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Appleseed Recordings celebra su 21 aniversario con la caja de 3 CDs Roots and Branches

El sello estadounidense Appleseed Recordings está celebrando su 21 aniversario con una recopilación colosal de 57 canciones que ilustra algunos de los asuntos más importantes de nuestro tiempo: la violencia con las armas de fuego, la epidemia de opioides, el dinero oscuro en la política, la reforma de la justicia penal, la desinformación como arma política, la injusticia en la frontera sur de Estados Unidos y mucho más.

La caja de 3-CDs Roots and Branches (Raices y Ramas) presenta desde cantautores a músicos de blues y rock, incluyendo Bruce Springsteen, Tom Morello, Donovan, Joan Baez, Billy Bragg, Roger McGuinn, Judy Collins, Ani DiFranco, Tim Robbins, John Wesley Harding, Tom Russell, Bonnie Raitt, Jesse Winchester, Pete Seeger y Jackson Browne.

Desde su fundación en 1997, Appleseed ha prestado su voz a temas importantes: protestar contra el Apartheid en Sudáfrica y la Guerra de Irak, luchar por la paz en Irlanda del Norte y la igualdad de matrimonio en los Estados Unidos y mucho más. Como dice Tom Morello en el libreto del álbum, “la responsabilidad de un músico es simple, y es, a través de tu música, decir la verdad”.

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Chucho Valdés revisa su grabación fundamental Jazz Batá con una nueva versión

Jazz Batá 2, el primer álbum del compositor, pianista y director de orquesta Chucho Valdés para el sello Mack Avenue Records, marca un nuevo auge de creatividad para el artista cubano, incluso mientras retoma el concepto de grupo pequeño de su álbum cubano de 1972, Jazz Batá. Al álbum original, en el momento del lanzamiento, se le consideró experimental en ese momento. Era un trío sin batería con dos virtuosos que luego serían miembros fundadores de Irakere: Carlos del Puerto (bajo) y Oscar Valdés (tambor batá).

Grabado en dos días y medio en el estudio de John Lee en Nueva Jersey, Jazz Batá 2 es a la vez rítmico y lírico. “Apliqué a mis solos los diferentes ritmos del batá“, dice Chucho. “El piano es, por supuesto, un instrumento armónico, pero también es percusivo, y puedes tocar percusión con él“.

Valdés dejó de lado el formato de grupo pequeño impulsado por batá a raíz de la explosiva popularidad de Irakere en 1973, pero siempre ha querido volver a él. Ahora lo ha hecho con Jazz Batá 2, “con más recursos, en todos los sentidos“, dice, “con un panorama más amplio“.

Chucho Valdés – Jazz Batá 2

Los tres músicos de apoyo, Yaroldy Abreu Robles, Dreiser Durruthy Bombalé y Yelsy Heredia, son de la región de Guantánamo y tienen profundas raíces en la cultura musical cubana, además de estar formados en el conservatorio. Yelsy y Dreiser crecieron juntos, asistieron juntos a la escuela de música, se graduaron juntos y han estado tocando música lado a lado, literalmente, toda la vida. Yaroldy, quien toca una amplia variedad de tambores (congas, batá, bongó, percusión orquestal) ha trabajado con Valdés durante 20 años. “Él siempre sabe lo que voy a querer hacer“, dice Valdés.

Jazz Batá 2 también marca el centenario del difunto padre y maestro de Chucho Valdés, Ramón “Bebo” Valdés (n. 1918). Estos dos gigantes de la música cubana compartieron cumpleaños, el 9 de octubre, por lo que el número 100 de Bebo será el número 77 de Chucho. Entre los dos, han ejercido una influencia musical fundamental desde la década de 1940. La creación por parte de Bebo de la batanga comercialmente fracasada pero artísticamente exitosa, que combinó los tambores batá con una banda de jazz de última generación, fue una inspiración directa para el jazz de Irakere impulsado por el batá, así como para Jazz Batá y su continuación.

Tribalistas en concierto por primera vez en Madrid el 24 de octubre

El trío brasileño Tribalistas, formado por Marisa Monte, Arnaldo Antunes y Carlinhos Brown llegará a Madrid 15 años después de la grabación de su primer álbum, ‘Tribalistas’, para presentar su segundo disco bajo el mismo título: Tribalistas. El concierto tendrá kugar en la Sala La Riviera, Paseo Bajo de la Virgen del Puerto, s/n a las 21.00 h.

Antes de llegar a España, la gira europea de Tribalistas comenzará en Portugal y los llevará también por Alemania, Suiza, Inglaterra, Francia e Italia entre octubre y noviembre dentro de TRIBALISTAS TOUR 2018.

En los 15 años que separan el primer y el segundo álbum, Tribalistas incluyeron en sus actuaciones solistas canciones que fueron éxitos nacionales e internacionales, como Passe em Casa, Velha Infância y Já Sei Namorar. Estos y otros temas de ambos álbumes son la base del concierto, que está dirigido por los mismos Tribalistas y por Leonardo Netto. Así mismo, contará con canciones escritas por los miembros del trío que han sido grabadas por otros artistas y por ellos mismos por separado en otros proyectos.

La banda estará formada por Dadi Carvalho (bajo, guitarra eléctrica, mandolina y teclado), Pedro Baby (guitarras acústicas y eléctricas), Pretinho da Serrinha (cavaquinho) y Marcelo Costa (batería).

Batman Zavareze, que está a cargo de la dirección de arte de la gira, creó un conjunto que une música, arte y tecnología.

“Mi relación creativa y emocional con Marisa y Carlinhos es una de las fuentes de inspiración más fértiles que me nutren. Cada vez que nos reunimos para escribir, cantar, grabar o reír, se despierta una energía muy inspiradora, que ahora podremos celebrar en vivo con nuestra audiencia,” Arnaldo Antunes

Mi mayor expectativa es volver a encontrarme con los Tribalistas, que van más allá de Marisa, Arnaldo y yo, y de hecho son esta legión de personas las que han entregado el alma y prestado oídos a nuestro repertorio durante los últimos 15 años. Nuestro objetivo es servir a través de la música, y lo hacemos con tanta facilidad y espontaneidad que la atmósfera que creamos es contagiosa para nosotros mismos,” Carlinhos Brown

Contamos los días para conocer a los fans en directo por primera vez. Compartir el escenario con Carlinhos y Arnaldo es una ecuación cuyo resultado va más allá de nosotros mismos,‘ Marisa Monte

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Benito Lertxundi, el “bardo de Orio” publica un nuevo disco, “En la noche de la celebración”

San Sebastián/Hendaya.- Benito Lertxundi, “El bardo de Orio”, acaba de editar un nuevo disco de su ya larga trayectoria, “Ospakizun gauean” (“En la noche de la celebración”). Sin ánimo de exagerar, otra obra maestra que añadir al autor de discos tan sobresalientes como “Mauleko bidean” o “Altabizkar”, hace ya unos cuantos años.

Pregunta.- ¿Cómo te has planteado este trabajo y cuál es la impresión general que te deriva de él, una vez acabado y recién sacado a la luz pública?

Benito Lertxundi.- “Yo no soy un hombre al que le guste encerrarse en un estudio de grabación. Siento como si en él, no fuera realmente yo. Siempre he tenido esa sensación, y ahora ha ocurrido lo mismo. Parece como si fuese otra persona allí dentro. Luego, a la hora de las mezclas y de la compresión del disco, empieza a gustarme más. A veces, cuando escucho un tema mío en la radio, de manera insospechada o improvisada, me digo: Hombre, pues no está tan mal…”

P.- “En la noche de la celebración” retomas tus viejas ideas filosóficas, influidas por el pensador Krishnamurti, sobre la fugacidad de la existencia, las culturas impostadas, los caminos erróneos de la mente y el pensamiento. “La mente lacaya buscaba respuestas a preguntas erróneas / absorta por la confusión / en la noche de la celebración”, dice el texto del tema que da título al disco.

B.L.- “Nuestra mentalidad está condicionada por multitud de teorías equivocadas y confusas. Es necesario desaprender de todo eso que nos han legado. ‘Basta con desaprender, para desprenderse de hábitos impropios (…) Y para sentir el aroma del alma arcana’, se dice también en esa canción.

Benito Lertxundi – foto realizada por E. Moreno Esquibel

P.- En el tema “Munduak ez du bakerik” (“El mundo no conoce la paz”) se dice: “Sólo cuando ser pacífico / no sea necesario / habrá paz / emanada por el ámbito de libertad / La paz es esencial / nada ni nadie / puede crecer sin ella”. ¿No temes que esta letra pueda ser mal interpretada, por pacifistas y gentes de todo tipo?

B. L.- “Asumo que es un texto polémico y que a a alguna gente le pueda sentar mal. Pero es lo que pienso. “Pensar en la paz / emitir discursos complacientes / no consigue instaurarla”. ¿Qué se ha conseguido con proclamas bien intencionadas y posturas teóricas pero facilonas? No estoy en contra de los luchadores de la paz, pero creo que no es suficiente. Los sistemas son más poderosos.”

Grandes Canciones

Musicalmente, “Ospakizun…” ofrece grandes y notables alegrías y sorpresas. El piano inicial de “Nahiago Nuke”, sobre un texto de Fernando Pessoa (al igual que “Ibertzean”, donde el solo de guitarra eléctrica final a cargo de Gurutz Bikuña te deja sin palabras), las dobles voces de Olatz Zugasti e Intza Unanue, perfectamente integradas y audibles…la labor impagable de las cuerdas del Alos Quartet, la batería de David Gorospe por aquí y por allá, el “buzuki”, guitarra acústica y percusión del polifacético y virtuoso Angel Unzu (con sonido de “banjo” en “Belar nerabean”),…

El disco parece tener dos partes bien diferenciadas, aunque su unidad global es incuestionable. Tras cuatro canciones intimistas, introspectivas, degustables por su melancólica armonía, el tema “Kimu bat zuhaitzan”, con música del cantautor canadiense Allan Rankin y texto del bertsolari Jon Maia inaugura una nueva etapa en el cancionero de BL, próxima al sonido “country” como nunca antes, sin perder acentos célticos y muy “folkies”…

Benito Lertxundi – foto realizada por E. Moreno Esquibel

B.L.- “Parece que tiene aromas de Pete Seeger y Leonard Cohen. Descubrimos a este autor, Allan Rankin, en un concierto donde le vimos. Es un nombre muy conocido en su país. “Jon Maia formó parte de una expedición a Terra Nova, tras la estela de los balleneros vascos del siglo XVI… Jon escuchó una canción que hablaba de un árbol en medio de un lugar inhóspito, del cual nacía un brote. De ahí, el título de la canción. Jon tuvo el impulso de escribir esta letra en euskera”.

Canción lanzada como “single” del cd, sorprenderá sin duda a muchos y ofrece una perspectiva nueva, y quien sabe si futura, para el habitualmente reconcentrado y lírico Benito. El preludio de la canción es una breve, emocionante, introducción “a capella” a cargo de la Zaria Koru Eskola, voces juveniles de sabor clásico y eclesiástico, que no hacen presagiar lo que viene después. Un tema que engrosará la extensa lista de canciones coreables y recogidas por las audiencias como si fuera propio, en las futuras generaciones.

“Otzandu Herrian” (“Confuso parloteo”), con sus aromas lejanos (¿o no tanto?) del “Concierto de Aranjuez”, del maestro Joaquín Rodrigo, habla del euskera como lengua imprescindible, indispensable y necesaria para el pueblo vasco : “Sin impulso liberador / se puede contribuir a la liquidación / del pueblo sometido / y su lengua / en la propia lengua sometida”. Una vez más, la labor del violonchelo de Pello Ramírez, los teclados de Juantxo Zeberio y el bajo eléctrico de Amaiur Cajaraville se muestran implacables en su envolvente suntuosidad.

El disco se cierra con belleza total con el evocador y marino “Bizipen Margotuak”. Tras un breve recital del cantante, éste dice: “Vivencias pintadas / en el lienzo de la memoria / y en el corazón de las marismas / se adentran een el mar / cada alborada / bajo la niebla matutina”. Y así se cierra el diclo que comenzó, diez temas antes con estas palabras: “Ojalá fuera el polvo del camino / y que los pies del pobre me estuvieran pisando”.” Y también “Isil Isilik” (“Silenciosa, calladamente”) con su ritmo de plácido, sereno y evocador vals.

Benito Lertxundi – foto realizada por E. Moreno Esquibel

“En la noche de la celebración” no es un disco excesivo en minutos, pero su intensidad y su categoría alcanzan categorías máximas. No me importa que me llamen “jabonoso” o exaltado, pero estamos ante otra obra maestra en el “curriculum” del músico y autor de Orio (1942), al que lenguas viperinas y envidiosas de su absoluta madurez y creatividad, han querido achacar comienzos de la enfermedad de Alzheimer. No me importa abordar esta cuestión con el propio Benito, aunque sí me produce pudor y cierta vergüenza ajena.

B.L.- “Ja, ja, eso se viene diciendo de mí hace ya muchos años. Bueno, ¿qué voy a decir? Los que vienen a mis conciertos pueden comprobar mi estado de salud. ¿Quién se encargar de propagar estos bulos? No me quitan el sueño…ja ja.”.

Una nueva tanda de conciertos a lo largo y ancho del País Vasco servirán próximamente de presentación formal de este disco, aunque muchas de sus canciones ya han sido interpretadas desde hace algún tiempo en sus recitales. San Sebastián (Kursaal, 1 de diciembre), Bilbao (teatro Arriaga, 2 de diciembre), Pamplona, Donibane Garatze (Saint Jean Pied de Port), Vitoria, Bayona, etc. serán los escenarios, entre otros, de esta excelsa y exultante “noche de la celebración”.

Mandolin Orange lanzan el video musical de Time We Made Time

El grupo emergente de música de raices estadounidenses y bluegrass Mandolin Orange han lanzado “Time We Made Time” (ya es hora de dedicar tiempo), una canción de su próximo álbum ‘Tides Of A Teardrop’ (1 de febrero de 2019 con el sello Yep Roc). El dúo ha presentado un video musical espléndido para la canción.

Mandolin Orange tiene su sede en Chapel Hill, Carolina del Norte. Incluye a Andrew Marlin en la voz, mandolina, guitarra, banjo y Emily Frantz en la voz, violín y guitarra. A Mandolin Orange se le conoce por su magnífica interacción vocal e instrumental.

 

 

Las grabaciones anteriores del grupo incluyene Quiet Little Room (2010), Haste Make / Hard Hearted Stranger (2011), This Side of Jordan (2013), Such Jubilee (2015) and Blindfaller (2016).

A Tiempo Real, mejor disco de músicas del mundo en la Transglobal World Music Chart de octubre de 2018

El álbum doble A Tiempo Real – A New Take on Spanish Tradition (A Tiempo Real – Una nueva versión de la tradición española), del grupo español Vigüela es el mejor disco de músicas del mundo en la Transglobal World Music Chart de octubre de 2018. La Transglobal World Music Chart publica los mejores discos de músicas del mundo cada mes.

Vigüela ha capturado la esencia de la música folclórica española como se realiza en las casas de los pueblos, fiestas y celebraciones en la provincia de Castilla-La Mancha y más allá. El grupo interpreta su material con instrumentos folclóricos y utensilios de cocina como guitarros manchegos (guitarras pequeñas de Castilla-La Mancha), castañuelas, panderos, guitarras folclóricas, triángulos, rabel, laúdes, jarrones, botellas, mortero y sartenes.

En la tradición popular española, la música no pertenecía sobre el escenario: era música de las calles del pueblo. A Tiempo Real lo ha editado el sello británico ARC Music.

El resto de la lista:

2. SANS – Kulku – Cloud Valley
3. Ammar 808 – Maghreb United – Glitterbeat
4. Samba Touré – Wande – Glitterbeat
5. Anandi Bhattacharya – Joys Abound – Riverboat / World Music Network
6. Fatoumata Diawara – Fenfo – Montuno / Shanachie / Wagram
7. Minyeshu – Daa Dee – ARC Music
8. Baul Meets Saz – Namaz – Seyir Muzik
9. Grupo Mono Blanco – ¡Fandango! Sones Jarochos de Veracruz – Smithsonian Folkways
10. V.A. – Two Niles To Sing a Melody: The Violins & Synths of Sudan – Ostinato

11. Chancha Vía Circuito – Bienaventuranza – Wonderwheel
12. Angelique Kidjo – Remain in Light – Kravenworks
13. Yossi Fine & Ben Aylon – Blue Desert – Blue Desert
14. Arat Kilo, Mamani Keïta, Mike Ladd – Visions of Selam – Accords Croisés
15. The Turbans – The Turbans – Six Degrees
16. Cimbalom Brothers – Testvériség / Brotherhood – Fonó Budai Zeneház
17. Marta Gómez – La Alegría y el Canto – Aluna
18. Eliades Ochoa & Alejandro Almenares – Dos Gigantes de la Música Cubana – Tumi
19. Harouna Samake – Kamale Blues – One World
20. Stella Chiweshe – Kasahwa: Early Singles – Glitterbeat

21. Sväng – Sväng Plays Tango – Galileo Music
22. Sekou Bah – Soukabbè Mali – Clermont Music
23. Cemîl Qoçgîrî & Manuel Lohnes – Bêdawîtî – Ahenk Müzik
24. Opium Moon – Opium Moon – Be Why Music
25. Red Baraat – Sound the People – Rhyme & Reason
26. Bombino – Deran – Partisan
27. Hermeto Pascoal – Hermeto Pascoal e sua Visão Original do Forró – Scubidu
28. Riccardo Tesi & Banditaliana – Argento – Visage
29. Small Island Big Song – Small Island Big Song – Small Island Big Song
30. Dur-Dur Band – Dur-Dur of Somalia: Volume 1, Volume 2 & Previously Unreleased Tracks – Analog Africa

31. Alba Griot Ensemble – The Darkness Between the Leaves – Riverboat / World Music Network
32. Jaune Toujours – Europeana – Choux de Bruxelles
33. Mehdi Rostami & Adib Rostami – Melodic Circles – ARC Music
34. Catarina Dos Santos – Rádio Kriola – ARC Music
35. Ann O’aro – Ann O’aro – Buda Musique
36. Okonkolo – Cantos – Big Crown
37. Markus & Shahzad – Tumba ! – Dionysiac Tour
38. Monsieur Doumani – Angathin – Monsieur Doumani
39. Nancy Vieira – Manhã Florida – Lusafrica
40. Bokanté + Metropole Orkest – What Heat – Real World

Dur-Dur de Somalia: Volumen 1, Volumen 2 y Temas previos no publicados

Analog Africa ha lanzado este mes Dur-Dur of Somalia: Volumen 1, Volumen 2 y Temas previos no publicados, una colección de grabaciones perdidas hace mucho tiempo de la banda Dur-Dur de Somalia de los años 80. Esta es la primera entrega de una serie de tres partes dedicada a Dur-Dur Band.

Dur-Dur era una joven banda de los 80. Los secretos del rápido éxito de Dur-Dur están íntimamente ligados a la visión de Isse Dahir, fundador y teclista de la banda. El plan de Isse era localizar a algunos de los músicos con más visión de futuro del panorama efervescente de Mogadiscio y atraerlos a Dur-Dur.

Ujeeri, el bajista temperamental de la banda, fue reclutado procedente del jazz somalí y el extraordinario baterista Handal tocó anteriormente en Bakaka Band. Isse también agregó a sus dos hermanos menores a la formación: Abukar Dahir Qassin se encargó de tocar la guitarra principal, y Ahmed Dahir Qassin fue contratado como ingeniero de sonido permanente.

En sus primeros dos álbumes, Volumen 1 y Volumen 2, tres cantantes diferentes intercambiaron los papeles de la voz principal de ida y vuelta. Shimaali, anteriormente de Bakaka Band, se encargó de las canciones de Dhaanto, un ritmo somalí del norte del país que tiene un parecido sorprendente con el reggae; Sahra Dawo, una joven cantante, había sido reclutada de la orquesta nacional de Somalia, la Banda Waaberi.

Su tercer cantante, el legendario Baastow, que también había sido cantante de la Waaberi Band, y había sido llevado a Dur-Dur debido a su profundo conocimiento de la música tradicional somalí, particularmente Saar, un tipo de música destinada a convocar a los espíritus durante rituales religiosos.

Desde el principio, la doctrina Dur-Dur fue la fusión de la música tradicional somalí con cualquier ritmo que hiciera bailar a la gente: funk, reggae, soul, disco y rock se mezclaron sin esfuerzo con ritmos Banaadiri, Dhaanto y la música espiritual Saar. La mezcla fue explosiva.

Inicialmente parecía que la música de Dur-Dur solo se había conservado como una serie de grabaciones oscuras y videos de YouTube, pero cuando el director de Analog Africa, Samy llegó a Mogadiscio encontró algunas de las cintas maestras, que durante mucho tiempo se creyeron desaparecidas.

La versión física incluye los temas remasterizados a partir de las mejores fuentes de audio disponibles, dos temas inéditos y lu libreto con con miembros originales de la banda.

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Fatoumata Diawara: “´Fenfo´Es La Voz De Los Niños”

Hace 7 años, la cantante de Mali, Fatoumata Diawara se presentaba en los mercados internacionales con su primer disco, “Fatou” (World Circuit). “Con un pasado turbulento y familiar emigrante en París, en la tradición ´wassulu´del pueblo ´peul´, Fatou reaviva sus raíces musicales con una fórmula limpia y actual: canciones dignas, serenas y repletas de fuerza interior. Seguro que la gran Oumou Sangaré, reina del género, estará orgullosa de ella”, escribí en su momento en la revista Metrópoli.

Así saludábamos en su día la grata aparición de Fatou D. Ahora, su segundo vinilo/CD/single, ´Fenfo, ha confirmado, reafirmado y ampliado todas las expectativas.

Fatoumata Diawara – Fenfo

¿Qué aproximaciones, parecidos y diferencias encuentra la artista entre esas dos grabaciones, con el intervalo temporal de casi una década?

En el primer disco -contesta la maliense- quería presentarme al gran público internacional; con este segundo, quiero mostrar la persona que soy ahora y compartir todo mi aprendizaje y evolución, tanto a nivel artístico como personal“.

Usted está siempre en la primera línea de combate por la emancipación de la mujer universal y, especialmente, de la mujer africana. ´Fenfo´ es una prueba de ello, ¿no es así?

Absolutamente, eso mismo es lo que yo pienso“, corrobora y enfatiza la estilizada y extrovertida artista.

Ha hecho usted una muy interesante, casi apoteósica, síntesis entre la música tradicional de su pueblo y las sonoridades de rock-jazz a la manera occidental y contemporánea. ¿Qué le parece esta apreciación?

Desde siempre, he mezclado esos dos estilos de música”, asegura. “He realizado esa fusión con temáticas que me han preocupado y que son importantes para mí: con melodías adecuadas y con mucho amor“.

¿Qué significan para usted las figuras legendarias de Miriam Makeba, Nina Simone, y Oumou Sangaré?

Fatoumata contesta con total convicción: “Todas esas mujeres han sido un ejemplo y un modelo para mí, porque, a pesar de la dificultad que requiere imponerse a nivel internacional, ellas lo consiguieron…Stevie Wonder, David Bowie, The Beatles, Billie Holliday y otr@s much@s son artistas que me gustan también extraordinariamente“.

¿Habla de la incomunicación entre padres e hijos en el seno de la familia?

Fatou es escueta en este momento, precisa y rotunda: “´Fenfo´es la voz de los niños“.

Ahora mismo, usted es número uno de muchas listas de la ´world music´, en distintas revista de prestigio. “Songlines”, el estupendo magazine británico, es uno de los principales valedores de su trabajo. “Folk Roots”, “Mojo”, lo mismo de lo mismo. Eso le hará feliz, a buen seguro…

Me produce mucha alegría esa reacción y espero que esto pueda ayudar a las nuevas generaciones de cantantes africanas“.

¿Cuáles son sus proyectos inmediatos? Viene de triunfar recientemente en el festival español La Mar de Músicas, de Cartagena, y también en una jornada especial, veraniega, del afamado Celtic Connections de Glasgow, así como una presentación en el siempre difícil y competitivo ambiente musical de Londres. ¿Volverá usted a España?

Mi proyecto número uno en este preciso momento es defender este último disco mío; esa es mi prioridad absoluta ahora mismo. Y sí, claro que volveré España el año que viene“.

Buena suerte siempre, Fatoumata y gracias por su gentileza. Y también, gracias por su voz, sus canciones, sus palabras, su música, su presencia escénica. Contamos con usted en el futuro.

Imarhan el sonido Tuareg de Argelia

El grupo argelino Imarhan ha editado su segundo album “Temet“ este año, en donde mezcla las influencias de la música tuareg del desierto del Sahara y el rai argelino.

Imarhan lanzó su primer álbum Imarhan en 2016 y se convirtió rapidamente en uno de los grupos emergentes de la “Nueva ola de la música tuareg”.

Todos los miembros del grupo crecieron uno cerca del otro en Tamanrasset, en el sur de Argelia, en una comunidad tuareg de ascendencia maliense del norte. Su nombre que significa “los que me importan” en el idioma de la gente de Kel Tamashek. La gran división entre su hogar espiritual y su hogar físico se escucha en su música: la mezcla de los tonos más sutiles de la música tradicional sahariana y la fuerza y el romance de la música rai argelina.

El cantante argelino Rachid Taha fallece a los 59 años

El aclamado cantante franco-argelino Rachid Taha falleció el 12 de septiembre de 2018 en París, Francia, de un ataque al corazón.

Taha, que residia en Francia desde una temprana edad, fue una estrella de las músicas del mundo en los años 90 y 2000 en Francia y otros países con su mezcla de rai argelino y rock occidental.

Rachid Taha nació en 1958 en Orán, Argelia y creció en Francia en la comunidad inmigrante de la clase obrera y empobrecida que surgió en Lyon.

Desde temprana edad, la música fue su salvavidas contra la desesperanza de la vida de los inmigrantes. Cantó, y también fue pinchadiscos en salas, ofreciendo una mezcla internacional de sonidos que presagiarían su carrera. “Pinché un verdadero mosaico“, recordó, “árabe, salsa, rap, funk, cualquier cosa con la que puedas bailar“.

A mediados de la década de 1980 formó una banda, Carte de Sejour (carta verde). Su música ardió con el fuego de una joven generación inmigrante, explotando con la ira del rock en su canción más conocida, una versión irónica y políticamente cargada de la patriótica “Douce France”. Después de tres años, la banda se separó, y Rachid viajó a Los Ángeles para trabajar con el productor Don Was (Rolling Stones, Bonnie Raitt) en su debut como solista. Barbes, el resultado de su colaboración, apareció internacionalmente en 1991, en el apogeo de la fiebre de la Guerra del Golfo. A pesar de las buenas críticas, el sutil prejuicio contra todo lo árabe en el momento dejó que se hundiera sin dejar rastro.

Más viejo, más sabio, pero aún más aventurero, Rachid regresó en 1996 con Ole Ole, con una fusión atractiva de estilos musicales norteafricanos.

Rachid Taha

Con Diwan, en 1998, Rachid adoptó una táctica más sutil. Las canciones de la grabación provienen de su juventud, un trabajo que inspiró su propia música, de los letristas grandes como Dahmane El Harrachi y Nass El Ghiwane. Fue, explicó, “mi versión del álbum Rock’n’Roll de John Lennon“. Las versiones de Rachid llevaron a los clásicos hacia la era moderna. Ritmos y muestreos pulsaron junto a secciones de cuerdas e instrumentos tradicionales para un álbum que fue una revolución musical silenciosa.

En Made in Medina, Taha combinó el poderoso rock con las melodías del norte de África. La voz de la estrella de Afrobeat Femi Kuti, hizo un dúo con Rachid en “Ala Jalkourn”, uniendo África del Norte y Occidental en una perfecta combinación de unidad donde las voces trascienden las fronteras geográficas. El álbum fue grabado en París, Londres y Nueva Orleans, y fue producido por el veterano músico Steve Hillage.

El álbum de 2004, Tekitoi, se grabó en París, Londres y El Cairo. Algunos de los temas son guerra, racismo y corrupción.