que es líder de un movimiento de revitalización de la música de Kujawy, una pequeña región en el nordeste de Polonia. Es la tierra de donde era la madre de Chopin, así que es como una parte de su lenguaje musical.

Otra invitada es Ewa Grochowska, una de las mejores cantantes tradicionales de Polonia y es una gran profesora de canto. Y a veces tocamos y damos conciertos con Adam Strug, el mejor cantante masculino, yo creo de verdad que es mejor que yo porque él ha dedicado todo su talento al canto, así que puede cantar con microtonos muy precisos, y ha estado años estudiando y cantando junto a los viejos maestros de la región de Kurpie, que es su región. Es una tierra muy diferente y muy diversa.

 

Maria Siwiec y Maria Pęzik, de la localidad de Gałki Rusinowskie - foto realizada por Małgorzata Bieńkowska
Maria Siwiec y Maria Pęzik, de la localidad de Gałki Rusinowskie – foto realizada por Małgorzata Bieńkowska

 

En los últimos 25 años, una vez tumbado el vergonzoso muro de Berlín nos han ido llegando las fantásticas músicas del otro lado, y claro, también las de Polonia. ¿En qué tradición musical basáis vuestro repertorio?

La tradición musical que intentamos continuar es la música de mazurca de Polonia central, que es bastante única, la música de los pueblos es improvisada, salvaje, enérgica y social. Hay una manera social de tocar que se ha mantenido hasta ahora. Es música de Polonia central, como alrededor de 100 kilómetros alrededor de Varsovia hay un núcleo de música de mazurca, cerca de Radom, la ciudad del Radom, en el sur de Varsovia, hay unos músicos particulares, como Piotr Gaca y su hermano Jan Gaca que murió el año pasado, Jan Ciarkowski, Kazimierz Meto, Jan Lewandowski y muchos, muchos otros… Parece que hay todavía muchos excelentes músicos así que nos hace imaginar que esto que es así en esta pequeña región, podría ser así hace años en todas partes, así que empezamos a buscar en archivos, en grabaciones de principio de los 50, de mucha gente que incluso había nacido en el siglo XIX así que muchos años después de escucharlos aún no hemos aprendido suficiente, pero esta es nuestra música, nuestro lenguaje musical.

Si nos vamos un poco hacia el este de esta zona de la salvaje mazurca encontramos melodías más lentas. En todas partes son diferentes pero se puede reconocer más o menos la misma idea, la misma base de la melodía, y esa improvisación de una manera diferente. Si vamos un poco más al oeste llegamos a la región de Wielkopolska, donde la música es un poco diferente, se toca de manera totalmente diferente por el instrumento. Hay gaita y hay un violín especialmente preparado, el skrzypce podwiązane, con las cuerdas más cortas, pero cuando lo escuchamos con cuidado vemos que las melodías algunas son parecidas. La danza principal es wiwat, tocamos un poco de esta música que hemos aprendido de archivos.

Si viajamos hacia el este desde esta región de Polonia central llegamos a la región de Lublin, que tiene una manera de cantar muy arcaica. Hemos conocido cantantes allí que cantan con una voz especial. Esta música es parecida o tiene la misma raíz que la música de la parte oeste de Ucrania. Algunas canciones se cantan en los dos idiomas.

Más al sur hay una región montañosa, donde escuchamos las montañas en la música, que es Pogorze. Es completamente diferente, está relacionada con la música de Hungría, de Rumania, de Ucrania, de Eslovaquia, República Checa… Son las montañas de los Cárpatos, que son como un espacio común musical diferente de las tierras bajas donde estamos nosotros. Así que en esta región de Rzeszow no encuentras tambor, se toca con contrabajo, dos violines, uno que toca la melodía y otro el ritmo, el salterio de martillos y otras maneras de cantar.

Sería una larga historia describir las diferentes específicas de diferentes regiones. Los últimos dos años me ha interesado la región de Kujawy, que es muy única. Alguna gente dice que esta ahí la semilla del estilo antiguo de Polonia, del estilo que se hizo popular en Europa en los siglos XVI y XVII, que luego se ha transformado en la polska sueca. Las melodías son más lentas, el rubato es muy fuerte y la manera de cantar de los cantantes de voz grave es muy fantástica.

 

Baile nocturno en el pueblo de Nieznamierowice, con el grupo de Janusz, Jan Gaca les anima, a su lado, de azul, el bailador Tadeusz Cieślak y al fondo los violinistas Maciej Żurek y Maciej Filipczuk.
Baile nocturno en el pueblo de Nieznamierowice, con el grupo de Janusz, Jan Gaca les anima, a
su lado, de azul, el bailador Tadeusz Cieślak y al fondo los violinistas Maciej Żurek y Maciej
Filipczuk.

 

¿Y tú creaste el Festival de Mazurcas? ¿Cómo lo hiciste? En la situación actual en España pensar algo así sería un poco loco, tal como está la situación, ¿tú como lo lograste?

Fue mucho trabajo, preparar y crear el festival. Lo primero es crear el programa y escribir solicitudes. Normalmente el Ministerio de Cultura nos apoya, también el área de cultura de la ciudad de Varsovia, siempre buscamos dinero privado de diferentes fundaciones… lo que supone mucho papeleo, mucho trabajo y esperar las decisiones, y por ahora, más o menos funciona.

Me acuerdo en 2011 que una semana antes del festival no había aun decisiones acerca de darnos dinero, porque había habido algún problema formal con los documentos y era un gran riesgo publicar el programa sin tener ninguna seguridad sobre el dinero, pero me arriesgué, fue nuestra decisión y fue una edición estupenda. Así que es mucho trabajo, conectar todo eso, planificarlo, preparar la documentación… para tener un buen nombre de cara a las instituciones.

 

Janusz Prusinowski al basy, Piotr Gaca al violín, Józef Pańczak al baraban - Foto realizada por Michał Stradowski
Janusz Prusinowski al basy, Piotr Gaca al violín, Józef Pańczak al baraban – Foto realizada por Michał Stradowski

 

¿Y tú escuchas otras músicas ahora?

Sí, cuando viajamos escuchamos la música de los países a los que vamos, así que el viaje es nuestra fuente. Me interesa mucho la música tradicional del mundo. También alguna música clásica, algunos compositores, el que más me gusta es Chopin. También música popular… escucho música con mis hijos, a veces creo que la música que escuchamos tiene que ver con tu edad o está de alguna forma relacionada con la edad. Cuando los chicos se han hecho mayores hemos oído música mas dinámica, rock, en la que la energía cambia y así se enfocan en diferentes tipos de expresiones. Es interesante. Me acuerdo de estar tocando guitarra bajo y rítmica durante años cuando tenía 14 o 17 años…

En los últimos años, desde 2008 habéis tocado en varios continentes, en dos ediciones de Womex… ¿Cómo acogen por esos mundos una música tan ancestral como la vuestra, en estos tiempos de infinitas fusiones?

Sí, tocamos esta música que hemos aprendido de nuestros maestros en varios continentes y también en Womex y cuando me preparo para los conciertos una de las cuestiones es, bueno, ¿quiénes somos? ¿Qué es lo que tenemos de único, de especial en la música que nosotros tocamos? Porque cuando viajamos por el mundo escuchamos tanta cantidad de músicas especiales, locales… Así que, ¿qué es lo que hay de especial en la música tradicional polaca? Este es el principio de la historia, que nos ha guiado por nuestras experiencias, en Polonia también. ¿Qué hay de bonito en el próximo pueblo? ¿Qué melodías hay? ¿Qué improvisaciones se hacen? Yo creo que el concierto que tocamos en Womex fue una apertura al mundo… “Ah, bueno, ahí hay una tierra en medio de Europa, se llama Polonia, y tiene una música única y rara y es muy bonita” así que hasta ahora la gente nos ha felicitado por la música y por la información que consiguen a través de la música, de nuestra tierra, saben que existe una tradición que sigue viva, que existe una apreciación por parte de los mayores y también de los jóvenes.

 

Discografía:

Mazurki (2008)
Serce (2010)
Po Kolana W Niebie – Knee-Deep in Heaven (Oriente Musik, 2013)

Entrevista realizada por Araceli Tzigane, con aportación de varias preguntas de Jordi García. Traducción de Araceli Tzigane.

Entrevista con la gran cantante saharaui Aziza Brahim

Aziza Brahim
Aziza Brahim
Aziza Brahim, una de las cantantes más importantes del panorama musical saharaui ha grabado un disco nuevo titulado Soutak que saldrá al mercado el 10 de febrero bajo el sello Glitterbeat Records. En la actualidad, Aziza vive en España y su música es un cruce de culturas en donde las raíces tradicionales saharauis se mezclan con elementos de la música moderna.

Aziza nació en los campamentos de refugiados en la frontera entre Argelia y el Sahara Occidental. Cuando era una adolescente, Aziza se fue a estudiar la escuela secundaria en Cuba. La crisis económica que experimentó Cuba en los 90 no le permitió estudiar musica en las universidades cubanas por lo que regresó a los campamentos de Argelia. En los campamentos, Aziza formó parte de varios grupos como cantante e instrumentista.

En el año 2000 se fue a vivir a España. Allí, Aziza formó el grupo saharaui- hispano Gulili Mankoo que grabó dos discos autoproducidos: el EP ‘Mi Canto’ (2008) y el álbum ‘Mabruk’ (2012), editados por el sello francés Reaktion, dedicado a la música del Sahara.

Aziza Brahim - Soutak
Aziza Brahim – Soutak
Soutak‘ (“Tu voz”) lo ha producido Chris Eckman (Tamikrest, Ben Zabo, Dirtmusic) y lo editará el sello alemán Glitterbeat a escala internacional.

Aziza nos habla sobre su música y el panorama musical saharaui.

¿Cuándo empezaste a aprender música?

Desde que tengo uso de razón, he practicado la música porque en mi casa era algo habitual. No solo nos reuníamos los viernes para cantar El Medeh, el resto de la semana también estaba presente. Nos entreteníamos organizando juegos musicales, mi abuela proponía unos versos y teníamos que inventarles una melodía, ella decidía cuál era más bonita. Me pasaba el día imaginando melodías para ganar esos concursos familiares.

¿Cuál fue tu primer instrumento musical?

Primero la voz y las palmas, después una alfombra, más adelante un bidón de agua para simular un tabal. Cualquier cosa me servía entonces para hacer ritmo. Ha sido ahora, hace unos años cuando he podido empezar con la guitarra.

¿Qué instrumentos tradicionales suelen tocar las mujeres saharauis?

Aziza_Brahim tocando el tbal - Foto realizada por Angel Romero
Aziza Brahim tocando el tabal – Foto realizada por Angel Romero
El tabal es el instrumento de percusión femenino saharaui por excelencia.

¿Cuáles son tus principales influencias musicales?

Mis influencias principales son las africanas, entre las que destaco el blues de Ali Farka Touré, o la obra de Salif Keita. También, Dimi Mint Abba, Malouma y Um Kalzzum.

¿Dónde vives ahora?

En Barcelona.

¿Sigues en contacto con la comunidad saharaui de los campamentos de refugiados?

Por supuesto, casi toda mi familia vive allí y mantengo el contacto tanto con ellos como con la realidad que están viviendo.

Hace unos años músicos españoles donaron guitarras eléctricas a los músicos jóvenes saharauis. ¿Cómo está el panorama ahora por el lado de la música?

Aziza Brahim
Aziza Brahim
El panorama de la música está condicionado por la situación política de un país sin estado, con unos territorios sometidos a la dominación marroquí y gran parte de nuestra población en el exilio. En el ámbito cultural esto se traduce en censura y escasez de recursos. Existen músicos competentes, propuestas interesantes que jamás podrán ser escuchadas porque están silenciadas por las fuerzas represoras o por la inexistencia de medios para su profesionalización.

En tus actuaciones transmites un mensaje de apoyo a los derechos históricos del pueblo saharaui. ¿Piensas que se conoce suficiente el problema del Sahara Occidental?

La sociedad civil española sabe muy bien de nuestra situación y hace grandes esfuerzos para cooperar con nosotros a través de muestras de solidaridad sin precedentes en la Historia. Quizá en Europa y en América, incluso en otros países africanos, nuestra situación sea más desconocida. En cambio, los diferentes Gobiernos españoles cada vez se desentienden más de sus responsabilidades, a pesar de que todavía conservan la soberanía sobre el territorio a causa de una descolonización inacabada.

¿Cuáles son las principales dificultades del pueblo saharaui?

Aziza Brahim
Aziza Brahim
La principal de todas las dificultades es la separación de las familias, a causa de un conflicto de casi cuarenta años. En los territorios ocupados el principal problema de mis compatriotas es la falta de libertad de expresión, las detenciones arbitrarias, las torturas que ejerce el régimen marroquí. Al otro lado del muro de la vergüenza, en los campamentos de refugiados, la mayor dificultad es la escasez de agua, de alimentos básicos y de asistencia sanitaria. Hay que tener en cuenta que se ha reducido muchísimo la cooperación y las partidas que los países europeos destinaban a la ayuda humanitaria a través de ACNUR para los saharauis en el exilio. Son muchos años resistiendo en condiciones extremas.

¿Con qué músicos estás trabajando ahora y de donde son?

La banda que me acompaña ahora está formada por músicos catalanes, Guillem Aguilar al bajo e Ignasi Cussó a la guitarra, un percusionista hispano-argentino, Nico Roca y un guitarrista maliense, Kalilou Sangare. También mi hermana Badra Abdallahe a los coros. Todos auténticos fueras de serie.

¿Estás actuando fuera de España?

De hecho, los primeros conciertos de la nueva gira serán fuera de España: Suiza, Alemania, Holanda,…
Cuéntanos un poco sobre el disco nuevo producido por el sello alemán Glitterbeat, las canciones, los músicos participantes, etc.

Es una propuesta acústica, más sencilla, centrada en la voz, con los músicos que he mencionado antes, en el que me he atrevido a tocar algunas guitarras rítmicas. Las letras originales intentan llamar la atención sobre temas sociales que me preocupan mucho como la condición de refugiados o las minas antipersona; o hechos históricos como el desmantelamiento desproporcionadamente violento del campamento saharaui de Gdeim Izik. Pero, sin descuidar los asuntos sentimentales o emotivos. En definitiva, son canciones de resistencia.

Glitterbeat tiene también a músicos tuareg. ¿Hay contactos culturales entre los músicos saharauis y los tuareg?

No tantos como nos gustaría. De momento, no pasamos de la admiración mutua. Aunque hace unos años colaboré con Kel Assouf, en el Nomad’s Land Festival de Bruselas. Me gustan mucho las propuestas de Tinariwen, Tamikrest, Terakaft o Bombino.

Si pudieras reunir a los músicos o grupos ideales, ¿a quién llamarías?

Aziza Brahim
Aziza Brahim
Habría estado bien una jam session entre Ali Farka Touré y Jimi Hendrix, pero como esto ya no es factible, me conformaría con una colaboración con Tiken Jah Fakoly, Salif Keita y Bombino.

¿Qué música estás escuchando ahora?

Procuro escuchar los más variados estilos musicales. Escucho mucho diferentes radios y dedico tiempo a escuchar músicas nuevas y antiguas de todos los sitios posibles. Pero, últimamente escucho mucho el disco African Revolution de Tiken Jah Fakoly.

¿Qué te gusta hacer durante tu tiempo libre?

Aparte de la música, me gusta ver películas, documentales, series de TV, leer biografías y libros sobre historia y, sobre todo, jugar con mis hijos.

¿Qué otros proyectos tienes?

Por el momento, el lanzamiento de mi último trabajo discográfico, Soutak y su gira.

Discografia:

Mi Canto (2008)

Mabruk (2012)

Soutak (2014)

Entrevista al multi-instrumentista Amir John Haddad

Amir John Haddad
Amir John Haddad
Amir John Haddad, un multi-instrumentista afincado en Madrid, lleva a cabo proyectos que destacan en la amplia escena musical de la capital española. Provisto de las enseñanzas de los mejores maestros del flamenco y de las experiencias adquiridas en sus giras con las bandas de la música folk y fusión españolas como Radio Tarifa o Chambao, sigue desarrollando sus ideas y talentos en solitario y con los grupos de perfiles nada convencionales: Zoobazar y Members of Parliament.

Además de ser un maestro de los instrumentos de cuerda, Haddad ha procurado dar un homenaje a los guitarreros españoles en su nuevo disco en solitario, “9 guitarras”, en donde interpreta cada composición con una guitarra diferente.

Nacido en Alemania, de origen palestino-colombiano, has vivido ya 16 años en España. ¿Te sientes alemán, colombiano, palestino, español?

Amir John Haddad con uno de sus uds (laúd árabe)
Amir John Haddad con uno de sus uds (laúd árabe)
Es una pregunta interesante, porque siempre he vivido con las influencias de estas tres culturas: Colombia, Oriente Medio y Alemania. Lo que me ha marcado mucho evidentemente es Alemania, porque ahí nací y terminé la escuela. Pero mis padres siempre me han enseñado su cultura, sobre todo la comida y la música que era lo más importante para nosotros. Mi padre toca el laúd árabe y yo de pequeño aprendí a tocar este instrumento y me asimilé a la cultura musical del Medio Oriente. Luego, cuando en Alemania ya no veía el camino con la música, decidí venir a España para mejorar en el flamenco, que también empecé a tocar de pequeño. Cuando llegué aquí, al cabo del tiempo entendí, aparte del flamenco, ¿porque me gusta España? Porque reúne las dos culturas: Sudamérica y Oriente, por toda la historia que ha tenido. Y creo que por esto me ajusto aquí.

Y llevas aquí ya 16 años. ¿Crees que es un país mejor que Alemania para un músico? ¿Hay más diversidad musical?

Con el tiempo, por lo menos aquí en Madrid, he tenido la suerte de encontrar a muchos músicos con una visión o gustos musicales parecidos a los míos. Al ser una ciudad cosmopolita te da conocer varias culturas. Aunque no vine a España por eso, sino estrictamente por la guitarra flamenca. Empecé a tocarla a los 7 años en casa y a los 22 decidí ir a Jerez de la Frontera, a Andalucía para aprender y mejorar con maestros de aquí. Estudié con Pepe Justicia, Enrique de Melchor, los grandes artistas de la guitarra flamenca. Luego el encuentro con otras músicas aquí en España ya fue en Madrid.

Obviamente la mezcla de tus raíces se refleja en tu arte. ¿Si te hubieras criado en otras circunstancias tu música sería muy diferente?

Zoobazar, el grupo de músicas del mundo de Amir John Haddad
Zoobazar, el grupo de músicas del mundo de Amir John Haddad
Creo que sí. Me imagino, por ejemplo, que si mis padres en vez de irse a Alemania se hubieran ido a Uganda entonces hubiera aprendido la música de Uganda y la de mis padres, hubiera hecho otra mezcla, una fusión afro-sudamericana-árabe u oriental.

Para mí lo bueno de haber crecido en Alemania es que he podido disfrutar de muchos estilos, sobre todo de la música anglosajona: el jazz, pop, rock, funk, rock, metal, heavy metal, hip-hop, la música electrónica… Todo lo que aprendí tocando la guitarra eléctrica desde muy joven. Estas experiencias mezcladas con la parte flamenca, la parte árabe, el folclore mediterráneo que me asimilé trabajando con grupos del folk español como Radio Tarifa, Eliseo Parra; todas estas experiencias musicales me ayudaban a seguir un camino que todavía está por explorar. Como siempre he tocado por separado, ahora estoy empezando a unir estos lenguajes y poco a poco formar una identidad más coherente.

Pero todo sigue siendo un juego, no me digo: voy a coger esto y esto, y mezclar con lo otro. Esto va con sensaciones: aparece y lo haces.
 
Tus proyectos abarcan los estilos tan diferentes como el flamenco de tu sexteto “El Amir”, el rock duro de Members of Parliament o la fusión mediterránea de Zoobazar. ¿Puedes decir que a algunas de estas formaciones te sientes más unido que a otras?

Creo que tiene que ser algo parecido a tener hijos: te gustan todos, pero con algunos te entiendes mejor o unos ves más veces y otros menos. En mi caso algunos estilos o proyectos los hago más a menudo, porque nos hemos podido organizar mejor y están funcionando bien, mientras que otros proyectos todavía no los he apoyado tanto: por el tiempo o por no ver el momento de sacar el disco. Por ejemplo el proyecto del rock está más parado, aunque siempre está pendiente y puede aparecer en cada momento. Lo que he hecho más es el flamenco, la fusión, las músicas mediterráneas. Siempre me he movido en esto, en músicas de raíz y de tradición – que el rock también lo es, simplemente que es anglosajón y no tiene 8 mil años sino menos.

Tocas instrumentos muy diversos: desde la guitarra flamenca y guitarra eléctrica hasta los más exóticos como el laúd árabe, saz turco, buzuki griego. ¿Te expresas mejor con unos que con otros, sobre todo comparando la guitarra eléctrica y acústica?

Amir John Haddad con algunos de sus instrumentos de cuerda
Amir John Haddad con algunos de sus instrumentos de cuerda
Entre el mundo eléctrico y acústico hay un cambio de sentimiento muy grande. Primero con el volumen: el sonido de guitarra eléctrica con distorsión evoca otras cosas. Algunos dicen que es más agresivo, yo digo que es más intenso.

Yo empecé tocando el laúd árabe acústico y la guitarra flamenca. A los 12 por primera vez escuché unas cintas de Metallica: “Ride the Lightning”, y “Kill ‘Em All”, unos discos de Metallica de los años 80. Escuché estas guitarras y no entendía: ¿cómo sacan este sonido? ¡Porque no sabía que existían guitarras eléctricas! Así fue que me enteré y empecé también con las eléctricas.

Luego en Madrid trabajé con Joaquín Ruiz, un gran bailador y maestro del flamenco. Él tenía su grupo que fusionaba el flamenco con los sonidos mediterráneos y ahí toqué el laúd y buzuki. En uno de los conciertos me vieron los músicos de Radio Tarifa, un grupo muy importante de música étnica en España, y me invitaron que me juntara a su grupo. Entonces empecé a tocar buzuki, banjo y me compré todos los instrumentos. Como desde pequeño con el laúd he tenido la técnica de púa y con la guitarra la técnica de dedos, ha sido muy fácil para mí cambiar de una técnica o de un instrumento a otro. Aparte, cada instrumento es como un viaje por otras zonas del mundo… 
 
En tu último disco “9 Guitarras” cada tema lo interpretas con una guitarra diferente. ¿Nos cuentas cómo surgió la idea tan especial para grabar un disco? ¿Cuál fue el proceso de elegir un instrumento adecuado para cada canción?

Amir John Haddad “El Amir” - 9 Guitarras
Amir John Haddad “El Amir” – 9 Guitarras
Fue un proceso bastante rápido. Cuando ya tenía ya la música compuesta, me fui a Alemania a un estudio de amigos donde también he grabado mi primer disco, “Pasando por Tabernas”. Un amigo que ha sido el productor ejecutivo del disco, Johannes Inhoffen, lleva 20-25 años vendiendo guitaras flamencas. Él me propuso: si te apetece te doy de las buenas que tengo antes de venderlas, grabamos las canciones y hacemos un homenaje a los guitarreros. Me encantó la idea.

Entonces escoger las guitaras fue en el estudio. Teníamos como 30 guitarras y había que estar decidiendo rápido porque en un estudio no tienes todo el tiempo del mundo. Estábamos ahí dos semanas viendo y comparando sonidos, grabando cada vez y comentando: ésta es mejor, ésta suena más bonito, pero ésta es más dulce, ésta más fuerte…

Me gusta buscar el alma de cada instrumento y sintiendo el sonido y lo que me llenaba decidía: esta guitarra va con este tema. Y creo que hemos acertado, yo estoy muy a gusto con como suenan estas guitarras. Algunas ya no están sino se han vendido. Porque me han preguntado ¿cuándo vas a hacer un concierto con todas? Pues digo: no son mías, algunas ya se han vendido.

Grabar este disco fue un reto bonito, un viaje a través del sonido de cada guitarra. También hemos buscado dar homenaje a cada guitarrero: es a la vez homenaje a la guitarra flamenca y a los constructores de la guitarra flamenca. Creo que nadie lo ha hecho hasta ahora, por lo menos en el flamenco nadie se ha atrevido a hacer un trabajo así.

¿Qué encanto tienen los instrumentos de cuerda para dedicarlos toda la vida?

Es el interactuar con madera. La simbiosis de mano izquierda y mano derecha pisando en diferentes sitios y las cosas que puedes sentir según como lo haces. Me fascina.

Como siempre repito, los guitarreros son los que hacen sonar mis dedos. Sin la madera y la cuerda yo no sería nadie a nivel musical. Es un intercambio: la gente a la que le gusta la madera por cierto concepto: por construirlo y hacer un sonido bonito y a mí por utilizarlo y crear sonidos.

Por supuesto, cuando aprendes a tocar, te domina el instrumento. Pero con el tiempo cambia: tú eres el quien domina, tienes un medio para comunicar, haces lo que te apetece. Yo siempre he tocado de manera intuitiva, muy con el oído. Cuando me dejan hacer un solo en un grupo, toco lo que quiero, o sea, sé que estoy dentro de unas notas y un concepto, pero me voy a sitios que a lo mejor no son de este estilo de música… Pero así nace la fusión musical.

Me gusta mucho variar, no aburrirme de un estilo o un instrumento. Lo que hago con uno se refleja en otro y al final todo esto se combina en un lenguaje musical que para mí es muy personal y auténtico.

¿En qué estás trabajando ahora?

Ahora estamos trabajando en el segundo disco de mi grupo Zoobazar. Hemos grabado ya todas las canciones y ahora estamos haciendo recordings, que significa grabar arreglos e instrumentos encima para dejarlo más lindo, y las colaboraciones con otros músicos. La colaboración que ya hemos terminado es con Jorge Pardo. Ha grabado un solo de la flauta para un tema que tengo en mi disco de guitarra: Al-Mawsisli, un abandolao que vamos a incluir, en una versión un poco diferente, en el disco de Zoobazar. También ha grabado una cantante de Mumbai, Hamsika Iyer, que es muy conocida últimamente por temas como Chammak Challo o Chennai Express y le otorgaron el premio a la mejor cantante de la India. Aparte de ser amiga es una gran artista y ha sido un placer enorme que ponga su voz en un tema. Para esta ocasión he compuesto una canción que está basada en una raga, una tonalidad hindú, y ha quedado muy bien. Estamos pendientes de otros nombres, pero tenemos que confirmarlos y hasta que no lo terminemos sería extraño decirlos. Pero hay sorpresas muy buenas: todavía quedan dos colaboraciones muy importantes con cantantes españoles y una con otro cantante de la India. Espero que con el tiempo y con las fechas podamos realizarlo.

¿Cuándo pensáis sacar el disco?

El disco está previsto para abril. La fecha exacta todavía no sabemos, pero a partir de mediados de abril deberíamos sacarlo para poder hacer una promo y presentarlo el año que viene. Por supuesto también fuera de España, lo que sería interesante tanto para nosotros como para el público de otros países: conocer algo nuevo y diferente. Mi sueño es igualmente poder llevar mis propios proyectos a varias partes del mundo, porque la música que hago es muy emocional y la entienden en todos los sitios. En fin, la música es universal, hay que compartirla.

¿Cómo compones tus temas? ¿Es un proceso duro o un fruto de inspiración?

Soy muy anárquico, no tengo disciplina en este sentido. Lo que hago es toco mucho, no estudio 8 horas al día las escalas y arpegios. Ya llegó el momento donde en el caso de haber una dificultad técnica estudias concretamente esto, pero lo fundamental es tocar. Cuando tocas van apareciendo ideas y si eres sensible captas una idea, una inspiración, que luego tienes que elaborar. Digo que soy anárquico a la hora de componer, porque voy fluyendo, pero una vez que tengo conceptos que me gustan, ahí empieza un trabajo de disciplina: de repetir, cambiar una nota, un acorde o un ritmo, y en esto tardas más. Componer es un proceso duro porque, toques o no, sigues pensando en la música: en formas, estructuras. Me imagino que es como cualquier persona que componga…

Yo trabajo mucho con la intuición y quiero que lo que toque me guste a mí mismo, que valga la pena, que no sea componer por componer. No me gustaría hacer una cosa comercial, sólo un producto. Para mí la música es un lenguaje mucho más amplio y casi sanador, en el sentido de que hace el bien a la gente. En un concierto cada uno viene de su trabajo, de sus problemas y está pendiente de algo diferente. Cuando sale contento, lo considero mi éxito. Esta simbiosis me encanta y cuando compongo quiero dar a mi música un sentido universal para que no solo los flamencos entiendan mi música flamenca, sino mucha más gente.


A la hora de componer ¿qué te inspira?

Es muy difícil. A veces son cosas sutiles, unos sentimientos pequeños; otras veces situaciones concretas: con personas, en ciudades, de viaje; otras veces son paisajes; la música de otra persona o una frase de alguien que te ha influenciado de una manera y no puedes olvidarla. Creo que siendo artista hay que tener la sensibilidad para traducir una cosa en otra, esto es la fuente de inspiración. Empaparte de lo que te rodea: todo puede ser válido, porque todo nos afecta. Hay que ser sensible e intentar ser honesto contigo.

¿Te imaginas la vida sin música?

Me costaría mucho. Me la puedo imaginar sin tocar unos meses. He hecho viajes con mochila sin llevar mis instrumentos: estaba un mes sin tocar y no me ha hecho falta. Al contrario, cuando he vuelto a casa he tenido más ganas y nuevas inspiraciones, porque la cabeza sigue trabajando.

Pero sería muy difícil para mí dejar la música. Realmente ha sido lo primero que he escuchado en el vientre de mi madre: a ella cantando folclore sudamericano y a mi padre tocando el laúd. Ya con tres años cogía una raqueta de tenis y decía a mi mami: Mami, blim blim!

He intentado imaginarme que me gustaría hacer si no fuera música y todavía no lo he encontrado. No sé si es trabajar cuidando un bosque o que siga siendo algo artístico… Me atrae mucho la idea de actuar, incluso cuando era más joven he hecho 5 años de teatro en Alemania. En el escenario tampoco soy de los artistas que se esconden detrás del instrumento, sino miro al público, me comunico con él. Durante los conciertos tienes que estar presente, es una parte de actuar de un músico.

¿Es la música una de las cosas más importantes en la vida?

Creo que es una parte muy importante que embellece la vida. En mi caso es una gran importancia, porque aparte de que me encante, que la viva, es una vía de expresión. Las cosas que no encuentro con palabras o de comunicar con personas del tú a tú las puedo comunicar con ella.

Aparte de eso me da de comer, también es un oficio. Por todo esto es esencial para mí.

En general creo que también debería jugar un papel muy importante en la vida de todos y desde pequeños. No tienes que convertirte en un músico muy bueno, muy virtuoso e importante. Es tener la música como acompañante, como un buen amigo y cada uno elige su mejor amigo y su música.

Discografía:

Pasando Por Tabernas (2006)
Uno, con Zoobazar (Santa Fe / Ojo! Records, 2011)
9 Guitarras (2013)

Entrevista con Gary Núñez, director de Plena Libre

Gary Núñez
Gary Núñez – Foto realizada por FJM Photo
Plena Libre es uno de los grupos más interesantes del panorama puertorriqueño. Es un gran difusor y renovador de las músicas de raíz puertorriqueñas, especialmente la plena. Plena Libre acaba de publicar un disco nuevo titulado Corazón.

La plena es un estilo musical folclórico puertorriqueño, con raíces en la música africana, española y caribeña. La plena surgió en los barrios de Puerto Rico a principios del siglo XX.

El compositor, contrabajista y director del grupo Gary Núñez ha concedido una entrevista a nuestra web hermana en inglés, World Music Central, en la que nos cuenta más sobre el disco nuevo y la etapa actual de plena libre.

¿Cómo definirías Corazón?

El “Corazón” es nuestro verdadero guía. Puede ser el equivalente a la emoción o a la intuición, por eso la frase lema de la grabación “lo que el corazón siente hoy, mañana lo entenderá la razón”. Es un símbolo de la fuente del amor de la voluntad positiva, del compromiso de lograr nuestras metas. Esta grabación se logró gracias al compromiso de muchos con Plena Libre y nuestra música puertorriqueña, a puro “Corazón”.
Musical y temáticamente hablando “Corazón ” es una de las grabaciones más completa de Plena Libre y su fundamento es la manifestación del amor ya sea a través de la pareja, la patria, etc.

En las canciones Huracán y La Verdad hay referencias a murmullos y críticas. ¿Puedes explicar de qué se trata?

Plena Libre - Foto realizada por FJM Photo
Plena Libre – Foto realizada por FJM Photo
Me parece te refieres a Huracán y Tira la bola. Estas son un rechazo al egoísmo y al individualismo que permite justificar el triunfo propio a través de la derrota de otro. En realidad perdemos todos. Ese es el concepto detrás de esos temas, y es algo que todos y en particular los puertorriqueños tenemos que aprender. Es un tema que no habíamos tratado antes y la preocupación surge de la necesidad de más solidaridad entre nosotros mismos como regla básica para la superación colectiva, y una respuesta clara a los “criticones”, que poco, o nada aportan, pero hablan y hablan y no producen. Y son incapaces de reconocer la aportación de otros.

“La Verdad” (al igual que “Que Bonita Bandera”) es una exhortación al orgullo patrio indispensable para nosotros los puertorriqueños, que necesitamos conocer nuestros grandes logros como nación, y buscar las soluciones a nuestros problemas en la profunda creatividad y esfuerzo “puertorriqueño”, como personas y como pueblo.

Mis amigos puertorriqueños normalmente asocian la plena con la Navidad, pero la música de Plena Libre no es navideña. Me imagino que la intención de Plena Libre es que se escuche plena todo el año. ¿Es cierto?

Plena Libre en directo - Foto realizada por FJM Photo
Plena Libre en directo – Foto realizada por FJM Photo
Esa idea es una que opera solo para aislar, detener y menospreciar nuestra música autóctona. A nadie se le ocurriría decir que el merengue dominicano, o la ranchera mejicana, o el jazz estadounidense son solo para escucharse en navidades, es una ridiculez! Es un mito creado para sacar nuestra música de su espacio natural y sustituirla por la música que le interesa a las compañías discográficas y dueños de emisoras. La realidad es que nuestra música se toca, y disfruta, todo el año en Puerto Rico (como es natural), y su potencial internacional es increíble!

Además de plena, veo que también hay bomba y salsa. ¿Cuáles son las influencias principales del grupo?

Plena Libre es un grupo de Plena y Bomba, comprometido con el desarrollo y difusión de estos géneros. En ese proceso, porque creemos en el desarrollo, incluimos influencias de otros géneros musicales del mundo, pero siempre desde la perspectiva del crecimiento musical y de difusión de los géneros nuestros.

¿Qué cambios ha habido en Plena Libre estilísticamente desde el último disco?

Corazón, el disco nuevo de Plena Libre
Corazón, el disco nuevo de Plena Libre
Lo más obvio es la incorporación de otros instrumentos como el vibráfono, cuerdas, etc. Pero el cambio fundamental esta en los arreglos musicales, y la variedad estilística de los mismos, cada tema es un mundo diferente que se unen por las temáticas. Si lo escucha de una pasada notarás eso, es sumamente variado, lo que la hace una grabación bien completa y una manifestación de que musicalmente Plena Libre es un grupo con múltiples facetas y posibilidades, eso creo nos hace diferentes y capaces de seguir en un proceso de superación constante.

¿Qué músicos forman parte ahora del grupo?

Básicamente los mismos de la grabación. Es una de las cosas “bravas” de Plena Libre”. Yo grabo con mis músicos, eso nos da la ventaja de más unidad, garantía de calidad, un proceso de crecimiento unidos, y una certeza de que lo que escuchas en la grabación, es lo que oirás en “vivo”, o mejor porque esta la adrenalina envuelta en el asunto (de tocar en vivo!).

¿Cómo está ahora el panorama puertorriqueño en cuanto a las músicas de raíz?

Desde el surgimiento de Plena Libre, la “cosa” ha mejorado un monto. Yo creo que es porque nosotros probamos que se puede ser “exitoso” tocando nuestra música puertorriqueña”, y otros han seguido el camino trazado. Sin embargo queda mucho por hacer para colocar nuestra música al lado de otros géneros musicales de otros países en términos de impacto en Puerto Rico y en el exterior.

¿Está haciendo algo Plena Libre para educar a las nuevas generaciones y fomentar la plena entre los jóvenes puertorriqueños?

Yo creo que sí, y el ejemplo es nuestra mejor arma. En adición debo decir que los miembros de Plena Libre son en su mayoría jóvenes en sus veintes, sangre nueva producto de una nueva generación musical puertorriqueña de calidad suprema, mundial, y con gran interés en nuestra música. Esto último es un cambio sustancial.

Si alguien fuera a Puerto Rico, ¿qué sitios deberían visitar?

El Viejo San Juan es “obliga’o”, hay pocas ciudades en el mundo como esta, por ser una ciudad de profundidad histórica y un vibrante vida musical, intelectual y de vida social. Luego de eso yo recomendaría el área del Yunque (naturaleza extraordinaria, pueblos del centro como Jayuya y por supuesto nuestras playas particularmente la del sur como en Cabo Rojo.

Y por supuesto un viajecito a Vieques o Culebra!!!

Para los músicos que van a Puerto Rico, ¿dónde se pueden comprar instrumentos musicales como panderos, panderetas, tambores de bomba, etc.?

Hay excelentes artesanos a través de todo Puerto Rico que fabrican estos instrumentos, de hecho uno de nuestros cantantes Víctor Vélez es uno de ellos. Lo que no debe nadie hacer es comprar los “facsímiles” chinos que ya llegaron!!!

¿Hay algún festival o sala de conciertos para ver buena música puertorriqueña que puedas recomendar?

Lo mejor es buscar uno de los múltiples eventos que se dan todo el año a través de Puerto Rico

¿Cuáles son los planes del grupo para promocionar el disco nuevo?

Estamos bien orgulloso de la recepción de esta grabación, en pocos días se colocó en la lista de ventas de Billboard con el lanzamiento en Puerto Rico De ahí partimos con las presentaciones en Puerto Rico que será seguido con el lanzamiento en Estados Unidos, Europa y América Latina, respaldado por presentaciones del grupo. Tenemos mucha fe en “Corazón” y sabemos que abrirá nuevos “corazones” a Plena Libre.

Compra Corazón

Wilber Calver Rodríguez, el gaitero de ébano

Wilber Calver Rodríguez
Wilber Calver Rodríguez, más conocido como el gaitero de ébano, nació en Holguín (Cuba) hace 37 años. En 1997 se alistó como percusionista en el grupo de música tradicional del Centro Gallego de La Habana, con quien actuó en numerosos festivales.

En 1998, el profesor Eduardo Lorenzo le impartió unas inolvidables lecciones de gaita que derivaron en su curiosidad y embrujo ante las tuberías tomando la decisión de dedicarse a este instrumento, Su trabajo, entrega, esfuerzo y rendimiento se refleja en el documental de la Unión Europea “Los últimos gaiteros de La Habana”, en la obtención del “Premio Iberoamericano” Rey de España “(2004) o en la participación en la película” Havana Blues “(2005 ) dirigida por Benito Zambrano.

Actualmente, el gaitero de ébano vive en Einsiedeln, un paisajístico pueblo de los Alpes Suizos donde ha elaborado el proceso de grabación de este primer álbum en su carrera musical, Diáspora. Un álbum compuestos por una excitante fusión de melodías celtas con raìces afrocubanas arreglado y producido por Alex Wilson que augura ser un gran éxito.

Entrevista:

1 – ¿Quién es en realidad Will Calver? ¿Y el gaitero de ébano?

Wilber Calver y el gaitero de ébano son una misma persona, no se puede separar uno del otro. La única diferencia es que cuando Wilber toca la gaita o cualquier instrumento, en ese momento está viviendo y expresando su mundo interior…

2 – ¿Cómo se definiría Will Calver, el gaitero de ébano en el campo musical… como gaitero, flautista o simplemente como amante de la música?

Wilber Calver Rodríguez
Independientemente que toco la gaita y hago un poco de música no me considero gaitero ni músico, me considero un amante de la música por las siguientes razones:

* Un gaitero desde mi punto de vista, es aquel que posee la técnica y el control que le permiten explotar al máximo el instrumento para obtener un fantástico resultado musical, embelleciendo de esta manera las melodías ejecutadas con la gaita
* Un verdadero músico en quién tiene los conocimientos necesarios para tomar del aire el sonido de las notas y plasmarlo en un pentágrama utilizando el idioma de la música, armonía, afinación, escalas entre otros elementos.
* Soy amante de la música porque pongo el corazón, cuerpo y alma en las cosas que hago, los ritmos y melodías primeramente suenan dentro de mi cuerpo, luego van a la cabeza y desde allí se transmiten a mis manos. Mi técnica con la gaita es bastante sencilla y mis conocimientos musicales muy escasos ya que nunca he estudiado en una escuela de música o de gaitas. Se puede ser campeón de gaitas del mundo, tener la mejor técnica, tocar un tema de memoria con virtuosismo y sin embargo, la música puede carecer de alma puesto que no le han puesto corazón. De esta misma manera puedes suceder con en músico graduado del mejor conservatorio pero… El amante de la música, su única técnica y escuela es su corazón, cuerpo y alma …

3 – ¿Te consideras un trotamundos?

Si tomamos como punto de referencia que me gusta viajar, conocer otras culturas e interactuar con personas de todas partes del mundo sin importarme su status social y filosofía de vida, entonces soy un trota mundo. Estoy totalmente de acuerdo y pongo en práctica la teoría que plantea que… “El movimiento es la base del desarrollo”

4 – ¿Cómo conociste y entraste en contacto con la gaita?

La primera vez que vi la gaita recuerdo que fue en unas viejas películas cuando era niño y su nombre lo aprendí más tarde leyendo una revista infantil que llegaba a Cuba desde la antigua URSS. A finales de 1995 conocí en la habana a la primera persona que tocaba gaita y a partir de ese momento comenzó mi vínculo con las sociedades gallegas y la música tradicional.

5 – ¿Qué significa para un cubano como tù tocar un instrumento de estas características?

La gaita para mi es más que un instrumento, recuerdo que cuando vivía en Cuba, me gustaba tocar junto al mar con sus olas enfurecidas los días grises de invierno. En esos momentos era como poder volar sobre aquel mar enfurecido y conectarme con mi yo interno, entre el sonido pedal del roncón y el fuerte batir de las olas, era como estar sumergido en una meditación y podía pasar horas tocando en el mismo lugar. Con la gaita aprendí y logré evadirme de todos mis problemas y preocupaciones y temores.

Por otra parte fue bastante difícil integrar la gaita y presentarla al público cubano de una manera más cercana a nuestra cultura. Recuerdo la risa que causaba a las personas cuando tocaba por las calles, me veían como un loco y hasta llegaron a llamarme ” El gaitero de la habana”. En aquellos momentos era un verdadero “Nadar contra la corriente”, nadie creía en mí hasta que comenzaron a escuchar mis primeros trabajos de gaita y ritmos Afrocubanos.

6 – ¿Cuál es la fuente de inspiración a la hora de componer?

A la hora de componer o hacer un arreglo cualquier cosa puede inspirarme, desde ver a dos personas bailando hasta escuchar una simple sonrisa, mis amigos siempre dicen que tengo mucha imanación y en verdad me gusta dejar en libertad mi espíritu infantil que llevo dentro, disfruto mucho manteniendo viva esta parte infantil que me ayuda a reflexionar o a combinar sonidos en espacios de tiempo.

7 – ¿Según tu experiencia qué características hace falta para ser un buen gaitero?

A mi modo de ver las cosas creo que para ser un buen gaitero como para lograr una meta o alcanzar un sueño en la vida, es importante saber respetar y tener humildad tratando a todos por igual, no importa si tiene mayor o menor conocimientos o experiencias. Otro punto a tener en cuenta es ser constante, como lo dijo Beethoven … “El genio se compone del dos por ciento de talento y del noventa y ocho por ciento de perseverante aplicación”.

8 – ¿Persigues un sueño? ¿Cuál?

El sueño que persigo es aprender música para poder expresar de mejor manera todas las ideas que llevo dentro.

9 – Acabas de grabar tu primer disco, Diáspora. ¿Me podrías contar cómo se ha desarrollado este proyecto y qué supone en tu carrera?

Diáspora ha tenido un largo proceso ya que no es un nuevo proyecto cómo muchos piensan, es un proyecto comenzó hace más de 13 años pero que no fue posible realizarlo hasta ahora por diversas causa.

En 1995, cuando conocí al primer gaitero en La Habana, mi primera pregunta fue “¿Cómo sonará la gaita con el bongo y los tambores batá?” A partir de ese momento siempre tenía la inquietud por escuchar los dos instrumentos tocando juntos. Para todos era un loco y para otros sencillamente lo que pensaba y decía carecía de toda importancia porque yo no estudié música, recuerdo que mi primera fusión fue la “Danza de San Roque ” con el ritmo de guaguancó, de esta manera quería demostrar que era posible hacer esta fusión y juntar algunos músicos.

La segunda y fundamental causa que frenó el desarrollo de este proyecto fue que en Cuba, si no eres un músico graduado en una escuela de música no se te aceptaba en ninguna de las empresas artísticas que agrupa a las diversa bandas y artistas solistas y… Si no pertenecías a alguna de dichas empresas no podía presentarme en escenarios oficiales como cabaret, discotecas, hoteles y teatros. Recuerdo que en dos ocasiones me ofrecieron contratos para tocar cinco meses en Turquía y dos en Bahamas, pero por las razones antes explicadas no fue posible, es algo mucho más complicado de lo que se imaginan muchos…

Afortunadamente en el año 2009, después de pasar por España sin obtener éxito al intentar hacer una banda y grabar un CD llegué a Suiza, donde nuevamente comencé a buscar músicos y esta vez, he encontrado músicos y amigos entre ellos al pianista, arreglista, compositor y productor inglés Alex Wilson, que comenzamos a trabajar juntos en la producción de Diáspora en mayo del 2010.

Trabajé fuertemente en la construcción para conseguir dinero para las grabaciones y luego logré el apoyo de “SüdKulturFonds” asociación cultural suiza que ayuda al desarrollo de proyectos culturales y el apoyo y la ayuda de SchyzKultur. Gracias a todos estos años y esfuerzos logré desarrollarme más y Diáspora es una realidad.

10 – ¿A qué tipo de público te gustaría llegar?

No tengo un público específico, hago música para todas las personas que quieran escucharla y deseen disfrutarla, no tengo distinción de edades, sexo, razas ni nacionalidades…

11 – Actualmente estás residiendo en Suiza, ¿ha sido difícil abrirse camino en el mundo musical del país helvético?

Wilber Calver Rodríguez
En Suiza ha sido y es difícil abrirse camino en el mundo musical, para comenzar ya tengo la primera y gran barrera que es aprender el idioma alemán, esto es fundamental para la comunicación y hacer nuevos contactos. Por otra parte es comenzar desde cero, conocer y juntar los músicos adecuado para lograr hacer realidad el proyecto deseado y con la calidad requerida.

Ahora el reto ha sido doble, he tenido que presentar y convencer no solo al gran público latino que existe en Suiza, sino también a los propios suizos que no tienen la gaita incluida en sus raíces culturales.

12 – ¿Qué me podrías contar sobre tus futuros proyectos musicales, giras, conciertos…?

En estos momentos me encuentro trabajando en la coordinación y programación de conciertos y festivales del próximo año, de momento ya tengo algunas fechas previstas, dentro y fuera de Suiza, algunas ya están confirmadas.

13 – ¿Tienes algún referente musical en tu vida? ¿Te gustaría recibir o realizar alguna colaboración especial de algún artista del momento?

Al principio buscaba y tenía como punto de referencia a gaiteros y bandas de Galicia y Asturias fundamentalmente, escuchaba a gaiteros cómo Carlos Núñez y algunas bandas, Milladoiro, Llan de Cubel entre otras. En aquel tiempo no era muy fácil de adquirir este tipo música.

El gaitero que realmente me inspiró y me cambió el horizonte de la gaita con su música, desgraciadamente ya no existe, en el año 2005 murió pero aún escucho su música, se llamaba Martyn Bennet. Hay un tema que si mal no recuerdo ahora se llama “Spree” de su álbum Hardland. Siempre que estoy bajo de humor lo escucho para animarme y continuar adelante.

Al llegar a Europa en el año 2006, unas de las primeras cosas que hice fue comenzar a buscar información sobre él, su historia me conmovió mucho, ver lo joven que era y su energía en concierto…era increíble! Hoy continúo escuchando la música que nos dejó y me anima a continuar explorando otros terrenos musicales.

Cuando María do Ceo cierra los ojos, comienza el Fado

María do Ceo
El pasado mes de noviembre la UNESCO declaró el Fado patrimonio inmaterial de la humanidad al considerarlo una manifestación de identidad cultural lusa que permite la interacción creativa con otras tradiciones musicales vivas.Es el estilo musical que mejor enmarca el fatalismo.

Coincidiendo con día de la mujer trabajadora, la internacional fadista María do Ceo presentó su décimo trabajo “Fado con outro acento” en el NH hotel de Santiago de compostela, arropada por el consejero de Cultura, Educación y Ordenación Universitaria de la Comunidad Autónoma de Galicia, D. Jesús Vázquez Abad. Durante la gala de presentación la fadista aprovechó la ocasión para deleitar a los asistentes con la interpretación de algunos temas de este nuevo disco donde, una vez más, emoción, sentimiento y sensualidad se fusionaron creando una perfecta armonía.

Entrevista concedida a Alejandra Plaza:

¿Cómo se define María do Ceo musicalmente?

Como una arista que canta con el alma, Cuerpo de mujer con alma de fado.Soy muy transparente cuando canto, lloro, río. Tanto canto un tema popular y hago partícipe a mi público como… tres minutos más tarde interpreto el fado más tradicional y más triste posible y mis ojos expresan la amargura, la nostalgia, la tristeza en forma de lágrimas corriendo por mi cara, hasta acabar en mis labios, o,incluso, en el suelo.

¿Cuáles son los ingredientes básicos para convertirse en una buena fadista?

Cantar con el alma, ser muy sincera con el público, porque el público lo percibe todo; cantar con naturalidad porque la voz del fado es como la voz del flamenco, aunque sale por la boca, donde se forma es en un rincon del corazón.

¿A qué público llega con más facilidad el fado?

A todo clase de publico, desde niños hasta abuelos, el fado es una musica para escuchar si se quiere en familia, de hecho yo en mis conciertos veo gente desde los 3, 4 años con sus padres sentaditos escuchando en silencio este genero de música, hasta señoras y señores mayores, recordando a través de estas canciones su paso por la vida.

¿Qué aceptación recibe la música portuguesa en España? ¿y en el exterior?

Muy buena y cada día más, el fado es un estilo de música como el bolero, el tango, etc cuanto más tiempo pasa más gusta.

¿Cómo ha sido tu último trabajo?

María do Ceo
Más bien como es, es un disco de fado tradicional con 13 canciones, incluída María la Portuguesa. Está totalmente cantado en lengua portuguesa y en él quiero reivindicar el fado miñoto, ese fado que nace en el norte de Portugal, Viana, Braga, Porto Tui y que tiene un acento diferente, precisamente, por la proximidad a Galicia y a la lengua gallega, que aporta al portugués esa dulzura; dulzura que sólo la lengua de Rosalía sabe transmitir.

¿Cuáles son los próximos retos o metas de María do Ceo?

Principalmente, llevar este disco de FADO COM OUTRO ACENTO, por España y Portugal, y seguramente antes de finales del 2012 una gira por Alemania, Francia e Inglaterra.

¿Se ve María do Ceo realizando otro tipo de música?

Claro que sí, de hecho mi próximo proyecto va a ser un doble cd de Baladas y Boleros.

¿Cómo define María do Ceo el fado?

El fado es un estilo muy difícil de cantar, precisamente porque no se canta con técnica sino que se canta con alma. La técnica queda en el camerino. poder transmitir, para emocionar a todo un auditorio durante 75 minutos sólo con una voz y tres instrumentos o con dos en otras ocasiones, tienes que hacer llegar a ese público todo lo que tú estás sintiendo. El fado es pasión, es celos, es fuego, es ternura, es lamento,definitivamente, es la vida.

¿Cómo te sientes en los momentos previos al escenario?

Con la lógica preocupación de tener ante mi a 300, 500, 1000 personas que esperan lo mejor de mí y que no puedo fallar. Las primeras tres canciones son para darnos a conocer el público y yo, luego ya ese público está totalmente entregado lo que me permite entrar en un estado de ( creo que se llama ALFA), en donde yo cierro mis ojos y desaparezco espiritualmente, para regresar entre aplausos.

¿Qué opinión te merece que el fado haya sido declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO?

Tenía que ser,era algo que se pedía a gritos, Amalia Rodrigues hizo mucho para que ésto sucediera llevando el fado por el mundo entero y otras fadistas, hemos retomado el relevo, como yo que he cantado fado en, Argentina, Italia, Francia, Alemania, Egipto,España, Portugal, Mexico etc.

¿Quiénes te acompañan en cada concierto?

Normalmente dos músicos, una guitarra clásica, una guitarra portuguesa y un acordeón para la música popular.

La sensacional cantante persa Mamak Khadem nos habla de su participacion en el Rainforest World Music Festival

Mamak Khadem
Mamak Khadem, una de las grandes voces de la música persa de la música actuará el domingo 10 de julio de 2011 a las 19:00h en el Rainforest World Music Festival (festival de música del mundo de la selva tropical) en Sarawak (Malasia).

Vas a actuar en el Rainforest World Music Festival en Sarawak (Borneo, Malasia) en julio de 2011. ¿Qué material vas a presentar allí?

“El concierto incluirá temas de A Window To Color (una ventana para colorear), mi nuevo álbum, que saldrá muy pronto; así como canciones de Jostojoo, el disco anterior; y unas par de canciones de Axiom of Choice.”

¿Puedes decirnos que grupo llevarás al Rainforest World Music Festival?

“El conjunto es mi grupo habitual de fusión: Hamid Saeidi al santur, Jamshied Sharifi a los teclados, Ole Mathisen al clarinete y saxofón, y Ben Whittman a la percusión.”

El domingo pasado, tuviste un concierto especial en Los Ángeles que incluyó a Omar Faruk Tekbilek como invitado. ¿Piensas colaborar más con él en el futuro?

“Funcionó todo muy bien y tuvimos una conexión asombrosa. Tenemos ganas de volver a repetir la experiencia.’

Tu álbum Jostojoo salió en 2007. ¿Estás haciendo grabaciones nuevas?

“El nuevo álbum está a punto de salir. Se llama A Window To Color (una ventana para colorear) y se basa en la poesía de Sohrab Sepehri (1928-1980).”

Mamak Khadem compartió con nosotros unos fragmentos que aparecen en el libreto del disco nuevo:

Si vienes a verme, te ruego que pises lentamente, suavemente, no sea que la vajilla frágil de mi soledad pueda agrietarse.”

Así es cómo el pintor y poeta Sohrab Sepehri queria que se acercaran a él. Era un místico y experimentado trotamundos; nunca perdió el contacto con sus raíces persas. Su visión estaba inspirada en la simplicidad y la franqueza para ver al Creador en todas las cosas. Su dios estaba en la naturaleza, y las maravillas que emanaban de ella. Sus poemas, que reflejaban sus sensaciones y percepciones íntimas profundas, representan a veces en trazos autobiográficos las etapas de un “viaje de la semilla a la flor.” Su pincel en el lienzo y su pluma en el papel se movian para incorporar esta visión a la forma poética. Él era “el caminante,” el “amante que siempre estaba solo,” traduciendo sus experiencias de la vida a palabra y al color.

Mamak Khadem
Mamak Khadem nació en Irán y fue parte del Coro de niños de la Radio Nacional y la Televisión de Irán. Emigró a los Estados Unidos como adolescente en 1976. Después de la revolución iraní de 1979, aumentó su pasión e interés en cantar y aprender los estilos vocales persas tradicionales.

Se inspiró en las obras de los músicos principales de los años 80 la y fue viajó con frecuencia a Irán para estudiar con los cantantes y músicos más importantes. También estudió el canto indio clásico en la escuela de música Ali Akbar Khan en California y el canto europeo en Los Ángeles con cotro de mujeres Nevenka.

En 1992, Mamak fue una de las fundadoras de Axiom of Choice, uno de los grandes grupos de músicas del mundo. a música del mundo de la opción, y durante los diez años próximos creó tres álbumes con el grupo. Después de Axiom of Choice, Khadem emprendió una carrera en solitario y en 2007 editó un disco titulado Jostojoo (por siempre el buscar). Inspirado por sus recorridos en el Oriente Medio, Khadem adaptó la poesía persa a las melodías tradicionales cambiadas de varias regiones de Irán, de Beluchistán, Armenia, Turquía, Grecia y Kurdistán.

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