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Otis Rush, mítico guitarrista de blues de Chicago, muere a los 84 años

Otis Rush

Masaki Rush, esposa de Otis Rush, anunció hoy que el gran músico de blues de Chicago, Otis Rush, murió el 29 de septiembre de 2018 debido a complicaciones de un ataque al corazón que sufrió inicialmente en 2003.

Conocido como el musico clave del “West Side Sound” (sonido del lado oeste) de Chicago, Rush ejemplificó el estilo modernizado de blues urbano con su guitarra amplificada y con influencias del jazz, voces apasionadas y una sección de viento completa. La primera grabación de Rush en 1956 en “I Can not Quit You Baby” de Cobra Records alcanzó el #6 en las listas de éxito Billboard R & B Charts y lo catapultó a la fama internacional. Después grabó un catálogo de música que contiene muchas canciones que ahora se consideran clásicas del blues.

A finales de la década de 1950 y principios de la década de 1960, junto con Magic Sam, Buddy Guy, Mighty Joe Young y el joven Luther Allison, Rush creó un estilo de guitarra que inspiró a generaciones de aspirantes a blues. Su guitarra emocionante y su interpretación vocal igualmente impresionante lo convirtieron en una leyenda del blues de Chicago.

Rush nació y se crió en Filadelfia, Misisipi, y aprendió a tocar la guitarra y la armónica cuando era niño. Se mudó a Chicago en 1948, y se inspiró en la música de Muddy Waters, Howlin ‘Wolf y B.B. King.
En 1956, Willie Dixon vio a Rush actuar y quedó tan impresionado que ayudó a Rush, de 19 años, a llegar a un acuerdo con Cobra Records. El primer sencillo, una interpretación intensamente inquietante de “I can not Quit You, Baby” de Willie Dixon saltó al número seis en la lista de R & B de Billboard.

Rush continuó grabando para Cobra hasta su desaparición en 1958. Las grabaciones de Cobra de Rush entre 1956-58 se consideran entre sus mejores trabajos, y definieron su sonido característico. Entre los temas estelares registrados durante este período se encuentran Double Trouble, My Love Will Never Die (ambos producidos por Willie Dixon), All Your Love (I Miss Loving) y Keep On Loving Me Baby.
Después de que Cobra cerró, Rush se fue a grabar para Chess Records. Grabó el clásico So Many Roads, So Many Trains, el único sencillo que Chess lanzado durante su corta estancia allí desde 1960-62.

Rush luego se marchó a Duke Records hasta 1965, donde una vez más su sello lanzó un solo sencillo, Homework.

Después de Duke, grabó para Vanguard y para Cotillion (donde en 1969 lanzó el álbum producido por Mike Bloomfield-Nick Gravenites, Mourning In The Morning, un fracaso comercial).

Capitol Records fue el siguiente, y en 1971 Rush grabó el álbum excelente Right Place, Wrong Time, con Gravenites como productor. Sorprendentemente, Capitol optó por no lanzar el álbum, y no vio la luz hasta 1976, cuando el pequeño sello independiente Bullfrog obtuvo los derechos y lo lanzó.

Un lanzamiento en Delmark en 1975, Cold Day In Hell y un puñado de álbumes en vivo durante los años 70 y principios de los 80 mantuvieron a Rush algo a la vista del público, y continuó presentándose en clubes y festivales de blues a nivel nacional y en Europa y Japón.

En 1991, Alligator Records lanzó Lost In The Blues, que Rush grabó originalmente para el sello sueco Sonet en 1977 (y originalmente se tituló Troubles, Troubles). Ha habido nuevos lanzamientos en otros sellos, incluyendo un álbum de versiones para Mercury grabado en 1994 titulado Is not Enough Comin ‘In, y el ganador del Grammy en 1998 Any Place I’m Going, lanzado por House Of Blues Music Co.

El ganador del GRAMMY Otis Rush fue uno de los guitarristas más influyentes de la escena del blues de Chicago, mejor conocido como creador del “West Side Sound” de la ciudad”, dijo Neil Portnow, presidente / CEO de la Academia de la Grabación. “Con su voz apasionada, su estilo de interpretación único y su guitarra con influencia jazzística, Rush estableció el estándar para los músicos de blues en Chicago y más allá.

Obtuvo cuatro nominaciones GRAMMY a lo largo de su extensa carrera y fue galardonado con el GRAMMY a Mejor álbum de Blues Tradicional por Any Place I’m Going en la 41 edición de los GRAMMY Awards.

Siempre será recordado por transformar el blues tradicional en un sonido más intensificado e influir en muchos de los grandes del rock y el blues que lo siguieron. Nuestros pensamientos van a su familia, amigos y colegas durante este momento difícil”.

El cantante argelino Rachid Taha fallece a los 59 años

El aclamado cantante franco-argelino Rachid Taha falleció el 12 de septiembre de 2018 en París, Francia, de un ataque al corazón.

Taha, que residia en Francia desde una temprana edad, fue una estrella de las músicas del mundo en los años 90 y 2000 en Francia y otros países con su mezcla de rai argelino y rock occidental.

Rachid Taha nació en 1958 en Orán, Argelia y creció en Francia en la comunidad inmigrante de la clase obrera y empobrecida que surgió en Lyon.

Desde temprana edad, la música fue su salvavidas contra la desesperanza de la vida de los inmigrantes. Cantó, y también fue pinchadiscos en salas, ofreciendo una mezcla internacional de sonidos que presagiarían su carrera. “Pinché un verdadero mosaico“, recordó, “árabe, salsa, rap, funk, cualquier cosa con la que puedas bailar“.

A mediados de la década de 1980 formó una banda, Carte de Sejour (carta verde). Su música ardió con el fuego de una joven generación inmigrante, explotando con la ira del rock en su canción más conocida, una versión irónica y políticamente cargada de la patriótica “Douce France”. Después de tres años, la banda se separó, y Rachid viajó a Los Ángeles para trabajar con el productor Don Was (Rolling Stones, Bonnie Raitt) en su debut como solista. Barbes, el resultado de su colaboración, apareció internacionalmente en 1991, en el apogeo de la fiebre de la Guerra del Golfo. A pesar de las buenas críticas, el sutil prejuicio contra todo lo árabe en el momento dejó que se hundiera sin dejar rastro.

Más viejo, más sabio, pero aún más aventurero, Rachid regresó en 1996 con Ole Ole, con una fusión atractiva de estilos musicales norteafricanos.

Rachid Taha

Con Diwan, en 1998, Rachid adoptó una táctica más sutil. Las canciones de la grabación provienen de su juventud, un trabajo que inspiró su propia música, de los letristas grandes como Dahmane El Harrachi y Nass El Ghiwane. Fue, explicó, “mi versión del álbum Rock’n’Roll de John Lennon“. Las versiones de Rachid llevaron a los clásicos hacia la era moderna. Ritmos y muestreos pulsaron junto a secciones de cuerdas e instrumentos tradicionales para un álbum que fue una revolución musical silenciosa.

En Made in Medina, Taha combinó el poderoso rock con las melodías del norte de África. La voz de la estrella de Afrobeat Femi Kuti, hizo un dúo con Rachid en “Ala Jalkourn”, uniendo África del Norte y Occidental en una perfecta combinación de unidad donde las voces trascienden las fronteras geográficas. El álbum fue grabado en París, Londres y Nueva Orleans, y fue producido por el veterano músico Steve Hillage.

El álbum de 2004, Tekitoi, se grabó en París, Londres y El Cairo. Algunos de los temas son guerra, racismo y corrupción.

El aclamado músico ugandés Geoffrey Oryema muere a los 65 años

Los medios de comunicación de Uganda, y su sitio oficial de Facebook, informaron hoy del fallecimiento del famoso artista de músicas del mundo Geoffrey Oryema. Oryema nació en Uganda y vivía en Francia. Su mayor éxito fue “Land of Anaka” de su álbum 1990 Exile.

Geoffrey Oryema nació el 16 de abril de 1953 en Uganda. Todas las noches, cuando era niño en Kampala, Geoffrey Oryema se sentaba al lado de su padre y lo escuchaba tocar la nanga, un arpa de siete cuerdas. Tuvo la suerte de crecer y de absorber tanto la música folclórica de su cultura, a través de las rutas tradicionales, como las técnicas occidentales a través de su educación. Su padre era un ministro en el gobierno de Idi Amin y la posición de la familia en la clase dominante de Uganda resultó desastrosa.

En 1976, Geoffrey Oryema escribió una obra titulada “The Reign of Terror” que mostraba imágenes de las atrocidades que los ugandeses presenciaron durante la Era Idi Amin. Formó y entrenó una compañía teatral semiprofesional a la que llamó Gong Gong.

Geoffrey tenía veinticuatro años en febrero de 1977 cuando su padre fue asesinado en secreto. Oryema escapó de Uganda a Kenia, donde presentó su obra en el Centro Cultural Francés de Nairobi, en marzo. Dejó Nairobi, después de esta presentación, para instalarse en su nuevo hogar, París (Francia).

Exiliado en Francia, Geoffrey perfeccionó sus técnicas de lukeme (sanza), flauta y nanga. También aprendió karate y se ganó un cinturón negro.

En el otoño de 1977, Oryema fue contratado como músico y cantante en una compañía de circo propiedad de Jean Batiste Thierry y Victoria Chaplin, hija del famoso comediante y actor Charlie Chaplin.

Más tarde trabajó como programador de computadoras, pero nunca olvidó su pasión por la música. En 1990 fue firmado por Real World Records. Su primer álbum titulado Exile salió ese año, producido por Brian Eno.

Oryema fue invitado por Peter Gabriel para participar en el megaconcierto Nelson Mandela: Un homenaje internacional por una Sudáfrica libre en el estadio de Wembley con una audiencia estimada de 78.000 aficionados a la música.

El segundo álbum, Beat The Border (1993), también fue producido por Brian Eno.

Durante 1995, Oryema colaboró con artistas franceses, Manu Katche y Tonton David en la banda sonora original de la película francesa Un Indien Dans La Ville, con las estrellas de cine francesas Thierry L’Hermitte, Patrick Timsitt, Miou Miou, Arielle Dombasle y Jackie Beroyer.

Night To Night (RealWorld Records), el tercer álbum de Oryema salió en 1996. Ganó el primer premio de música en Francia.

El 4° álbum, titulado Spirit (Sony Music) salió en 2000. Este fue seguido por Words (Next Music, 2004).

En 2009, Oryema grabó su sexto álbum, From the Heart, producido por Alex Swift.

Sus canciones mantienen vivos los idiomas de su juventud, Swahili y ‘Acoli’ (pronunciado ‘Acholi’), y el folclore que aprendió cuando estaba rodeado de narradores, poetas y cantantes en casa.

Geoffrey Oryema dijo: “La música acompaña todo en mi cultura. Hay música para cavar en tu jardín; acompañar a los muertos a su lugar de descanso final; si hay una visita de un jefe de estado, será cantado. Esta música no está muerta; nunca morirá. Cambia constantemente, se renueva a sí mismo. Incluso escucho música cuando estoy solucionando un error en una computadora”.

Geoffrey Oryema murió el 22 de junio de 2018.

Discografía: Exile (Real World Records, 1990), Beat The Border (Real World Records, 1993), Night To Night (Real World Records/Virgin Records, 1996), Spirit (Sony Music, 2000), Words (Next Music, 2004), From The Heart (Long Tale Recordings, 2010)

Clarence Fountain, fundador de Blind Boys of Alabama, fallece a los 88 años

El célebre cantante de góspel Clarence Fountain murió el domingo 3 de junio de 2018 en un hospital en Baton Rouge, Luisiana. Tenía 88 años.

Clarence Fountain creció en una familia musical y religiosa en Selma, Alabama. Sus padres, William e Ida Fountain, formaban parte del coro de la iglesia y con frecuencia cantaban en casa. Clarence perdió la vista a los dos años, y a la edad de ocho años se matriculó en el Instituto Talladega para Sordos y Ciegos de Alabama. Allí se unió a un gran coro de niños y aprendió a leer música en Braille.

Inspirado por las emisiones de radio semanales de la CBS del Cuarteto Golden Gate, un grupo popular de góspel de aquella época, él y sus amigos decidieron comenzar su propio grupo de canto góspel. Aplicaron las habilidades musicales que les enseñaron en la escuela y comenzaron a escribir y arreglar canciones. Aunque comenzaron llamándose Happyland Singers, pronto cambiaron su nombre a Blind Boys y comenzaron a cantar juntos como un sexteto en 1939. Se mudaron a Birmingham y actuaron diariamente en la emisora de radio WKAX.

Al principio, los Blind Boys emularon el “estilo de armonía del jubileo”, que se había originado en el siglo XIX entre los trovadores y los cuartetos universitarios negros, y alcanzó el apogeo de su popularidad en la década de 1930 a través de grabaciones y transmisiones de radio. En la década de 1940, sin embargo, el estilo de la armonía del jubileo se convirtió en un canto de grupo “góspel”. Este estilo incluía a un cantante principal que gritaba y predicaba, a menudo acompañado de instrumentos con ritmo e influencias del blues, que incluían guitarra eléctrica, piano y, a veces, instrumentos de viento y tambores. Además, el góspel usaba ritmos más fuertes y técnicas vocales, como gemidos, melismas y falsetes. Por el contrario, los grupos de jubileo se ponían de pie y actuaban con mayor moderación.

Los Blind Boys estuvieron a la vanguardia de esta transición. Mezclaron hábilmente armonías precisas de cuatro partes con gritos agudos solistas y un ritmo de acompañamiento basado en el rhythm and blues, rápidamente destacaron como intérpretes principales del sonido góspel “duro” de la posguerra. El estilo del grupo recibió el apodo de “destrozadores de casas”, un término que se refiere a su capacidad de “gritar” al público de la iglesia incitando a sus oyentes a estados de éxtasis espiritual. Fountain dijo: “Tienes que sentir el espíritu en lo más profundo de tus entrañas, y debes saber cómo hacer que alguien más lo sienta“.

A fines de la década de 1940, los Blind Boys estaban de gira a tiempo completo, actuando para públicos segregados en iglesias y escuelas. En 1947, después de la muerte accidental de la cantante principal Velma Trailer, el grupo se reorganizó y Fountain compartió el canto principal con el reverendo Paul Excano, quien finalmente abandonó el grupo.

Bajo la dirección de Fountain, los Blind Boys grabaron su primer éxito en 1949 con “I Can See Everybody’s Mother But Mine”. De acuerdo con Fountain, “De repente estábamos de moda, tocando para públicos de 1,000 o más. Estábamos en alza, y el manager de Ray Charles nos ofreció un gran negocio para ir de gira tocando rock, soul, pop, todo, excepto góspel, así que, naturalmente, todos los Blind Boys, incluido nuestro representante, querían que hiciéramos pop, para ser realmente importantes. Excepto yo, claro. Mira, yo era el jefe de los Blind Boys, era el cantante principal. Y de ninguna forma íbamos a hacer pop o rock. ¿Quién lo necesitaba? Nuestras panzas estaban llenas, no teníamos dolores de cabeza, estábamos felices. Al menos, estaba feliz cantando góspel de verdad”.

En 1953, los Blind Boys comenzaron una exitosa asociación de cinco años con Specialty Records en Los Ángeles, pero finalmente abandonaron el sello debido a la presión renovada para pasar al rock ‘n’ roll. Fountain se negó, y luego comentó: “The Blind Boys han dedicado nuestras vidas a servir al Señor“.

A pesar de las oportunidades para popularizar su música, los Blind Boys continuaron interpretando su sonido gospel tradicional, recorriendo los Estados Unidos y el extranjero. A principios de la década de 1980, Fountain and the Blind Boys había sido rebautizado como Blind Boys of Alabama y presentaba al legendario cantante bajo J. T. Clingscale, de los Blind Boys of Mississippi. En 1983, recibieron fama nacional por su actuación en la producción dramática Evangelio en Colonus, una adaptación contemporánea de Edipo en Colonus por Sófocles. El drama se desarrolla en una iglesia pentecostal negra. Los Blind Boys cantaron el papel de Edipo, el rey ciego de la tragedia griega.

Fountain, George Scott, Johnny Fields y Jimmy Carter estuvieron con el grupo desde sus inicios. El grupo ha crecido y cambiado junto con los tiempos, agregando nuevos miembros según sea necesario. Gradualmente durante su carrera de cinco décadas, el conjunto modernizó su sonido al agregar más cantantes, guitarristas y un baterista. A veces cantan en armonía de cuatro partes; a veces se expanden a la armonía de seis partes.

Clarence Fountain fue miembro fundador del grupo de gospel ganador de GRAMMY Blind Boys of Alabama, y fue visto como un pilar de inspiración en la industria de la música,” declaró hoy Neil Portnow, Presidente y CEO de la Academia de grabación estadounidense. “Prestó su voz características d al extenso catálogo de grabaciones del conjunto durante más de 70 años y ayudó a llevar al grupo al éxito en 1948 con “I Can See Everybody’s Mother But Mine”. Con Blind Boys, ganó cuatro premios GRAMMY en la categoría de Mejor Álbum de Góspel Soul tradicional y el grupo fue honrado con el Premio a la Trayectoria Profesional (Lifetime Achievement Award) de la Recording Academy en 2009 por sus notables contribuciones a la música góspel. Clarence será profundamente extrañado, y nuestros sentimientos están con sus seres queridos durante este momento difícil.”

Fallece el magnífico trompetista sudafricano Hugh Masekela

El trompetista sudafricano Hugh Masekela, un destacado artista dentro del campo del jazz y las músicas del mundo, falleció hoy, 23 de enero de 2018, en Johannesburgo.

La familia Masekela ha publicado el siguiente comunicado de prensa: “Es con profundo pesar que la familia de Ramapolo Hugh Masekela anuncia su fallecimiento. Después de una prolongada y valiente batalla contra el cáncer de próstata, falleció pacíficamente en Johannesburgo, Sudáfrica, rodeado de su familia.

Un padre, hermano, abuelo y amigo cariñoso, nuestros corazones laten con esta profunda pérdida. La contribución global y activista de Hugh a las áreas de la música, el teatro y las artes en general está contenida en las mentes y la memoria de millones en los 6 continentes y tenemos la bendición y el agradecimiento de ser parte de una vida y de un legado en constante expansión, de amor, el intercambio y la creatividad de vanguardia que abarca el tiempo y el espacio de 6 décadas. Descansa nuestro amado, estás por siempre en nuestros corazones.

A su debido tiempo, divulgaremos los detalles de los servicios conmemorativos y funerarios. Hugh Masekela fue alguien que siempre se involucró de manera contundente con la prensa en cuestiones musicales y sociales. Alabamos a la prensa por respetar su privacidad a través de su convalecencia, y durante este, nuestro tiempo de dolor. Nuestro agradecimiento a todos y cada uno por sus condolencias y apoyo.”

Hugh Masekela nació en Johannesburgo en 1939. Fue el padre del jazz africano y el embajador musical de Sudáfrica en el mundo. La trompeta de Masekela (presentada por el activista contra el apartheid, el padre Trevor Huddleston) fue un instrumento de resistencia, una llamada a la libertad y una celebración de la fuerza y la resistencia de las personas.

Su poderosa mezcla de jazz, funk, afrobeat y ritmos latinos primero lloró la tragedia del apartheid y luego celebró su tan esperado fallecimiento. A lo largo de su carrera, editó docenas de álbumes, realizó giras por todo el mundo y actuó con artistas de renombre, como Louis Armstrong, Paul Simon (en la gira de Graceland), Adrian Below, The Byrds, Miriam Makeba, La zimbabuense Dorothy Masuka, Fela Anikulapo Kuti, Hedzoleh Soundz, Francis Fuster y Dudu Pukwana.

Cuando Masekela se exilió durante la década de 1960, Harry Belafonte lo ayudó a establecerse en los Estados Unidos, como estudiante en Nueva York, donde grabó mucha música, incluyendo su éxito de 1968 “Grazing in the Grass”.

Su éxito de 1987 “Bring Him Back Home” se convirtió en el himno de la gira mundial de Nelson Mandela tras su liberación de la prisión en 1992. Masekela regresó a Sudáfrica en 1990.

En 2010, el presidente Jacob Zuma le entregó a Hugh Masekela el máximo galardón en Sudáfrica: la Orden de Ikhamanga. En 2011, Masekela recibió un premio a toda su carrera (Lifetime Achievement) en la expo de las músicas del mundo, WOMEX, en Copenhague.

Fallece el gran pionero del rock sureño Gregg Allman

El legendario cantante, autor y guitarrista de rock Gregg Allman falleció el 27 de mayo de 2017 en Savannah, Georgia, Estados Unidos de America.

Gregory LeNoir Allman fue uno de los miembros fundadores de la famosa Allman Brothers Band. El grupo tenía su sede en Macon, Georgia, en el sur de los Estados Unidos. Gregg y su grupo los Allman Brothers Band fueron uno de los pioneros del rock sureño, un estilo apasionante que mezcla el rock, blues, jazz y soul.

Entre sus canciones más conocidas figuran “Midnight Rider” y “Whipping Post”. La Allman Brothers Band ganó un premio GRAMMY en 1995 por Mejor Interpretación de Rock Instrumental con tema “Jessica”.

 

 

A Gregg le sobreviven su esposa, Shannon Allman; sus hijos, Devon, Elijah Blue, Delilah Island Kurtom y Layla Brooklyn Allman; sus 3 nietos; y su sobrina, Galadrielle Allman.

 

 

El gran flautista Dave Valentin muere a los 64 años

El flautista de jazz latino Dave Valentin falleció hoy, 8 de marzo de 2017 en Nueva York.

Valentin nació en el barrio del Bronx en Nueva York de padres puertorriqueños. A los 12 años comenzó a tocar la flauta y recibió lecciones de música de Hubert Laws.

Durante los años setenta, Dave Valentin interpretó jazz y jazz latino en varias orquestas y grupos conocidos. También publicó numerosos álbumes solistas para los sellos GRP y Highnote.

Dave Valentin fue un flautista dedicado e innovador del jazz que desafia generos musicales. Bajo la tutela de Hubert Laws, el músico neoyorquino desarrolló un sonido característico que mezclaba las influencias del soul, el pop y la música brasileña para crear una forma especializada de jazz latino“, dijo Neil Portnow, Presidente de la Academia de Grabación. “Después de su debut en la grabación con el grupo de Ricardo Marrero, continuó colaborando y actuando con Tito Puente, Horacio” El Negro “Hernández, Bill O’Connell, y Dave Samuels, entre otros. En 2002 se unió con Samuels para el álbum The Gathering del Caribe Jazz Project, que ganó un GRAMMY al mejor álbum de jazz latino. Su álbum 2005 World On A String y el álbum Pure Imagination de 2011 recibieron cada uno nominaciones de Latin GRAMMY al Mejor Álbum de Jazz Latino. Nuestro pésame va a la familia de Dave, amigos y compañeros de trabajo.”

En marzo de 2012 Dave Valentin sufrió un derrame cerebral que lo dejó paralizado e incapaz de interpretar.

Fallece Butch Trucks, el baterista de Allman Brothers Band

Butch Trucks

Butch Trucks, uno de los dos bateristas del legendario grupo de rock sureño de los Estados Unidos, Allman Brothers Band, falleció el 24 de enero de 2017.

Claude “Butch” Trucks nació el 11 de mayo de 1947 en Jacksonville, La Florida. En 1969 fue invitado a integrarse en un nuevo proyecto encabezado por Duane Allman. El grupo se llamó Allman Brothers Band y se caracterizaba por una fusión de rock, blues y country, y el uso de dos baterías a la vez, la de Butch Trucks y la de Jai Johanny Johanson (Jaimoe).

Butch Trucks grabó e hizo giras durante años con la Allman Brothers Band hasta que el grupo se disolvió en el 2014.

Claude “Butch” Trucks era una leyenda del rock sureño, conocido como baterista fundador de toda la vida de la Allman Brothers Band” dijo Neil Portnow, Presidente/CEO de la Academia de la Grabación, “Tuvo un papel crucial en el desarrollo del sonido característico del grupo, creando la hoja de ruta para un tipo de rock que fue seguido por incontables otras bandas. Él y el resto de la Allman Brothers Band obtuvieron el Premio GRAMMY a Mejor Interpretación de Rock en 1995 y el Premio a toda una vida de la Academia de la Grabación en 2012. Nuestras más profundas condolencias se dirigen a la familia, amigos y colaboradores creativos de Butch.”

Fallece Stanley “Buckwheat”, uno de los grandes del Zydeco

El acordeonista Stanley “Buckwheat” Dural falleció el 24 de septiembre en un hospital de Lafayette, Luisiana. Tenía 68 años de edad. Stanley “Buckwheat” era el líder de una de las bandas más grandes de zydeco, Buckwheat Zydeco.

Buckwheat Zydeco encarnaba un género y representó a una comunidad con su estilo de tocar que llevó la música zydeco netamente criolla a los aficionados de todo el mundo. Buckwheat Zydeco actuó en ambas inauguraciones del presidente Clinton, hizo una gira con Eric Clapton, y colaboró con una lista interminable de artistas durante su carrera de más de 40 años. Ganó un Emmy por su trabajo en televisión y un GRAMMY en el género que ayudó a definir. El mundo ha perdido a uno de los grandes de la música actual. Nuestros pensamientos están con su familia y amigos“, dijo Neil Portnow, Presidente / CEO de La Academia de la Grabación.

Stanley ” Buckwheat” Dural, Jr. nació en 1947 en Lafayette, Luisiana, una comunidad en donde muchas personas negras expresan su herencia criolla tocando y bailando el Zydeco. Este género híbrido combina ritmos afrocaribeños y blues, con soul, rock, country y la música cajún.

Fallece Pádraig Duggan de Clannad

Pádraig Duggan (izquierda) con Clannad
Pádraig Duggan (izquierda) con Clannad

El guitarrista y autor irlandés Padraig Duggan, uno de los fundadores del célebre grupo de música celta Clannad, ha fallecido hoy, 9 de agosto de 2016 en Dublín.

Pádraig nació el 23 de enero de 1949 en Gweedore, Condado de Donegal en el noroeste de Irlanda. Pádraig y su hermano gemelo, Noel tocaban música desde la infancia.

Después de actuar con grupos de baile en su juventud, Pádraig y Noel, junto con su sobrina y sobrinos, Moya, Ciaran y Pol Brennan, formaron Clannad a principios de 1970. Clannad se convirtió en una de las bandas más famosas de la música irlandesa de todos los tiempos.

En la década de los 1990, Padraig y Noel hicieron giras con el grupo alemán de música celta Norland Wind.

Pádraig y Noel lanzaron un álbum de canciones tradicionales y baladas en la lengua irlandesa, junto con canciones propias en inglés, titulado Rubicon en 2005. El disco contó con la participacion de Moya Brennan, Finbar Furey, Orla Fallon (Celtic Woman), y dos miembros de Norland Wind: Thomas Loefke y Kerstin Blodig.