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Nuevo álbum “Cien por ciento tango argentino”

Cien por ciento tango argentinoEl destacado violinista argentino Miguel Ángel Bertero presenta su nuevo trabajo discográfico titulado “Cien por ciento tango argentino (RGS Music), integrado por composiciones clásicas, arregladas para violín solista y orquesta.

Los clásicos del tango grabados por Bertero en este nuevo disco son abordados desde el academicismo clásico, utilizando los instrumentos, la ejecución y sus matices como única manera de crear climas e impresiones, con un importante protagonismo de los arreglos que destacan al primer violín.

Cien por ciento tango argentino” es el testimonio presente de un músico que comenzó a tocar el violín en orquestas de tango en 1957 y desde entonces  compartió escenario y estudios de grabación con una gran cantidad de maestros del tango (de diferentes tiempos) y de la música clásica, además de integrar varias prestigiosas orquestas sinfónicas y de proyección internacional, de origen local y del exterior de Argentina.

De regreso de muchos escenarios y vivencias como músico destacado, Miguel Angel Bertero recupera sus recuerdos de infancia y recrea esos tangos grabados a fuego en su memoria, dándoles nueva vida, creando su propio sonido surgido de una innegable excelencia en la interpretación y compartiendo una visión única por su larga trayectoria y rica experiencia, a través de un estilo clásico que contiene y trasciende al tango.

Como lo hiciera en su primer trabajo “A mi querida Buenos Aires”, las pistas del disco incluye tangos que van recorriendo el siglo XX, temas que se han vuelto clásicos por su jerarquía o por el significado de sus textos: “Café La humedad” (Cacho Castaña); “Concierto en la luna” (Osmar Maderna); “Caserón de tejas” (Sebastián Piana y Cátulo Castillo); “Taquito militar” (Mariano Mores y D. Gilardoni); “Mañana iré temprano” (Enrique Mario Francini y Carlos Bahr); “Pedacito de cielo” (Enrique Mario Francini y Héctor Stamponi); “Divina” (Joaquín Mora  y  Juan De la Calle), “Madreselva” (Francisco CanaroLuis César Amadori); “Poema en gris” (Horacio Cabarcos) y Oblivión (Astor Piazzolla)

Cien por ciento tango argentino” es un trabajo realizado con altura y con el sello de un maestro de la música que puede recordar, desarrollar y ejecutar tangos clásicos con la propiedad de la experiencia y la suficiencia de un experto.

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“Música Anfibia”, un disco para escuchar más de una vez.

Abel Rogantini Musica AnfibiaEl recientemente lanzado segundo disco del argentino Abel Rogantini es la obra de un músico que expresa un lenguaje creativo, expresivo y emocional distintivo, como una huella identificadora, única, surgida de una cultura, de unas experiencias y de una visión minimalista y a la vez abarcadora de su tiempo.

Desde los códigos del jazz, utilizando recursos como la improvisación, su lenguaje rítmico y armónico, Abel Rogantini va buceando en los códigos de géneros que empapan la cultura de Sudamérica y del Río de la Plata y sus costas. Modulando sus composiciones, aparecen el candombe, el folklore y el tango, como distintos ambientes de los que se puede entrar y salir.

Los temas del disco, compuestos por Rogantini, son impresiones del artista tomados desde el jazz y que van mutando hacia otros géneros, con melodías cargada de emoción y climas que van desde lo intenso y frenético hasta lo suave e intimista. “Música Anfibia” también incluye una par de tangos clásicos “jazzeados” (de Aníbal Troilo y José María Contursi y de Ástor Piazzolla) como una manera de dar la vuelta al revés y fusionar de todas las maneras posibles los géneros y las estéticas.

El jazz, vivido de esta manera, toma la forma de un género con identidad regional que suma elementos locales para caracterizarse dentro de un subgénero que ha tenido en el pasado algunos exponentes y que continúa hoy creciendo con “Música Anfibia

Abel Rogantini es un gran intérprete del piano, compositor y músico de escenario que en su nuevo disco lidera un cuarteto integrado por Bernardo Monk en saxos,   Pablo Motta en contrabajo, Diego Alejandro en batería, Abel Rogantini en piano y composición al que se suma como invitado  Nicolás Enrich en bandoneón.

Entre su primer trabajo discográfico “Trío(2007) y el nuevo Música Anfibia” (2016) Rogantini realizó un trabajo de desarrollo de interpretación tocando en vivo y grabando con una gran cantidad de renombrados artistas del mundo del jazz, del folklore y la música rioplatense (tango pero también candombe, formando parte durante varios años del trío de Daniel Maza, junto a Osvaldo Fattorusso).

Cabe destacar su actuación en vivo junto a Paquito D’Rivera en el Lincoln Center de NY tocando su tema “Milonguinha” o su participación como invitado junto a Franco Luciani del disco homenaje internacional a Toots Thielemans “We do it out of love”

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“Tierra”, un puente entre América y África.

TierraMartín Robbio presenta su tercer álbum en el que explora, junto a su trío y al grupo de percusionistas “Los Guevaristas”, las bases rítmicas africanas dentro de la música popular sudamericana. El disco está conformado por once temas de autores diversos entre los que destacan Eduardo Lagos, Naná Vasconcelos, Cuchi Leguizamón, Oscar Alem, Juan Raffo, McCoyTyner, Alice Coltrane y Dino Saluzzi.

La búsqueda del distintivo, la experimentación, el juego de la inspiración que va abriendo caminos a la creación conduce a este joven y talentoso pianista argentino a reinterpretar temas clásicos de autores que rompen los moldes desde su creación original.

Con esta orientación y profundizando en las bases rítmicas, el trío conformado por Martín Robbio en piano, Ariel Sánchez en batería y Juan Fracchi en contrabajo, junto a “Los Guevaristas”, el grupo de percusión liderado el experimentado Facundo Guevara,  dan vida a un factor común que habita en la génesis de la música popular de todo el continente americano: el elemento africano. También participan como invitados Victoria Zotalis en voz, Martín Sued en bandoneón y Marcos Cabezaz en marimba.

Tierra” es un paso novedoso en un camino de rescate y destaque que en diversos momentos han emprendido músicos capaces de ver más allá de la superficie. En diferentes momentos de nuestra historia cultural contemporánea los buscadores de lo esencial se han sumergido en las raíces de la música popular latinoamericana para rescatar lo que parece que se va olvidando con el tiempo.

El sonido a Jazz de este álbum en particular es un puente entre una música influida por lo afro en el norte de América que conecta a través de elementos comunes con muchas músicas populares del sur. El Jazz se ha transformado en una Música del Mundo y “Tierra” transita ese camino, avanzando en lo estético y rescatando los orígenes de un elemento que late en las bases rítmicas del folklore.

La agrupación, integrada por Martín Robbio, Ariel Sánchez y Juan Fracchi, trabaja en la creación, producción y difusión de la música argentina y sudamericana desde hace más de cinco años. Con dos discos editados, “Parresía (2012) y “El mismo río (2015), y conciertos en muchos y variados escenarios, el grupo se postula como abanderado de la evolución y desarrollo de los géneros de la música popular.

Los Guevaristas son un grupo de percusión integrado por Facundo Guevara, Javier Martínez Bucas, Julián Solarz y Jerónimo Peña. Su director, Facundo Guevara ha sido percusionista de grandes artistas populares argentinos como Mercedes Sosa, Pedro Aznar y Teresa Parodi.

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“La ilusión”, imágenes cantadas de un artista particular.

La ilusion - Dario DalfinEl nuevo disco de Darío Jalfin, editado por Twitin Records, es un álbum de canciones creado a partir de la transversalidad de géneros de la música popular latinoamericana. Con una aire instrumental clásico, una fuerte presencia de la voz y un toque del brillo del jazz y del rock/pop, “La ilusión” es una caja de pequeñas y particulares piezas para ir desenvolviendo y saboreando con atención y calma.

El nuevo disco de Jalfin, cuarto en su haber, contiene  canciones propias y versiones de “Dulce condena”, de Calamaro/Rot, “La Balsa”, de Nebbia/Tanguito y “Si hay que elegir”, con letra de Lucas Marti. El disco cuenta con la presencia de Fito Páez, Loli Molina, María Ezquiaga (Rosal) y Lucio Mantel como cantantes invitados.

Las melodías creadas por Jalfin buscan caminos originales. Mientras las bases estéticas y la rítmica surgen de estructuras reconocibles de ritmos de la música popular, las canciones van recorriendo, como el agua o como el humo, interesantes caminos alternativos, descuadrándose de a ratos y marcando diferencias cromáticas que imprimen un sello distintivo a esta propuesta de once canciones.

Los músicos que grabaron La ilusión son Carto Brandán en batería, Federico Fernández en bajo, Juan Pablo Di Leone en flauta, Ramiro Flores en clarinete, Paula Pomeraniec en cello y Darío Jalfin en piano, teclados, programaciones y voz, además de los arreglos y la producción artística. Sumándose a la lista de cantantes invitados, también participaron Andrés Beeuwsaert en teclados, Patricio Carpossi en guitarra y Christine Brebes en violines.

Darío Jalfin es Licenciado en Composición, pianista, cantante, arreglador y productor. Lleva editados cuatro discos solistas y dos en dúo. Compuso una larga lista de música original para audiovisuales, además de haber participado en más de una decena de discos como productor artístico, arreglador y pianista.

Durante su carrera profesional ha recibido el Primer Premio Octubre a la Música gracias al cual grabó su primer disco “Le pondría una letra” (Melopea, 2008). “Rayes y centollas” (Arroba Music, 2010) fue declarado de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura del Gobierno de Buenos Aires. Su trabajo “Entre otros” (Club del Disco, 2012) fue seleccionado por BaMúsica para recibir apoyo en sus presentaciones en vivo. “El hijo principal” (Los Años Luz, 2014) y “La ilusión (Twitin Records, 2016) fueron elegidos como “Disco del mes” por el Club del Disco.

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Fresco, profundo y personal, el nuevo álbum de Melina Moguilevsky

Melina Moguilevsky - MudarMudar”, el segundo trabajo de la cantautora argentina Melina Moguilevsky, es un rico puñado de canciones con identidad propia que invita a conocer la expresión de una artista que es atravesada por su cultura y se expresa con una voz auténtica y personal, por lo que dice y por las formas que utiliza.

Las canciones salen del ser, de lo profundo, de la inquietud particular y del propio punto de vista acerca de cuestiones de la existencia. Con un estilo moderno y contemporáneo de expresar y de cantar, poniendo el acento en el movimiento de permanente transformación del mundo, del universo, de la vida, Melina Moguilevsky va creando en “Mudar” un clima al que se entra de apoco, andando por un camino que tiene magia, arte y el poder de la mujer capaz de revolucionar un puñado de tierra o de serenar una tormenta.

Detrás de la interpretación, la composición y los arreglos se percibe un minucioso y atento  trabajo en pos de conseguir climas y efectos, por momentos crudos y paisajísticos y de a ratos dramáticos o escenográficos. La estética de los temas es rica y variada, con estructuras armónicas diversas que se mezclan en sonidos reconocibles de jazz, de folklore latinoamericano, de una música teatral clásica, viajando también por un pop o un soft-rock progresivo. El clima de las canciones muta, de un estado a otro, suben en intensidad y se vuelven suave susurro.

Mudar” posee una fuerte presencia de los instrumentos que crean una interesante trama en primer plano creada a partir de los arreglos de las trece composiciones de Melina Moguilevsky que utiliza su voz como la única fuente que dice para pasar a ser un instrumento más, recorriendo un amplio rango cromático. Junto a Moguilevsky aparece un muy bien ensamblado grupo de músicos integrado por Tomás Fares en piano y voz, Lucio Balduini en guitarra, Ezequiel Dutil en contrabajo, Martín Rur en vientos y Mario Gusso en batería y percusión dejando cada uno su impronta destacada en los diferentes temas.

Mudar” es un disco con variedad de matices, para descubrir, con canciones llenas de imágenes que describen el interior humano y una fusión de estilos desde una mirada particular.

“Corazón Radar”, canciones para conectar.

Corazón Radar - Macarena RobledoEl nuevo álbum de la cantante, compositora, productora, investigadora y docente argentina Macarena Robledo es una obra cuyo concepto está basado en canciones que fusionan el Jazz con otros ritmos del mundo y una lírica expresionista sobre la filosofía de la vida y el autoconocimiento.

Notablemente entrenada, la voz de Macarena Robledo es el fuerte de su trabajo. Desde su gran experiencia como cantante de Jazz y estudiosa de técnicas expresivas a través de las cuales poder transmitir con fuerza y transparencia las emociones a través de la voz, “Corazón Radar” es una fuente de canciones de autora envueltas en la magia de una música con identidad propia.

La experiencia que ha recogido Robledo en sus viajes y actuaciones por el mundo está impresa en sus canciones y en el sonido que busca y comunica. Como un instrumento más, su voz armoniza con el buen trío de piano y teclados ( Álvaro Torres), contrabajo y bajo eléctrico (Pablo Motta) y percusión y batería (Mariano Tiki Cantero) El disco suena a jazz y a soul, pero establece interesantes puentes con el folklore latinoamericano (zamba, candombe, landó o chacarera), baladas urbanas, el funk y el gospel.

Corazón Radar” es el tercer disco de estudio de Macarena Robledo, un paso más en su carrera y una señal del camino que ha emprendido y continúa transitando. Una propuesta donde una artista particular deja su huella para recorrer el mundo a través de sus canciones con sensibilidad y consciencia.

Macarena Robledo 

Cuenta con amplia trayectoria en el circuito de la canción, World music y jazz en Argentina y Europa, con presentaciones en clubs y festivales de Buenos Aires, el interior de Argentina y ciudades del mundo como Frankfurt, Barcelona, Madrid, Ámsterdam, Stuttgart, Almada (Portugal) y Tánger (Marruecos), entre otras.

Como solista, ha editado los discos “La Búsqueda” (2009), “Instrumento Vivo” (2014), el proyecto multimedia virtual “Viaje” (2011) y Corazón Radar (2016). Es discípula del aclamado investigador científico Rabine en Alemania e investiga el potencial de la voz como camino de autoconocimiento y de estímulo del desarrollo emocional-espiritual a nivel colectivo.

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Guillermo Zarba, “Los tiempos del agua”

Guillermo Zarba - Los tiempos del aguaEl más reciente trabajo del gran pianista y compositor argentino es una obra conceptual poético-musical presentada en CD y DVD editados por Pretal, que tiene como eje inspirador y temático el río y su contenido, el agua. Los temas compuestos y arreglados por Zarba van describiendo diferentes realidades del agua, de su fluir, de la vida que lleva, a través de la música y la palabra, entre el expresionismo puro del piano, la poesía hablada o el folklore instrumental.

Guillermo Zarba es un músico consagrado, de sólida formación académica y con más de cuarenta años de experiencia con la música. Los trabajos realizados por este artista nacido en la provincia de Entre Ríos, tienen siempre la profundidad y el puntillismo del compositor que elije con celo cada nota y la sensibilidad del poeta para expresar con el ojo del corazón.

El agua atraviesa el ambiente natural de la tierra de la que Zarba es oriundo. Ríos de grandes cauces llevan en su discurrir más que agua, pero en esencia, es el fluido lo que los conforma. El artista retrata en cada pequeño movimiento que configura cada pista del disco, a través de la música o la poesía, el universo que conforma el agua, que vive en el agua y en su entorno.

En “Los tiempos del agua”, van fluyendo varios y variados ritmos del folklore, con particulares arreglos capaces de modular y manifestar la visión del hombre. Poesías, habladas o cantadas,  que describen, como sólo la palabra puede hacer, la recreación del mundo inspirado.

La grabación del disco contó con Guillermo Zarba en composición, piano, arreglos y voz en relatos, y la participación de prestigiosos músicos como Mauricio Marcelli en violín y dirección artística, Hugo Romero y Claudio Ceccoli en guitarras, María Silva y Marino Frezetti en voces, José Bulos en piano, Ariel Cardoso en contrabajo, Daniel Ruggiero y Gustavo Reynoso en bandoneones y Marcelo García en percusión.

Guillermo Zarba

Pianista, compositor y arreglador. Comenzó su actividad artística hace más de cuarenta años como solista en su provincia natal, Entre Ríos, y en pequeños escenarios de Buenos Aires. A partir de su primera grabación en el año 1976, comenzó a actuar con formaciones instrumentales. A lo largo de su carrera se ha presentado en diversos escenarios de Argentina y realizado giras en el exterior. Grabó y compartió escenario con artistas de alto nivel musical y gran prestigio internacional. Ha hecho arreglos de composiciones de Carlos Guastavino, Eduardo Falú, Atahualpa Yupanqui, Astor Piazzolla y Gustavo “Cuchi” Leguizamón.

En el año 2010 presentó sus composiciones “Libaciones” y algunos movimientos de “Los Tiempos del Agua” en el Teatro Coliseo de Buenos Aires con interpretación de la  Orquesta Sinfónica del Río de La Plata y la dirección de Lucía Zicos. En la actualidad se encuentra participando de diversos proyectos, entre ellos, organizando la puesta de “Los Tiempos del Agua”, gestionando Workshops y clínicas con su participación en el piano en calidad de solista y exhibición del Dvd en las ciudades de San Pablo y Porto Alegre, Brasil, con las Direcciones de Cultura de Basavilbaso y Gualeguaychú, Entre Ríos y en Roma y Vicenza, Italia.

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“Desembarco”, la expresión de un arte sin tiempo.

Julián Polito - DesembarcoJulián Polito es un artista complejo, que explora la música como un medio en el que la matemática y la estética del universo se deconstruyen para reunirse en un nuevo modelo de espacio-tiempo, sonando a sensible folclore y, a la vez, a antigua lejanía.

El universo conceptual de este artista argentino va tomando forma conforme el tiempo talla su camino de experiencias y vivencias con la música, la filosofía, las ciencias y el arte. Y ese universo está grabado en su trabajo como músico.

En  “Desembarco”, Julián Polito explora la relación entre el folclore argentino con la “música del Renacimiento español llegada a América de la mano de los conquistadores y la música del barroco italiano introducida por los jesuitas como parte de su programa de evangelización”. Su propuesta musical relaciona en un mismo momento las estructuras estéticas de la música antigua con los instrumentos del folclore contemporáneo y agrega la viola da gamba, que ejecuta desde hace más de una década, como un vehículo que cierra el círculo de los  tiempos.

El camino de exploración de la raíz de la música folclórica que Polito comenzara en su primer trabajo, “Viejo Nuevo Mundo”, continúa en “Desembarco” junto a “Los Lirios del Campo”, agrupación conformada por Juan Casabellas en voz, guitarra y bajo, Emilio Cervini en guitarra criolla y bichito cordobés, Pablo Favazza en percusión, Javiera González en viola y violín, Laura Vázquez en acordeón y coros y Juan Valverde en flauta traversa, más Polito en viola da gamba y bajo.

La propuesta de Julián Polito, su manera de abordarla, la interpretación de la viola da gamb, forman parte de su ser que al mismo tiempo incluye su experiencia como artista plástico reconocido, sus estudios como licenciado en matemática aplicada y la filosofía que utiliza desde su gran conocimiento en la materia.

Además de los artistas mencionados, en “Desembarco” Nadia Szachniuk canta una vidala de Peteco Carabajal acompañada por un grupo de violas da gamba y el “sarangi” (instrumento hindú de cuerda frotada), ejecutado por Alejo Nobili; Osvaldo Bayer recita un poema latino del siglo I que es luego cantado por Florencia Bernales; Palo Pandolfo canta una tonada peruana del siglo XVIII; Laura Peralta canta un texto icónico de la poesía española de Jorge Manrique como si fuera una copla tradicional del Noroeste argentino; Cucuza Castiello le pone su voz a un tema chileno y músicos como Gustavo Gargiulo y los Bajones del Plata hacen desde músicas tradicionales argentinas y canciones de Violeta Parra  hasta música progresiva inglesa de los años ’70.

“Desembarco” será presentado en vivo por Julián Polito y “Los lirios del campo” los días sábados 4 y 18 de junio de 2016 a las 20.30hs. en “Hasta Trilce”, Maza 177, Ciudad de Buenos Aires.

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Sutileza, sensibilidad y alma en el nuevo disco de Cecilia Zabala

Cecilia Zabala - El color del silencioLa compositora, guitarrista y cantante argentina presenta su octavo disco titulado “El color del silencio” en el que expresa su madurez artística, volviéndose más esencial y profunda.

Cecilia Zabala lleva veinte años creando y compartiendo su música, grabando en solitario y junto a grandes músicos, enseñando y recorriendo los escenarios del mundo, siempre alineada con su universo interior para que su gran técnica al ejecutar la guitarra y el encanto de su voz sean el reflejo de su expresión genuina y personal.

Dentro de “El color del silencio” puede apreciarse el ensamble cuidado de los instrumentos que van creando climas, sensaciones, emociones. Este nuevo álbum de Zabala ha sido grabado con guitarra española de siete cuerdas, requinto, guitarra acústica, caja chayera y la voz como un instrumento más, exquisitamente armonizado en las cinco canciones que forman parte de la lista de catorce pistas del disco. Los temas, todos compuestos y arreglados por Cecilia Zabala, han sido  originalmente concebidos para guitarra con elementos del folklore argentino y latinoamericano.

“El color del silencio” será presentado en directo en la Ciudad de Buenos Aires, los días jueves 9, 16 y 23 de junio de 2016 a las 21 hs. en Bebop Club, Moreno 364 subsuelo. Las presentaciones de este nuevo trabajo serán acompañadas por una puesta visual y escenográfica que complementa y enriquece la propuesta artística.

Cecilia Zabala es guitarrista, compositora y cantante. Ha combinado la interpretación y creación de música con la guitarra y la voz a través de toda su carrera, fusionando sensibilidad, expresión, técnica e intuición. En su música se cruzan estilos tan diferentes como el folklore argentino, el lenguaje contemporáneo del siglo XX, el jazz, el tango, y la música brasileña. Luego de veinte años de recorrido artístico ha editado ocho discos con sus propias composiciones y arreglos en diversas formaciones  instrumentales.

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