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Miguel Zenón realizará conciertos benéficos para Puerto Rico

Miguel Zenón – foto realizada por Jimmy Katz

El reconocido saxofonista y compositor Miguel Zenón se presentará con el MIT Festival Jazz Ensemble, con Fred Harris, director musical y el clarinetista y compositor Evan Ziporyn en conciertos benéficos que celebran la resistencia del pueblo puertorriqueño.

Los conciertos tendrán lugar:

• Viernes, 2 de marzo, 20:00 (8 p.m.) en el Auditorio Kresge del MIT, 48 Massachusetts Avenue, Cambridge, MA. Boletos $ 15- $ 20. Para obtener información, visite www.eventbrite.com

• Sábado, 3 de marzo, 20:00 (8 p.m.) en el Auditorio de la Escuela de Trabajo Social Silberman en Hunter College, 2180 Third Avenue, New York City. Boletos $ 15- $ 20. Para obtener vaya a www.eventbrite.com

Aunque ya no son noticias de primera plana, todavía hay mucha necesidad en Puerto Rico“, dice Zenón. “Estoy muy entusiasmado con estos conciertos y estoy agradecido a Fred y MIT por habermos reunido. Los beneficios están destinados a recaudar fondos, así como a crear conciencia sobre la situación en la isla“.

Zenón ha sido artista residente dos veces en el MIT, más recientemente en 2015 para el estreno de su composición para la agrupación de viento Music as Service, que fue el tema de la película documental del MIT Call and Response.

Ambos conciertos presentarán el estreno mundial de En Pie De Lucha de Zenón, un homenaje a la gente de su país de origen. “La pieza fue inspirada por la resistencia y el coraje del pueblo puertorriqueño durante estos tiempos difíciles. Es un tributo a aquellos que se quedaron en la isla después de la destrucción, que estaban dispuestos a luchar y reconstruir su país.”

Todos los fondos recaudados serán donados al Fondo de Recuperación de Puerto Rico.

Zenón nació y creció en San Juan, Puerto Rico. Ha lanzado diez grabaciones como líder, incluyendo Tipico (2017) e Identities Are Changeable (2014). Como músico acompañante ha trabajado con grandes del jazz como The SFJAZZ Collective, Charlie Haden, Fred Hersch, Kenny Werner, David Sánchez, Danilo Pérez, The Village Vanguard Orchestra, Guillermo Klein y Los Guachos, The Jeff Ballard Trio, Antonio Sánchez, David Gilmore, Paoli Mejias, Brian Lynch, Jason Lindner, Miles Okazaki, Ray Barreto, Andy Montanez, Jerry González y The Fort Apache Band, The Mingus Big Band, Bobby Hutcherson y Steve Coleman.

Como compositor, ha sido comisionado por SFJAZZ, el Consejo Estatal de Nueva York para las Artes, Chamber Music America, Logan Center for the Arts, The Hyde Park Jazz Festival, John Simon Guggenheim Foundation, Jazz Reach, Peak Performances, MIT, PRISM Cuarteto y muchos de sus colegas.

Zenón ha impartido cientos de conferencias y clases magistrales en instituciones de todo el mundo, y es miembro de la facultad permanente en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra.
En 2011 fundó Caravana Cultural, un programa que presenta conciertos de jazz gratuitos en zonas rurales de Puerto Rico.

En abril de 2001, Zenón recibió una beca de la prestigiosa Fundación John Simon Guggenheim. Más tarde ese año fue uno de los 25 individuos distinguidos elegidos para recibir el codiciado MacArthur Fellowship, también conocido como la “Beca para los genios”.

El pequeño sueño de Alfredo Rodríguez

Alfredo Rodríguez – The Little Dream

The Little Dream“, la canción que da título al cuarto álbum del pianista y compositor cubano Alfredo Rodríguez (Mack Avenue Records), refleja la esperanza que los niños tienen de construir un futuro mejor, donde los pequeños sueños se manifiestan grandiosas realidades.

No hay mejor ejemplo de esto que el propio viaje personal de Rodríguez: desde sus humildes comienzos en Cuba hasta su descubrimiento por Quincy Jones, dejando a su familia para emigrar a los Estados Unidos y perseguir su propio sueño. En la última década, Rodríguez pasó de ser un joven artista local cubano a ser un nominado al Grammy mundialmente reconocido con tres álbumes aclamados por la crítica en Mack Avenue Records: Sounds of Space (2011), The Invasion Parade (2014) y Tocororo (2016).

Con los años, las giras mundiales de Rodríguez han moldeado su diverso punto de vista global. “Creo que las personas son más similares que diferentes. Vivimos en un tiempo en el que tenemos muchas maneras de informarnos, y sin embargo, algunos lugares, y personas, eligen permanecer aislados. Como resultado, el mundo puede carecer de paz y empatía, en lugar de mostrar unidad y tolerancia “.

En un momento en que los gobiernos quieren construir muros en lugar de puentes, y programas edificantes como DACA (Acción diferida para llegadas infantiles) están siendo rescindidos en Estados Unidos, Rodríguez entiende cuán importantes son los “sueños”, especialmente para los jóvenes de hoy y los niños inmigrantes conocidos como ” Dreamers “- para dar forma a un futuro más unificado.

Alfredo Rodríguez explica: “El título de mi nuevo álbum, The Little Dream, es mi respuesta a nuestro clima mundial actual. El título proviene de mi fascinación por el mundo de los sueños, que es
una hermosa manifestación de nuestra realidad. Mi mayor sueño es uno donde todos los humanos vivan felices y en paz. Los niños son la esperanza y la respuesta para crear un mundo de amor, paz, unidad y comprensión
“.

The Little Dream se grabó en solo dos días, y la mayoría de los temas se hicieron de forma impresionante en una toma. Rodríguez da detalles: “No me gusta la perfección en el sentido común de la palabra.  Para mí, la perfección es cómo reaccionamos inicialmente ante algo, y eso hace que mi música sea mejor y más honesta. Lo más hermoso para mí es cuando toco y ocurre lo contrario de lo que pretendía, ¡así que tengo que encontrar una solución mientras estoy interpretando! La música es como la vida, se trata de adaptación y transformación en el momento “.

Los dos músicos que acompañan a Rodríguez en The Little Dream y que ayudaron a dar forma al álbum son Michael Olivera y Munir Hossn. “He estado de gira y tocando con Michael y Munir en los últimos años, por lo que The Little Dream es un testimonio del sonido que hemos desarrollado“.

Quincy Jones continúa sirviendo como productor, y Rodríguez nunca deja de aprender de su maestro. “Quincy siempre me impresiona, y para un joven músico, es una oportunidad increíble para estar cerca de una leyenda. Quincy ha afectado mi vida de muchas maneras positivas; él es mi mentor y el músico más abierto que conozco. Su influencia me ha hecho una mejor persona y un mejor músico “.

A medida que el jazz ve un resurgimiento en el público más joven, Rodríguez está liderando el camino para la nueva ola de músicos cubanos, incluidos los antiguos colaboradores Ibeyi y Pedrito Martínez. La rica historia musical de Cuba finalmente se está exponiendo a un público más amplio, que siempre ha sido una esperanza para muchos artistas futuros.

Rodríguez regresa al título El pequeño sueño: “trata sobre el niño que está dentro de todos nosotros y cómo la imaginación y la creatividad son mensajes de esperanza”. Nadie sabe mejor que yo que un pequeño sueño puede convertirse en un gran sueño, y los grandes sueños pueden convertirse en realidad“.

Compra: The Little Dream“, la canción que da título al cuarto álbum del pianista y compositor cubano Alfredo Rodríguez

Omar Sosa y NDR Bigband graban ‘Es:sensual’

El gran músico cubano Omar Sosa y la orquesta alemana NDR Bigband han grabado un álbum nuevo titulado ‘Es:sensual‘. El álbum saldrá al mercado el 19 de enero de 2018.

 

Omar Sosa y la orquesta alemana NDR Bigband

 

Es:sensual ofrece una continuación de la colaboración del pianista y compositor Omar Sosa con la NDR Bigband de Hamburgo (Norddeutscher Rundfunk) y el aclamado compositor y arreglista brasileño Jaques Morelenbaum, cuya colaboracion inaugural se puede escuchar en el CD de Omar Sosa-NDR Bigband, Ceremonia (Otá, 2010).

 

Omar Sosa y Jaques Morelenbaum

 

‘Es:sensual’ ha sido grabado en los estudios de Hamburgo de la NDR bajo la dirección de Sosa y Morelenbaum. Es:sensual contiene arreglos nuevos de temas de los CDs de Omar Free Roots (1997), Mulatos (2004), Promise (2007), Across the Divide (2009) e Ilé (2014).

Compra Es:sensual

Salseros y músicos de jazz recaudarán fondos para Puerto Rico esta noche

Algunos de los mejores músicos de salsa y jazz darán un magnífico concierto esta noche en Nueva York para apoyar a los músicos de Puerto Rico. El espectáculo, titulado Salsa Meets Jazz for Puerto Rico!, lo van a presentar el gran percusionista Bobby Sanabria y Joann Jiménez. El evento tendrá lugar a las 19:30 en la sala (Le) Poisson Rouge.

Están previstos los siguientes artistas: David Amram, Paquito D’Rivera, Cándido, Jimmy Owens, Randy Brecker, Larry Harlow, Eddie Montalvo, Brenda Feliciano, Antoinette Montague, los poetas Mariposa y Felipe Luciano, el DJ Antonio Ocasio y muchos más.

Las puertas abren a las 18:30 (6:30 p.m.), el concierto comienza a las 19:30 (7:30 p.m.)
(Le) Poisson Rouge, 158 Bleecker Street
Nueva York, NY 10012, 212-505-FISH

Más detalles en lpr.com

Festival de jazz de San Sebastián – Jazzaldia 2017

Cinco días parecen, en principio, ser pocos días para desarrollar en plenitud un ambicioso y detallista festival de jazz, o de cualquiera otra actividad musical y/o artística.

El Jazzaldia 2017 demostró que, en tan breve espacio de tiempo, se puede ofrecer un panorama amplio y variado de la situación del jazz mundial. Solo hace falta que en esa “manita” de jornadas no haya prácticamente un momento de respiro, un espacio para la reflexión y el recuento.

Pasados unos cuantos días, madurada la opinión, se ilumina el inventario, se separa el oro de la ganga, se vislumbra el factor perdurable y el que tan solo fue pasajero, fulgor de un breve momento.

Las estrellas luminosas – Wayner Shorter, Brian Ferry, Macy Gray brillan con luz propia

En la retina y en el recuerdo de esta 52 edición del Jazzaldia quedarán para nosotros algunos nombres propios, estrellas luminosas en el firmamento de las húmedas noches donostiarras.

 

Wayne Shorter

 

Wayne Shorter Quartet

Abrió el certamen, y esa ya fue toda una declaración de principios de parte de la organización del evento. Jazz en estado puro para que no haya lugar a confusiones. Este sigue siendo, esencialmente, un acontecimiento fiel a sus esencias, a sus principios, por más que, lógicamente, los tiempos hayan cambiado y los conceptos y campos musicales hayan abierto y expandido sus fronteras.

El saxo Wayne Shorter es leyenda viva del jazz contemporáneo, y sigue demostrando cada día el porqué. Acompañado de terceto de lujo (Danilo Pérez, piano; John Patitucci, contrabajo y Brian Blade, batería), Shorter irrumpió en el hasta entonces impávido auditorio del Kursaal con fuerza descomunal, tórrida cascada sonora, fuerza vital de la naturaleza.

Ninguna sorpresa, eso sí, y recurrente repertorio, si se quiere, pero si el jazz actual es algo, es esto. Pese a su veteranía, Shorter no regatea esfuerzo, ni evade su responsabilidad de visionario ni se limita a cubrir el expediente. Si no es la taza de té de todo el mundo (un sonido a veces áspero,en ocasiones, caótico), no se le puede negar su maestría ni su técnica, no depurada, sino lo siguiente.

Un entusiasta y siempre excesivo/exultante Carlos Boyero comentaba, medio en broma, medio en serio, a la salida del recinto: “¿Mejor músico del siglo XX ? Ni Bob Dylan, ni Leonard Cohen…Wayne Shorter”. Si él lo dice…

Brian Ferry

Bryan Ferry © Lolo Vasco, Heineken Jazzaldia 2017

 

La elegancia y espectacularidad del mejor pop-rock, entendido como fenómeno de masas de nuestros días. Deslumbrente puesta en escena, inigualable luminotecnia escénica, para un sonido tan rotundo como matizado. Chapeau para los técnicos de la mesa de mezcla. ¡Qué brillantez, que claridad, que sencilla complejidad! Y la voz de los recordados Roxy Music en su total madurez vitalista.

Sobrio de comportamiento gestual, pero expresivo a tope solo con su presencia, carismática a más no poder. Repertorio entre el pop, el soul, el ritmo y blues, la balada. Referencias dylanescas, cómo no, en un homenaje inevitable de quien ya cantara con éxito “A hard rain’s a gonna fall”. Ahora fue una escondida pero no menos real “A simple twist of fate”, creo recordar, de aquel magistral album “Blood on the tracks”..

.Brian finalizó, sin despeinarse como siempre, con el lennoniano “Jealous guy”, tras haber transitado por terrenos de la Tamla Motowm, el medio “country” de las praderas anglo-americanas y el primigenio rock and roll: “Let’s stick together”. Casi un prodigio total.

Macy Gray

Macy Gray © Lolo Vasco, Heineken Jazzaldia 2017

 

Desbordante ritmo y blues de nuevo cuño, donde tiene cabida el clasicismo del género, pero también el fresco soplo de las nuevas expresiones hip hoperas.

Actriz y cantante, sin llegar nunca a una Etta James ni mucho menos a una Aretha, Macy demuestra tener la lección bien aprendida y se conoce los trucos del género y del “show business”: saca a escena a su pequeño hijito danzarín, que hace las delicias del público con su “tap dance” y su señuelo de orgullo racial. Por si queda alguna duda de lo que propone Gray, su “bis” final lo dice todo:”What a wonderful world”. Louis Armstrong, “Satchmo”, estuvo en el comienzo de todo esto y también en el inicio de un cierto conformismo estético y social.

Gray puso la simpatía imbatible, la alegría de vivir y un punto de guiño político: “¿Qué es lo mas bonito del mundo? -se dirigió al personal- ¿El dinero? ¿El amor? El sexo?,” y, entre aullidos finales, la respuesta correcta: “La libertad”. Ohhhhh ¡¡¡¡

El Resto – Herbie Hancock, Abdullah Ibrahim y Gregory Porter ofrecen sólidos recitales

 

Abdullah Ibrahim © Lolo Vasco, Heineken Jazzaldia 2017

 

En un programa tan amplio y abigarrado como el de Jazz Donostia 2017, solamente podemos dejar constancia de algunos nombres y conciertos, ante la imposibilidad de tratar todos y cada uno de ellos como si de una crónica diaria se tratase.

Asi, el Herbie Hancock Quintet, con su desparrame electro-funky, desbordamiento sónico y alarde virtuoso no exento de cierta auto-complacencia. El teclista de cien aventuras y mil artilugios no ha sido nunca amigo de melodías fáciles, improvisaciones aleatorias ni facilidades mayores para un público “menos entendío”. En San Sebastián hizo honor a tales premisas.

Abdullah Ibrahim y Terence Blanchard. Otro pianista, de origen sudafricano (Dollar Brand, aka A. Ibrahim) se muestra mucho más cercano a nuestra sensibilidad. Sin nada que envidiar a nadie, se muestra cercano, cálido y glorioso por momentos. El trompetista Terence Blanchard, que sustituyó en las semanas previas a un convaleciente Hugh Masekela responde con gusto y le hace los honores. Gran concierto.

Kamasi Washington, Terence Blanchard y Joe Lovano, vientos en popa

Kamasi Washington © Lolo Vasco, Heineken Jazzaldia 2017

 

La voz (masculina) más importante del jazz actual“. Así rezaba la promoción de Gregory Porter y así se hizo valer. Preciosa tesitura vocal, timbres delicados, sinuosidades estilísticas, Porter sigue la senda de los mejores y los más clásicos de su porte (perdón por el chiste fácil). Kamasi pertenece ya a la saga inacabable de majestuosos saxos de la historia del jazz. En una tierra de saxos, él se aproxima ya a la cima.

 


Charles Lloyd Premio Donostiako Jazzaldia Saria © Lolo Vasco, Heineken Jazzaldia 2017

 

Hubo otros egregios representantes del más sexy de los instrumentos sonoros: Joe Lovano, inmaculado como siempre; Ray Gelato, resultón y entrañable. Y, por supuesto Charles Lloyd, muy merecido Premio Donostia de este año, quien, al frente de su cuarteto, dejó testimonio de por qué está considerado uno de los “absolutamente grandes”, que diría desde las ondas populares el legendario e inmarchitable Gonzalo Garciapelayo en los años 70. Una larga historia contempla a Lloyd, ya sea al lado de Keith Jarrett o Jack DeJohnette o bien al frente de sus múltiples experiencias individuales y colectivas.

Flecos Euskaldunes y otros – Iñaki Salvador, Elena Setién, meritorios flecos vascos

 

Elena Setién © Lolo Vasco, Heineken Jazzaldia_2017

 

El jazz (o aledaños) euskaldun/vasco tuvo representación genuina. Iñaki Salvador es ya, a estas alturas, un músico no ya a considerar, sino a reconsiderar. Madurez artística sin tapujos, humildad a prueba de divos y otras hierbas, Salvador hizo esta vez su homenaje particular al legendario Thelonious Monk, y lo realizó con espíritu encomiable, fé y fidelidad al maestro.

Hubo otros tributos en un año de especiales dedicatorias. Deborah Carter recordó los 100 años del nacimiento de la inmensa Ella Fitzgerald, inigualable por muchos siglos que pasen. Chris Kase Sextet hizo la propio con otro centenario ilustre, Dizzy Gillespie. Y el también vasco Mikel Andueza se atrevió nada menos que con los “50 años del nacimiento de John Coltrane”. Ahí es nada.

Una agradable sorpresa y en cierta manera un descubrimiento para muchos fue la “premiere” en estamento jazzístico de Elena Setien, con su concierto matutino en el siempre abarrotado Museo de San Telmo: “Dreaming of Earthly things” fue un cautivador concierto de una figura en ciernes que habrá de confirmar la alternativa.

Quedan muchas cosas en el tintero virtual del espacio y del tiempo: la banda rockera Pretenders, con la espléndida e histórica Chrissie Hynde al frente; Robert Glasper Experiment, Hiromi, Gabacho Maroc, Chano Dominguez, Stefano Bollani y, lo más insólito de todo, el grupo de cámara Arfolia Libra, una curiosa (aunque aún verde) aproximación a espacios a priori tan diferentes como Michael Nyman, J.S.Bach, el Kronos Quartet y otras eximias e inclasificables, benditas ellas, nuevas sonoridades.

Foto de cabecera: Herbie Hancock © Lolo Vasco, Heineken Jazzaldia 2017

Borrachera de amor

Ficha técnica:

Bob Dylan – Triplicate (Columbia Records, 2017)

Intérpretes: Bob Dylan (voz), Tony Garnier (bajo), Charlie Sexton (guitarra), Donnie Herron (steel guitar), Dean Parks (guitarra), George Receli (batería). Producido por Jack Frost (alias Bob Dylan).

No uno sino tres discos, de una sola tacada, de parte de Mr. Tambourine Man para demostrarnos una vez más, por si hacía falta, que no solo es uno de los mejores cantantes de todos los tiempos (sí, señores escandalicensen, sí), sino que toda su obra, ya extensa de 76 años de edad, 55 de actividad artística, doscientos conciertos al año, cuarenta discos originales, otros tantos (o muchos más) de los llamados “piratas”, cientos y cientos de versiones de canciones propias o ajenas…en fin, con Dylan todo es desmesurado. Y por si fuera poco, para escarnio de ignorantes y advenedizos, Premio Nobel de Literatura. Ahí queda eso.

Pero datos y datos palidecen frente a la auténtica realidad. Todo la obra de Mr.Zimmermann, desde el primer surco de su primer disco hasta la última estría de este triple “Triplicate” (que quede claro) está recorrida por un solo sentimiento (eso sí, en sus múltiples, inacabables variantes): el amor. Amor por la vida, amor por la raza humana, amor por las mujeres, amor por su país y, sobre todo, amor por la música.

No de otra forma se puede entender esta borrachera de sentimientos desplegada en este álbum triple. Después de pasearse con genio y figura por todos los géneros de la música popular estadounidense, desde el folk primigenio y esencial de Woody Guthrie, hasta el “blues” de Robert Johnson y tantos otros, pasando por el gospel/espiritual de los Staple Singers (Mavis, uno de sus grandes amores), la “topical song”, la canción denuncia, el primer rock and roll, la generación “beat” de su amigo Allen Gingsberg, su complicidad complicada con la Queen Joan Baez, su magisterio folk-country con The Band…Blind Boy Grunt viene a decirnos que las grandes voces clásicas, los “crooners”(Bing Crosby, Frank Sinatra, Hoagey Carmichael, Mel Tormé, Tony Bennet, Jack Jones) también le pertenecen, son también su patrimonio.

 

Bob Dylan – Triplicate (vinilo)

 

Disco 1

“Til the sun goes down” marca la pauta de estas 30 nuevas canciones, porque, aun siendo viejas, D. las hace suyas, frescas, propias. Es un Dylan taciturno, romántico, nostálgico. Voz frágil, quebradiza, rota por momentos, que dará pábulo para que algunos listillos digan que a) no tiene voz, o b) que este señor no sabe cantar. Benditas sean las orejas de algunos. Títulos que lo dicen todo : “I could have told you” (arrepentido), “Once upon a time” (curioso…”like a rolling stone”), sereno, rememorativo, puro sonido años 30), el famoso “Stormy weather”, emoción a punto de estallar, “That old feeling” (te ví la pasada noche…cuando viniste, tuve ese viejo sentimiento), “My one and only one” (“pensar realmente en ti, me hace sentir bien), para acabar con un toque ligero, algo optimista y con la alegria del “swing” : “Trade Winds”

 

 

Disco 2

“Devil dolls”. Los peligros de la gloria, la belleza marchita, las luminarias engañosas. Muñecas diablesas, sean reales, imaginadas o ficticias. No puede faltar “As time goes by”, himno para “lovers” donde los haya. “P.S.I love you” (nada que ver con la canción del mismo nombre de The Beatles) : “toma de nuevo la pluma, y escribe…”, promesa de nuevas canciones que habrán de llegar, porque “lo mejor está aún por venir” -ya lo dijo también allá por 1969 en “New morning”-, “But beatiful”, “Here´s that rainy day”..fogonazos del lado más soleado de la calle, que también haylos…Algunos de estos temas, como “Braggin'” podian haber tenido cobijo también en “Love and theft”, álbum premonitorio del actual, al tiempo que “Xmas in the heart”.

Disco 3

“Comin´home late”. Quinto y último disco, por el momento, dedicado a la era pre-industrial, pre-voracidad capitalista, esos tiempos felices de la inocencia, de la sencilla vida familiar alrededor de una vieja Victrola. “Shadows in the night” y “Fallen angels”, los dos anteriores álbumes del aspirante a Carusso enseñaban ya la senda. Nadie puede llamarse a engaño con este Traveling Wilbury. “Day in, day out” es pura explosión de júbilo, mientras “Sentimental journey” habla del olvido; “Somewhere along the way” y “When the world was young” insisten en la nostalgia creativa, mientras la voz se desvanece. “These foolish things” nos recuerda eso, las cosas tontas y absurdas de la vida, a la que damos tanta importancia. “Stardust” es un clásico donde los haya, de Nino Tempo y April Stevens a las pelis del no menos romántcio Woody Allen. “Tiene gracia para todo el mundo, pero no para mí” marca el territorio que va de lo frívolo a lo grave, nuestro amigo no está para bromas. Para el último tema de la saga queda una pregunta : “Why I was born?”

Tú ¿qué crees, amigo. ? ¿Naciste para ser salvaje? (Steppenwolf). O ¿naciste para estar conmigo? O simplemente, naciste destinado a la gloria (de nuevo, Woody). Creo, Bob, que naciste para confundir a unos cuantos, arremeter contra otros tantos impíos, señores de la guerra, incurrir en contradicciones (humano al fin y al cabo). Y sobre todo, naciste para hacernos felices a otros muchos privilegiados.

 

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Darío Boente de gira por Argentina.

El pianista y compositor argentino radicado en Estados Unidos, Darío Boente, trae su jazz fusión desde Nueva York presentándose en formato trío en la Usina del Arte y Boris Club de Buenos Aires; y luego girará por La Plata, San Juan y San Luis con shows y clínicas musicales.

La música de este virtuoso pianista se destaca por ser una moderna fusión del jazz, las raíces argentinas y un espíritu cosmopolita surgido de sus experiencias en distintos países. Boente nació en Buenos Aires, creció en España, se formó musicalmente en Boston, Nueva York y Londres, y desde hace veinte años vive en Nueva York, donde es parte de la escena de Jazz Latino.

Su sexto álbum de estudio “Limelight” reúne a importantes músicos de nivel internacional, como Antonio Sánchez (baterista de Pat Metheny, ganador de cinco Premios Grammy y creador de la música de la película “Birdman”); y los argentinos Pablo Aslán en contrabajo, Juan Pablo Jofré en bandoneón y el ganador del Grammy Fernando Otero.

En sus conciertos de Buenos Aires, Boente formará un trío con los destacados músicos locales Matías Méndez en bajo (L.A. Spinetta) y Diego Alejandro en batería, para interpretar sus composiciones propias incluidas en “Limelight”, adaptaciones acústicas de discos anteriores y versiones de jazz clásico. En esta nueva visita a Argentina, el pianista también ofrecerá un show en la ciudad de San Juan y brindará clínicas musicales en La Plata y en San Luis, donde también actuará en formato dúo.

Boente es un pianista versátil; explora el terreno instrumental con base en el jazz, combinando variados estilos y dando lugar a exquisitas improvisaciones. Sus influencias van de Piazzolla a Chick Corea, de Chopin a Herbie Hancock. A lo largo de su carrera y en diferentes proyectos artísticos ha conjugado los sonidos del jazz, tango, flamenco, funk, dance, groove y hasta la música electrónica.

Ha actuado en más de 20 países de los cinco continentes, presentando su música en escenarios como el Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires; Royal Albert Hall de Londres; Lincoln Center y los prestigiosos clubes de jazz The Blue Note y Birdland de Nueva York. Recientemente, ha compuesto junto a Antonio Sánchez la banda sonora para la película inglesa “The Hippopotamus” a estrenarse este año.

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Shows:

Viernes 2 de junio: Usina del Arte – Ciudad de Buenos Aires
Dario Boente Trio: “The New York / Buenos Aires Connection”
Darío Boente en piano, Matías Méndez en bajo y Diego Alejandro en batería.
20.00 horas – Sala de Cámara – Caffarena 1, La Boca – Entrada gratuita; se entregan hasta 2 por persona desde 2 horas antes de la función.

Martes 6 de junio: Boris Club – Ciudad de Buenos Aires
Darío Boente / Jazz & World Music Experience
Darío Boente en piano, Matías Méndez en bajo y Diego Alejandro en batería.
21.30 horas – Gorriti 5568, Palermo – Entrada: $150.

Viernes 9 de junio: Boliche Don Miranda – Villa Mercedes, San Luis
Dario Boente en concierto
Dario Boente (EE.UU.) en piano, Juampy Juárez (Buenos Aires) en guitarra, Esteban Ramos en guitarra (San Luis)
22.00 horas – Dirección: Calle Angosta y Mitre, Villa Mercedes – Entrada $120

Domingo 11 de junio: Auditorio Juan Victoria – San Juan
Darío Boente en piano y Juampy Juárez en guitarra. Invitado especial: Tito Oliva en piano.
Dirección: 25 de mayo 1215, Ciudad de San Juan – Entrada: $100

Clínicas musicales:

Jueves 1° de junio – La Plata, Buenos Aires. Emu Educación Musical (Diagonal 73 N° 2160, entre 46 y 47).

Sábado 10 de junio – Villa Mercedes, San Luis. Mi espacio de Música e Imagen (Pasaje San Martín 961).

Marcos Cabezaz, nuevo disco y presentación en vivo.

El original marimbista argentino Marcos Cabezaz lanza y presenta “1200 metros” (PAI Records), su primer disco solista. Un aporte único y excepcional a la música que será presentado en la Usina del Arte de Buenos Aires el próximo 21 de mayo con entrada gratuita.

Marcos Cabezaz es un explorador de la música y de la marimba. Lleva años recorriendo armónica y melódicamente las posibilidades de interpretación de este particular instrumento, creando un estilo propio que puede abrir puertas entre la realidad y otros  mundos invisibles.

1200 metros” es una muy buena oportunidad para escuchar una propuesta particular, diferente, como una huella dactilar hecha música. La formación de Cabezaz y su camino de exploración de años están plasmados en este disco que expresa la sencillez y profundidad de la experiencia mediante la magia de la vibración sonora buscada con mucho tino y fruición.

 “1200 metroscontiene una selección de 10 piezas para marimba en la que conviven ritmos rioplatenses y del folclore rural argentino con elementos que provienen de la música académica y el jazz. Incluye cuatro temas que desarrollan la técnica de seis baquetas, en una búsqueda por ampliar las posibilidades armónicas del instrumento.

Todos los temas del disco son compuestos y ejecutados por Cabezaz con marimba “casi sola” a 4 y 6 baquetas, así como vibráfono, glockenspiel, kalimba, bombo legüero, caja, semillas, tam tam, cuencos tibetanos y triángulo.

1200 metros” será presentado en la Ciudad de Buenos Aires, el domingo 21 de mayo a las 19 hs. en la sala de Cámara de la Usina del Arte, Cafarena 1, esquina Av. Pedro de Mendoza, La Boca. Entrada gratuita (se retiran hasta 2 localidades p/persona 2 horas antes de cada espectáculo en el puesto de Informes de la Usina) con  Juan Carlos “Mono” Fontana en teclados, Nora Sarmoria en piano, Facundo Ferreira en percusión y Yamila Bavio en saxos como invitados.

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Elianes Elias saluda a la samba

Eliane Elias – Dance of Time (Concord Records, 2017)

La pianista paulistana (oriunda de San Paulo, Brasil) Eliane Elias, con 57 años ya cumplidos el pasado19 de marzo y con 24 discos bajo los brazos dice presente. Una carrera prolífica y extensa. Carrera que toma otro giro cuando la brasileña decide abrazar la vocalización.

Es evidente para unos que la Eliane-vocalista va en detrimento de la Eliane-pianista. Tal vez el mundo del jazz no ofrece muchas oportunidades para esos meros instrumentistas. Abrirse al mundo vocal ofrece facilidades de tocar otras puertas. El público tiende a identificarse con los intérpretes. No es un hecho fortuito que la pianista canadiense Diana Krall también saltara primero al canto, pese a las limitaciones.

No teman, la Eliane-pianista no desaparece en “Dance of Time”. Su piano bulle, vibra y se disfruta a plenitud. El álbum es un equilibrado ejercicio de temas sopesados con exquisitez, invitados bien conducidos (no meras visitas) y una producción impecable.

Es producido por la misma Elias junto a su esposo, el bajista Marc Johnson y Steve Rodby. Fue grabado en Brasil y toma como partida los cien años de la samba. Hay que destacar como el recurso vocal permea unos temas de manera esplendida. Lo hace desde el fondo, sirviendo de lienzo para preparar a que la melodía despunte y brille. Corre bajo la responsabilidad del integrante de Take 6, Mark Bibble. Se aprecia la voz en “Copacabana” y de manera aún más atractiva en la samba de medio tempo “By hands” y en “Speak low”.

Es, sin embargo, su dueto con Joao Bosco en la samba jazzeada “Cosa feita” resulta la verdadera joya del disco. Plácido y con balanceado gusto. Dulcemente vertiginoso y el piano de Eliane tocando ese lado derecho de los teclados. Su tarareo sin fin está garantizado.

Cuando Eliane interpreta en su idioma portugués se disfruta todavía más por la espontaneidad y la musicalidad del lenguaje. En esas baladas de media luz, se maneja con sensualidad e intimidad.

Unas figuras importantes en la carrera de la brasileña aparecen aquí. Tal como su ex esposo Randy Brecker en la trompeta de “Speak Low” y el vibrafonista Mike Mainieri en la tenue y precisa balada “Little Paradise”.

Otros importantes músicos brasileños dejan su huella como el guitarrista Marcus Teixeira, el bajista Marcelo Mariano, el batería Edu Ribeiro, el guitarrista Conrado Goys, los percusionistas Gustavo di Dalva y Marivaldo dos Santos. Además, el veterano pianista Amilton Godoy, figura vital en la vida música de la paulistana.

Un disco con marcada esencia brasileña y una pianística sutilmente conmovedora.

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“Música Anfibia”, un disco para escuchar más de una vez.

Abel Rogantini Musica AnfibiaEl recientemente lanzado segundo disco del argentino Abel Rogantini es la obra de un músico que expresa un lenguaje creativo, expresivo y emocional distintivo, como una huella identificadora, única, surgida de una cultura, de unas experiencias y de una visión minimalista y a la vez abarcadora de su tiempo.

Desde los códigos del jazz, utilizando recursos como la improvisación, su lenguaje rítmico y armónico, Abel Rogantini va buceando en los códigos de géneros que empapan la cultura de Sudamérica y del Río de la Plata y sus costas. Modulando sus composiciones, aparecen el candombe, el folklore y el tango, como distintos ambientes de los que se puede entrar y salir.

Los temas del disco, compuestos por Rogantini, son impresiones del artista tomados desde el jazz y que van mutando hacia otros géneros, con melodías cargada de emoción y climas que van desde lo intenso y frenético hasta lo suave e intimista. “Música Anfibia” también incluye una par de tangos clásicos “jazzeados” (de Aníbal Troilo y José María Contursi y de Ástor Piazzolla) como una manera de dar la vuelta al revés y fusionar de todas las maneras posibles los géneros y las estéticas.

El jazz, vivido de esta manera, toma la forma de un género con identidad regional que suma elementos locales para caracterizarse dentro de un subgénero que ha tenido en el pasado algunos exponentes y que continúa hoy creciendo con “Música Anfibia

Abel Rogantini es un gran intérprete del piano, compositor y músico de escenario que en su nuevo disco lidera un cuarteto integrado por Bernardo Monk en saxos,   Pablo Motta en contrabajo, Diego Alejandro en batería, Abel Rogantini en piano y composición al que se suma como invitado  Nicolás Enrich en bandoneón.

Entre su primer trabajo discográfico “Trío(2007) y el nuevo Música Anfibia” (2016) Rogantini realizó un trabajo de desarrollo de interpretación tocando en vivo y grabando con una gran cantidad de renombrados artistas del mundo del jazz, del folklore y la música rioplatense (tango pero también candombe, formando parte durante varios años del trío de Daniel Maza, junto a Osvaldo Fattorusso).

Cabe destacar su actuación en vivo junto a Paquito D’Rivera en el Lincoln Center de NY tocando su tema “Milonguinha” o su participación como invitado junto a Franco Luciani del disco homenaje internacional a Toots Thielemans “We do it out of love”

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