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Borrachera de amor

Ficha técnica:

Bob Dylan – Triplicate (Columbia Records, 2017)

Intérpretes: Bob Dylan (voz), Tony Garnier (bajo), Charlie Sexton (guitarra), Donnie Herron (steel guitar), Dean Parks (guitarra), George Receli (batería). Producido por Jack Frost (alias Bob Dylan).

No uno sino tres discos, de una sola tacada, de parte de Mr. Tambourine Man para demostrarnos una vez más, por si hacía falta, que no solo es uno de los mejores cantantes de todos los tiempos (sí, señores escandalicensen, sí), sino que toda su obra, ya extensa de 76 años de edad, 55 de actividad artística, doscientos conciertos al año, cuarenta discos originales, otros tantos (o muchos más) de los llamados “piratas”, cientos y cientos de versiones de canciones propias o ajenas…en fin, con Dylan todo es desmesurado. Y por si fuera poco, para escarnio de ignorantes y advenedizos, Premio Nobel de Literatura. Ahí queda eso.

Pero datos y datos palidecen frente a la auténtica realidad. Todo la obra de Mr.Zimmermann, desde el primer surco de su primer disco hasta la última estría de este triple “Triplicate” (que quede claro) está recorrida por un solo sentimiento (eso sí, en sus múltiples, inacabables variantes): el amor. Amor por la vida, amor por la raza humana, amor por las mujeres, amor por su país y, sobre todo, amor por la música.

No de otra forma se puede entender esta borrachera de sentimientos desplegada en este álbum triple. Después de pasearse con genio y figura por todos los géneros de la música popular estadounidense, desde el folk primigenio y esencial de Woody Guthrie, hasta el “blues” de Robert Johnson y tantos otros, pasando por el gospel/espiritual de los Staple Singers (Mavis, uno de sus grandes amores), la “topical song”, la canción denuncia, el primer rock and roll, la generación “beat” de su amigo Allen Gingsberg, su complicidad complicada con la Queen Joan Baez, su magisterio folk-country con The Band…Blind Boy Grunt viene a decirnos que las grandes voces clásicas, los “crooners”(Bing Crosby, Frank Sinatra, Hoagey Carmichael, Mel Tormé, Tony Bennet, Jack Jones) también le pertenecen, son también su patrimonio.

 

Bob Dylan – Triplicate (vinilo)

 

Disco 1

“Til the sun goes down” marca la pauta de estas 30 nuevas canciones, porque, aun siendo viejas, D. las hace suyas, frescas, propias. Es un Dylan taciturno, romántico, nostálgico. Voz frágil, quebradiza, rota por momentos, que dará pábulo para que algunos listillos digan que a) no tiene voz, o b) que este señor no sabe cantar. Benditas sean las orejas de algunos. Títulos que lo dicen todo : “I could have told you” (arrepentido), “Once upon a time” (curioso…”like a rolling stone”), sereno, rememorativo, puro sonido años 30), el famoso “Stormy weather”, emoción a punto de estallar, “That old feeling” (te ví la pasada noche…cuando viniste, tuve ese viejo sentimiento), “My one and only one” (“pensar realmente en ti, me hace sentir bien), para acabar con un toque ligero, algo optimista y con la alegria del “swing” : “Trade Winds”

 

 

Disco 2

“Devil dolls”. Los peligros de la gloria, la belleza marchita, las luminarias engañosas. Muñecas diablesas, sean reales, imaginadas o ficticias. No puede faltar “As time goes by”, himno para “lovers” donde los haya. “P.S.I love you” (nada que ver con la canción del mismo nombre de The Beatles) : “toma de nuevo la pluma, y escribe…”, promesa de nuevas canciones que habrán de llegar, porque “lo mejor está aún por venir” -ya lo dijo también allá por 1969 en “New morning”-, “But beatiful”, “Here´s that rainy day”..fogonazos del lado más soleado de la calle, que también haylos…Algunos de estos temas, como “Braggin'” podian haber tenido cobijo también en “Love and theft”, álbum premonitorio del actual, al tiempo que “Xmas in the heart”.

Disco 3

“Comin´home late”. Quinto y último disco, por el momento, dedicado a la era pre-industrial, pre-voracidad capitalista, esos tiempos felices de la inocencia, de la sencilla vida familiar alrededor de una vieja Victrola. “Shadows in the night” y “Fallen angels”, los dos anteriores álbumes del aspirante a Carusso enseñaban ya la senda. Nadie puede llamarse a engaño con este Traveling Wilbury. “Day in, day out” es pura explosión de júbilo, mientras “Sentimental journey” habla del olvido; “Somewhere along the way” y “When the world was young” insisten en la nostalgia creativa, mientras la voz se desvanece. “These foolish things” nos recuerda eso, las cosas tontas y absurdas de la vida, a la que damos tanta importancia. “Stardust” es un clásico donde los haya, de Nino Tempo y April Stevens a las pelis del no menos romántcio Woody Allen. “Tiene gracia para todo el mundo, pero no para mí” marca el territorio que va de lo frívolo a lo grave, nuestro amigo no está para bromas. Para el último tema de la saga queda una pregunta : “Why I was born?”

Tú ¿qué crees, amigo. ? ¿Naciste para ser salvaje? (Steppenwolf). O ¿naciste para estar conmigo? O simplemente, naciste destinado a la gloria (de nuevo, Woody). Creo, Bob, que naciste para confundir a unos cuantos, arremeter contra otros tantos impíos, señores de la guerra, incurrir en contradicciones (humano al fin y al cabo). Y sobre todo, naciste para hacernos felices a otros muchos privilegiados.

 

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23 Edición del Festival “Musiques Sacrées Du Monde” De Fes (Marruecos)

Toumani Diabate, Vicente Amigo y Stelios Petrakis, puntos álgidos de un festival en transición.

Del 12 al 20 del pasado mes de mayo tuvo lugar en Fes, la capital espiritual y mística del Islam, una nueva celebración colectiva de las músicas llamadas “sagradas”, vale decir, sonoridades y expresiones que enlazan con los más profundos sentimientos religiosos (y muchas veces profanos) del individuo de cualquier parte del planeta.

Edición de transición, sin duda, no tanto por la escasez de primerísimas figuras del panorama global, cuanto por la dispersión de actos, la ausencia de una adecuada información y promoción de los conciertos y, sobre todo, la distancia elitista y separadora que sigue existiendo entre el “festival rico” (los grandes espectáculos en el impresionante palacio Bab Makina) y el “festival para la plebe”, en las abigarradas y multitudinarias plazas y zocos de la maravillosa ciudad antigua.

 

Jardines de Fes – Foto realizada por Alvaro Feito

 

Por fortuna, un nuevo espacio logró establecerse este año como idílico y paradisiaco lugar de encuentro para propuestas estéticas diversas, casi siempre atractivas. Se trata de los maravillosos jardines de Jnan Sbil, dignos de figurar en una antología de cuentos de las Mil y una noches. Recientemente rehabilitados, se trata de un conjunto de nueve jardines reputados por la variedad de sus especies botánicas y sus infraestructuras hidráulicas (molinos de rio, juegos de agua, canales, etc.). Un verdadero oasis de verdor y fragancias que vale por si solo la visita a la ciudad santa (si no tuviera ya de por si otra gran cantidad de reclamos naturales).

El agua y lo sagrado

El lema, o leit motiv de esta edición del FèsFest, giraba en torno a “el agua y lo sagrado”, sin duda en sintonía con la conciencia cada vez más arraigada de la importancia del líquido elemento en nuestra sociedad, especialmente aquellas más desfavorecidas y olvidadas de los mundos marginados y parias. Por otra parte, el agua, con sus connotaciones bíblicas de limpieza y regeneración, era un elemento particularmente atractivo en un certamen diferente como este.

Diversos espectáculos giraron en torno a esta idea, algunos, eso sí, cogidos por los pelos o solo tangencialmente relacionados. El entorno verdeante fue un símbolo otra vez más y se convirtió en verdadero protagonista por encima de sonidos más o menos exóticos.

 


Stelios Petrakis en Fes – Foto realizada por Alvaro Feito

 

La perfecta fusión de cuerpo y espíritu la proporcionó, por ejemplo, el cuarteto cretense Stelios Petrakis, procedente de la legendaria cultura clásica que iluminó con esplendor toda una civilización eterna. Intérprete de la ancestral lira, así como actual lutier, Stelios evoca una sonoridad majestuosa y un tiempo a la medida del hombre. El bailarín Thanassis Mavrokostas sale a la palestra de vez en cuando para transportarnos a un mundo más feliz, allí donde el cosmos se funde en un puñado de melodías y ritmos endiablados.

Sin duda, uno de los mayores descubrimientos de este año, el cd-dvd “Live in Heraklion Walls” se debería colocar en el frontispicio de la mejor música del mundo. Un prodigio de poesía cantada, de amor por la vida y de sensibilidad popular elevada a categoría de arte mayor.

Flamencos Varios

A priori, una de las propuestas más inquietantes del certamen de este año, era la recuperación del proyecto Songhai, que ya hace más de 30 años reunió al grupo andaluz Ketama y al maliense Toumani Diabate, “griot” y virtuoso de uno de los artilugios sonoros más especiales del acervo tradicional, esa kora, arpa laúd de 21 cuerdas y caja de resonancia de calabaza pura y dura.

Con la presencia de los tocaores y cantaores José Miguel Carmona y Juan Carmona, y del excelente bajista Javier Colina, así como voces femeninas de “jaleo” y animación, el concierto vino lastrado por algunas deficiencias técnicas de sonido, que no estuvo a la altura de lo deseado. En especial en esos momentos de “fusión”, que no merecieron el nombre de tal. Por encima de todo, la maestría, la humildad y el buen hacer de Toumani se elevó muy por encima del resto. Improvisaciones rocambolescas, arabescos preciosistas, escalas de gran dificultad: en las manos prodigiosas de Toumani todo brilla; fuera de ellas todo languidece.

 

Vicente Amigo en Fes – Foto realizada por Alvaro Feito

 

No se acabó aquí la contribución andaluza al legado “fasi”, del que tan orgullosos se sienten los actuales habitantes de la más prodigiosa Medina del mundo islámico. El guitarrista Vicente Amigo, ya proclamado el más directo sucesor del inigualable Paco de Lucía, entregó su candidatura al efecto. Tiene todas las condiciones artísticas necesarias para lograrlo, aunque humanamente parece estar aun lejos del Maestro. Comprometido con la prensa a realizar una pequeña entrevista tras el recital, y en especial con este corresponsal, Amigo no hizo honor a su apellido y se pegó la gran espantada, dejándonos con las ganas de conocerlo un poco mejor (aunque con tal proceder también se retrató).

Su recital fue bastante interesante, en especial en su primera parte solista: “Córdoba”, “Tangos del arco bajo”, “Autorretrato”, “Estación primavera”, “Siguirilla”, “Bulería”. La segunda mitad, acompañado por gran Orquesta Sinfónica, adoleció de los defectos habituales de tal fórmula, muy propicia para lo enfático, lo “trascendente” y lo híbrido. Planteada como homenaje al excelso poeta gaditano desaparecido, Rafael Alberti, no faltaron momentos de rara intensidad y sensibilidad a flor de piel. Fragmentos de libros como “Pleamar”, “Entre el clavel y la espada”…y homenajes del músico al vate: “Guajira”, “Poeta en el viento”, “El mar de tu sentir”… Sin duda un triunfo para el maestro de excelsas cualidades y regulares modales. (Gracias a Sylvie Publikart por su amable ayuda en desentrañar este complejo “set” de canciones).

Remezclas de Elza Soares

La célebre cantante brasileña Elza Soares va a lanzar un disco con remezclas de su álbum The woman at the end of the world (La mujer del fin del mundo). El nuevo álbum se titula End of the World Remixes (Remezclas del fin del mundo).

Los encargados de las remezclas son Gilles Peterson y Simbad, el DJ Marfox & Nidia Minaj, iZem, Laraaji y otros. En las remezclas la samba de Elza Soares recibe una inyección de ritmos Afrobest, bajos electrónicos potentes, funk, jongo y pagoda.

Los Diálogos De Flamenco y Literatura comenzarán el próximo lunes en Sevilla

El lunes 5 de junio de 2017 comenzará una nueva edición de Diálogos de Flamenco y Literatura. Los encuentros se desarrollarán a lo largo de tres semanas cada lunes a las 21:00 horas en el Espacio Santa Clara de Sevilla. Este ciclo forma parte de la programación que concibe la Bienal de Flamenco denominada Bienal 365.

Diálogos de Flamenco y Literatura cuenta con la colaboración de la Fundación Lara y Casa de los Poetas y las Letras. La iniciativa reunirá a Luis García Montero con Marina Heredia (5 de junio), Pilar del Río y María Pagés (12 de junio) y Felipe Benítez Reyes con Paco Cepero (16 de junio).

El lunes 5 de junio en la sede de la Bienal de Flamenco, Espacio Santa Clara, la cantaora granadina Marina Heredia, y el escritor y profesor universitario Luis García Montero compartirán el escenario en una jornada única.

Marina Heredia, hija del cantaor Jaime el Parrón, de quien tomó la afición por el flamenco, se inició ya de niña en el cante y pronto empezó a colaborar con Miguel Ángel Cortés, La China, María Pagés y otros. Su larga trayectoria profesional la ha llevado a escenarios de todo el mundo.

 

 

Luis García Montero es poeta y catedrático de Literatura Española en la Universidad de Granada. Autor de once poemarios entre los que cabe destacar ‘El jardín extranjero’ (Premio Adonais, 1983), ‘Diario cómplice’ (1987), ‘Las flores del frío’, ‘Habitaciones separadas’ (Premio Loewe y Premio Nacional de Literatura, 1994) y ‘La intimidad de la serpiente’ (Premio de la Crítica, 2003).

Como novelista ha escrito ‘Mañana no será lo que Dios quiera’ (Libro del Año por el Gremio de Libreros de Madrid, 2009), ‘No me cuentes tu vida’ y ‘Alguien dice tu nombre’. Colabora habitualmente en medios de prensa, radio y televisión. Está considerado como uno de los poetas más importantes del panorama literario actual.

La entrada es libre hasta completar el aforo.

Mogoya de Oumou Sangare el mejor disco de músicas del mundo del mes de junio de 2017

El disco Mogoya (Nø Førmat!) de la célebre cantante maliense Oumou Sangare ha alcanzado el primer puesto este mes de la Transglobal World Music Chart. La Transglobal World Music Chart es la lista mensual internacional con los mejores discos de músicas del mundo.

2. Orchestra Baobab – Tribute to Ndiouga Dieng (World Circuit Records)
3. Daymé Arocena – Cubafonía (Brownswood Recordings)
4. Yasmine Hamdan – Al Jamilat (Crammed Discs)
5. Mokoomba – Luyando (Outhere Records)
6. Danyèl Waro – Monmon (Cobalt / Buda Musique)
7. Mara Aranda – Sefarad en el Corazón de Marruecos (Mara Aranda)
8. Omar Sosa & Seckou Keita – Transparent Water (Otá Records / World Village)
9. Vieux Farka Touré – Samba (Six Degrees Records)
10. Les Amazones d’Afrique – République Amazone (Real World Records)

11. Elida Almeida – Djunta Kudjer (Lusafrica)
12. Tamikrest – Kidal (Glitterbeat Records)
13. Carmen Souza – Creology (Galileo Music)
14. Bargou 08 – Targ (Glitterbeat Records)
15. Serendou – Zinder (Hirustica)
16. Griselda Sanderson & Ricardo de Noronha – Veer (Waulk Records)
17. Ifriqiyya Électrique – Rûwâhîne (Glitterbeat Records)
18. Alice Coltrane – The Ecstatic Music of Alice Coltrane Turiyasangitananda (Luaka Bop)
19. Ulaş Özdemir – Traces of Âşik (Buda Musique)
20. King Ayisoba – 1000 Can Die (Glitterbeat Records)

Fallece el gran pionero del rock sureño Gregg Allman

El legendario cantante, autor y guitarrista de rock Gregg Allman falleció el 27 de mayo de 2017 en Savannah, Georgia, Estados Unidos de America.

Gregory LeNoir Allman fue uno de los miembros fundadores de la famosa Allman Brothers Band. El grupo tenía su sede en Macon, Georgia, en el sur de los Estados Unidos. Gregg y su grupo los Allman Brothers Band fueron uno de los pioneros del rock sureño, un estilo apasionante que mezcla el rock, blues, jazz y soul.

Entre sus canciones más conocidas figuran “Midnight Rider” y “Whipping Post”. La Allman Brothers Band ganó un premio GRAMMY en 1995 por Mejor Interpretación de Rock Instrumental con tema “Jessica”.

 

 

A Gregg le sobreviven su esposa, Shannon Allman; sus hijos, Devon, Elijah Blue, Delilah Island Kurtom y Layla Brooklyn Allman; sus 3 nietos; y su sobrina, Galadrielle Allman.

 

 

“Soy autodidacta, y eso marca mucho”. Entrevista a Kepa Junkera

Uno de los artistas musicales más conocidos y aclamados tanto dentro como fuera de las fronteras ibéricas, Kepa Junkera es un intérprete sin parangón Tras editar álbumes de recorrido internacional (“Bilbao 00:00”, el más trascendente), Junkera viene de realizar una incursión por el mundo del folk español, partiendo de su propia identidad vasca, hasta enlazar y comunicarse con otras sonoridades tradicionales del Estado. Al mismo tiempo su gira en unión del juvenil grupo femenino de voces y percusiones Sorginak, promete tener eco allende sus propias fronteras nacionales, convirtiéndose en referencia indispensable del año.

Kepa Junkera habló de su dimensión más viajera y cosmopolita con Músicas Del Mundo. En sus respuestas, no deja lugar a la duda: la suya es una vocación al mismo tiempo tradicionalista y contemporánea, respetuosa con el pasado y comprometida con el futuro, abierta a mil y una sugerencias y encontronazos foráneos, así como recorrida por el amor a su patria vasca.

Músicas Del Mundo – Sigues recorriendo el mundo con tus “trikitixas” al hombro. Gozas descubriendo sonoridades del folk universal. ¿Cómo crees que se debe plantear hoy día el acercamiento a las músicas populares/tradicionales? Y, ¿hasta dónde es posible la inter-acción con otras culturas ajenas, lo que hasta hace bien poco se denominaba “fusión”?

Kepa Junkera.- Por suerte, sigo haciendo algo que me llena, que me motiva mucho….me siento muy a gusto y seguramente estoy en uno de los momentos más creativos de mi carrera…Para mí, lo interesante es partir de lo que tenemos en la Península y, a partir de ahí, crear. Me encanta arreglar, pensar en nuevos caminos, componer… Todo eso me apasiona.

Justo ahora acabo de terminar una producción que le he realizado a Josep Maria Ribelles, uno de los grandes arpistas catalanes, y he utilizado el mundo de la percusión en los dos proyectos con las Sorginak… También este año grabamos con “Samurai accordion”, que es un proyecto super interesante donde somos cinco acordeonistas de diatónico: Riccardo Tesi, Simone Bottaso, Markku Lepisto, Dave Munnelly…dos italianos un finlandés, un irlandés, y servidor…

También estoy con la tercera parte de Sorginak y otro proyecto que sacaré sobre “Los paisos catalans”…Dedico tiempo a estas actividades, donde la creatividad y la búsqueda de emociones es el hilo conductor. También hago colaboraciones tanto para discos como para directos, y esto es algo de lo que estoy muy orgulloso.

Kepa Junkera con Sorginak

Músicas Del Mundo – Te iniciaste muy joven en el mundo musical de las romerías, popular, de las expresiones sonoras más ancestrales y genuinas de Euskal Herria, Y hoy día, sin embargo, te has convertido en una referencia no tan local sino prácticamente universal. ¿Ha sido esta una evolución artística perseguida y deseada desde el principio de tu carrera, premeditada, o ha ido surgiendo por si sola, como una trayectoria natural y por otra parte, inevitable?

K.J.- Soy autodidacta y esto marca mucho…tuve la suerte de tener en mi familia esa transmisión…Le he metido muchas horas y mucha pasión a mi trabajo, vocación….no me han importado las modas ni el qué dirán…he tenido mucha suerte en escuchar a los grandes del acordeón. Que un grupo mítico como Oskorri se fijara en mí para colaborar con ellos, fue esencial.

Enseguida me di cuenta de que tenía que trabajar muy duro y no tener miedo a avanzar…por encima de críticas y alabanzas he sentido lo que me ocurría de una forma más personal…llevo casi 40 años en esto, que se dice pronto. Los sueños son parte fundamental de mi carácter.

Músicas Del Mundo – Kepa Junkera en 2017, en plena forma. ¿Cuál es tu agenda para los próximos meses? ¿Tienes algún otro proyecto discográfico en mente?

K.J,- Proyectos, un montón e ideas también, espero poder realizarlas todas y seguir contando con equipos tan maravillosos como los que he disfrutado en los pasados años.

Músicas Del Mundo – Finalmente, han entregado recientemente el premio Nobel de literatura a Bob Dylan, músico y cantante. ¿Cómo has visto esta concesión, la primera de su género a la música popular?¿Qué puede aportar la entrega de este premio a un poeta, músico, hombre de un millón de conciertos como Dylan?

K.J.- Ha sido una noticia que se ha comentado mucho. No me pareced bien ni mal, Bob Dylan será el mismo con premios Nobel o sin ellos.

Astor Piazzolla, por ejemplo, no sé si tiene premios de ese calibre o no, pero no creo que todo gire en torno a ellos. Con galardones o sin ellos, me sigue pareciendo un genio único.

Festival Afriques 100 % (parte II), Destellos, Fulgores y Decepciones

Tras el clamoroso éxito de Oumou Sangaré en la segunda edición del festival Afriques 100 %, parecería que el resto de artistas y grupos presentes quedaron en segundo plano. Sin embargo, también hubo otras presencias muy destacadas, momentos puntuales de real interés y algún que otro descubrimiento, lo que enriqueció sin duda el certamen, hasta hacer de él uno de los más notables eventos musicales de la primavera parisina.

 

Ibibio Sound Machine – Foto realizada por Eva Feito Casado

 

Ibibio Sound Machine – Foto realizada por Eva Feito Casado

 

Ibibio Sound Machine

Fue la verdadera sorpresa del festival, por imprevista e inesperada. Prácticamente desconocido hasta ahora “fuera de un pequeño círculo de amigos” (Phil Ochs dixit), aunque ya haya logrado notables éxitos de ventas, el grupo comandado, alentado y dirigido por Eno Williams, nigeriana de origen, aunque londinense de nacimiento, demostró ser capaz de encandilar al personal con sus ritmos vibrantes, su exposición visual y el carisma de su personalidad, en una línea estética directamente procedente de la gran diva de los años 80, Grace Jones.

Formulación estilizada y futurista, decimos, que Eno Williams tiene bien aprendida. En sus bailes estratosféricos, sustentados en un par de inacabables e hiper-flexibles extremidades inferiores (nunca se sabrá por qué se les denomina de tal guisa), la Ibibio Sound Machine ofreció canciones de sus dos únicos álbumes publicados hasta el momento, ISM (2014) y “Uyai” (2017).

Desfilaron temas como “The talking fish”, “Let´s dance” y “Uwa the peacock”, todos ellos de su primer CD, mientras que las canciones más recientes encontraron acomodo destacado al comienzo y al final del concierto. En todo caso, un éxito notable para esta banda de futuro más que prometedor. Con su síntesis de ritmos africanos autóctonos y electrónica pura y dura, la Ibibio sin duda sabe captar el espíritu de los tiempos y ambientes “dance”.

Bassekou Kouyaté & Ngoni Ba – Foto realizada por Eva Feito Casado

Bassekou Kouyaté & Ngoni Ba

Nacido en Bamako, capital de Mali, Bassekou Kouyaté (1966) está considerado uno de los mejores intérpretes del “ngoni”, el instrumento de cuatro cuerdas de procedencia ancestral y que de alguna manera puede considerarse el equivalente de la guitarra eléctrica en la música africana occidental.

Saludado en su propio país por el maestro desaparecido Ali Farka Touré como el “diamante negro” de la música maliense actual, Kouyaté posee ya un amplio curriculum, que incluye colaboraciones, grabaciones y conciertos al lado de los más preclaros artistas africanos y no africanos, de Salif Keita a Taj Mahal, de Amadou y Mariam a Toumani Diabaté. Su abuelo fue el legendario griot ciego Banzoumana Sissoko y su sonoridad evoca los márgenes del río Niger, en cuyas orillas nació y vivió su adolescencia.

En unión de la fuerza y expresividad vocal de su esposa, Amy Sacko, Kouyaté y su orquesta afrecieron en La Vallette un “set” impecable de orden y ritmo, aunque sin dejar demasiado espacio para las improvisaciones. Extractos de sus álbumes “Segu blue” (2006) y “I speak fula” (2009) se unieron a los más recientes “Jama ko” (2013) y “Ba power” (2015). Títulos como “Siran fen” y “Jonkoloni” levantaron al público de sus asientos.

Seun Kuti & Egypt 80

Seun Kuti & Egypt 80

Seun Kuti cerró el certamen Afriques 100%, pero la Ibibio Sound Machien le robó el protagonismo de esa jornada final. Quizás precisamente por ello, proceder al finiquito musical de esta edición, encontró al personal un tanto de vuelta de tanto baile y danza, y más si su prestación se limitó a la implacable descarga de un “afrobeat” más que recurrente y previsible.

Nacido el 11 de febrero de 1983 en Lagos, capital de Nigeria, Seun es el más joven hijo musical del inolvidable Fela Anikulapo Kuti (por citar su nombre de descendiente de esclavos). Su disco “A long way to the beginning” (2014) constituyó la base de su recital, aunque también aparecieron destellos de sus trabajos anteriores, “Mosquito song” (2008) y de aquel cd de título inequívoco y confesional: “From Africa with fury” (2011).

En compañía de su habitual banda, Egypt 80, Kuti Jr. se limitó a cubrir el expediente con un “set” un tanto desvaído, aunque con pequeños fogonazos de real fulgor “funk”, siempre alimentado por el flamígero carburante de su potente sección de iluminadores vientos.

Foto de cabecera: Bassekou Kouyaté & Ngoni Ba – Foto realizada por Eva Feito Casado

El grupo de afrobeat Big Mean Sound Machine publica el videoclip “Seeing The Bigger Picture”

El grupo estadounidense de afrobeat Big Mean Sound Machine (gran máquina de sonido) acaba de lanzar el videoclip “Seeing The Bigger Picture” (viendo con una mayor amplitud de mira) que aparece en su disco ‘Runnin’ for the Ghost‘ (corriendo por el fantasma).

El lider del grupo es el bajista Angelo Peters. En el disco nuevo hay influencias del highlife nigeriano y el sukus congoleño.

Big Mean Sound Machine tiene 10 músicos y saldrá de gira el próximo mes.