La Mar de Músicas 2018, un festival venido (un poco) a menos

Fatoumata Diawara, la gran estrella de la 24 edición cartagenera. Buenas prestaciones de Human League y Axel Ikot

Cartagena – Será quizás porque se está tomando un respiro, de cara a las bodas de plata del próximo año; o será porque La Mar de Músicas (LMM) está ya en esa edad de la pos-adolescencia, que tan mal le sienta a muchos jóvenes…el caso es que uno de los mejores (si no el mejor) festivales musicales del híper-cálido, achicharrante estío hispánico, da muestras, de un tiempo a esta parte, de un cierto cansancio existencial, un indisimulado hastío, hasta caer en la auto-complacencia y el confusionismo.

Del 20 al 28 de julio, nueve abigarradas jornadas conformaron un cartel de actividades tan extensas como rutinarias, tan dispersas como atosigantes, tan eclécticas como desiguales, tan atractivas (en pocas ocasiones) como prescindibles (en muchas otras).

Lejos quedan atrás ediciones brillantes, con presencias ineludibles (Youssou N’Dour, Marianne Faithfull, Franco Battiato…). Este año la gran estrella del certamen ha sido la maliense Fatoumata Diawara, en plena y meteórica ascensión al cenáculo de la calidad artística y la fama masiva; y es de agradecer que LMM nos la haya traído tan puntualmente, “live”, en pleno descubrimiento occidental. O, mejor, en total confirmación de su alto “status” vital y escénico.

 

Fatoumata Diawara – foto realizada por Angel Romero en 2012

 

“Fatou” trajo de la mano su más reciente grabación, “Fenfo” (“Something to say”), un disco que ya se vislumbra como gran candidato a mejor trabajo sonoro aparecido en 2018, aunque solo sea en el importante apartado de las “músicas de África”.

 

Fatoumata Diawara – Fenfo

 

Clara aspirante a ocupar en el futuro inmediato el lugar de honor que detenta Oumou Sangare, quien la pasada temporada barrió en listas y escenarios mundiales, Fatoumata se marcó un “set” repleto de vitalidad, intensidad, arrebato y conciencia social, feminista y humanista. Hubo guiños en su prestación a la histórica Miriam Makeba, y a la no menos admirable Nina Simone; y, sobre todo, a esas cadencias rítmicas que nos remiten a lo mejor de las tradiciones sonoras que nos llevan a la esencia del África Occidental.

Entre lo ancestral y la modernidad, estéticamente quizás demasiado virada a un sonido occidental, con querencia particular por arreglos jazzísticos y rockeros (más que a los cantos “griots” o “wassulu” de su tierra). Pero no se le puede achacar en exceso esa opción, porque Diawara está construyendo (o ayudando a crear) una nueva sensibilidad expresiva, que no reniega de su historia, ni de su época ni de su espacio en el mundo planetario.

Canciones como la propia “Fenfo”, que da título al disco, es bien clarividente en este sentido : “¿Por qué nadie me dijo nada? Ni papá. Ni mamá, ni mis amigos ni mis familiares me hablaron del mundo que yo habitaba…Todos ellos tenían algo que decir, pero no lo hicieron...”

¿Rebeldía o protesta? Ni lo uno ni lo otro: Fatoumata registra, documenta la situación y la denuncia, sin acritud, pero con firmeza. Su querida “Mama” merece otra canción, y se la ofrece. En su lengua bambara canta también con fervor “Ou y’an ye” o “Negue Negue”, pero asimismo abraza el universal lenguaje del inglés para reconocer que hay otros ámbitos, y no vale de nada quejarse todo el tiempo de la “globalización”, Mas bien, su postura ante ella es la de ofrecer la alternativa de un producto artístico de notable altura, pasando por una tecnología punta, pero sin olvidar el espíritu inconformista y luchador.

Tras la exhibición vocal e instrumental de su excelente banda acompañante, Fatoumata se soltó el pelo y bailó como una posesa, fiel a la polirritmia y pasos de danza de su “background”, posturas rocambolescas, desmelenes y exposiciones corporales hasta alcanzar ese clímax final que no puede faltar en ningún concierto africanista que se precie.

 

Alex Ikot

 

Otra buena actuación corrió a cargo del guineano ecuatorial Alex Ikot, residente en España (Madrid, sobre todo) hace bastantes años, pero conservando la fuerza telúrica de sus ancestros, la polivalencia de sus tambores y percusiones varias, y la indudable capacidad para construir canciones enrolladas y pertinentes. Otra gran banda en el escenario, con un guitarrista eléctrico de mucha valía, y dos coristas/bailarinas de fuerza arrolladora y gran sensualidad.

El grupo “pop” y “post punk” Human League, procedentes de Sheffield (Reino Unido) cerró el festival y lo hizo con una prestación impecable de sonido, luz y videos. Pero su música parece ya a estas alturas, desde el punto de vista de la vanguardia, un tanto obsoleta y previsible.

Adelantada en los años 80 del pasado siglo de un pre-tecno neo-romántico, la banda, tras varios cambios en su formación, ha derivado hacia un pop-rock, con su manierista líder vocal y otras dos voces femeninas, elegantes y “glamorosas, pero a años luz de la gracia y naturalidad de las procedentes del Sur “beyond” Gibraltar. Human League realizó un concierto fácil y agradable para llegar al gran público, y en eso se quedaron. No faltó su gran “hit”, “Don’t you want me” -más de dos millones de copias vendidas en su día-, y el personal asistente disfrutó de lo lindo.

Totó la Momposina, colombiana esencial; el ya consagradísimo Rubén Blades, con su salsa politizada y de medio pelo, y el inefable cantante estadounidense Gregory Porter ofrecieron, al parecer (no pude asistir) recitales por encima de la media; y la única presencia en España de la neozelandesa Marlon Williams significó igualmente un hito dentro de la semana cartagenera.

Pero fue el encuentro de la familia Montoya, con Alba Molina y la recordada Lole (de Lole y Manuel, una de las únicas voces andaluzas que se han atrevido con el repertorio de la inmensa egipcia desaparecida Om Kalzum, interpretando incluso en lengua árabe) el recital que mayores emociones despertó, en el terreno siempre bien recibido del flamenco.

Hubo más artistas procedentes del Gran Continente Negro, siempre santo y seña desde los inicios de su andadura de LMM: los congoleños Kokoko¡, los malienses Kokoi Blues y Bamba Wassoulou, la guineana Djanka Diabaté, le ecuatorial Nélida Karr…Brasil, Venezuela, Escocia, Tibet, Palestina, Jamaica y Portugal, sin olvidar a los Estados Unidos de la muy excelente Cecile McLoin Salvant, fueron otros países representados en la convocatoria. No se le puede negar a LMM su vocación internacionalista, descubridora de talentos y atraída por los desconocido y/o exótico.

Pero otra zona importante de la programación dejo bastante que desear. El país escogido este año como “invitado especial”, Dinamarca, tiene todavía muy poco que decir en el terreno musical, excepciones tipo The Savage Rose al margen.

Demasiada presencia inocua, excesiva atención a quien poco la merece, pleitesía a corrientes artísticas todavía en mantillas, y en todo caso absolutamente prescindibles.. A los programadores les debe gustar pasar unos cuantos días en zonas ricas, intentando resolver la cuadratura del círculo. O será para compensar la “africanidad” del evento. Y ¿qué decir de la (in)dependencia murciana?. Grupos y solistas en edad de merecer, coleguillas del entorno, que aquí encuentran acomodo fácil pero inmerecido. Dejen todo eso para concursos noveles y actos colegiales.

Así pues, en Cartagena 18 ha coexistido lo sublime con lo grotesco, lo admirable con lo desdeñable, lo válido y lo irrisorio…Un festival al 50%, o poco más. Síntomas de “faiblaise”, donde la cantidad supera la “qualité”, y donde se cuelan muchas cosas que no debieron colarse, para engordar un programa ya de por sí bastante grueso. El gusto por el gigantismo.

Seguro que se estaban calentando motores de cara a los 25 años próximos del certamen. La progresiva disminución de presupuestos oficiales y de subvenciones quizás explique algo de la situación actual. Pero ¿dónde fueron a parar aquellos magníficos libros editados antaño, programas de apoyo y ayuda? Hace tiempo que ya desaparecieron: se los llevó el viento.

Por lo demás, y por último, deplorar la insolidaridad y escasa altura humana de la dirección del festival. Ella sabe por qué… Pero eso lo dejamos para otro momento, otro año, otra galaxia. O quizás para nunca jamás, como la Tierra de aquel que no quería crecer nunca del todo.

La primera conferencia de redes de músicas del mundo celebrada en Rusia un gran éxito

La Conferencia Internacional de Etno-Música de Kamwa fue la primera conferencia de este tipo celebrada en Rusia. La reunión estuvo dirigida al desarrollo de la industria de la música étnica rusa y fue organizada por el festival KAMWA, Natalia Shostina y Daryana Antipova.

La conferencia incluyó una serie de mesas redondas sobre temas actuales de la industria de la música étnica (músicas del mundo), tales como “Características de la organización de festivales étnicos en Rusia. La mejor forma de registro legal para festivales “, “La Industria musical del folk en Rusia “y otros. El objetivo principal del evento fue fomentar asociaciones de la industria profesional, contactos comerciales, oportunidades para exportar música étnica rusa y cooperación internacional.

 

Conferencia Internacional de Etno-Música de Kamwa 2018

 

La conferencia tuvo lugar en el museo arquitectónico y etnográfico Khokhlovka, ubicado a 40 km de Perm en las pintorescas orillas del río Kama, del 27 al 29 de julio de 2018, y reunió a directores de festivales étnicos de Rusia, gerentes que trabajan con grupos de músicas del mundo, agentes de viajes, representantes de sellos étnicos y periodistas de Siberia, Moscú, Francia y Hungría.

 

Tatiana Fokina (festival Nebo i Zemlya), Tatiana Lambolez (agencia Altan Art, Francia), Marina Gulyaeva (festival Kupalskaya skazka, Moscú), Denis Davydov (sello Myrkr, Ekaterimburgo), Emil Bilyarski, Daryana Antipova, Glafira Utyomova y Angelina Abdulova en la Conferencia Internacional de Etno-Música de Kamwa 2018

 

Denis Davydov del sello Myrkr de Ekaterimburgo dijo: “Estoy muy contento de haber podido participar en la conferencia de etno-música de Kamwa. Fue una experiencia profesional nueva y útil para mí. Finalmente, en Rusia hay una plataforma en la que puedes conocer y hablar con los organizadores de los festivales de música étnica y folclore, representantes de grupos, sellos discográficos y periodistas. Espero que la conferencia sea anual. Gracias a sus organizadores y, en particular, a Daryana Antipova y Natalia Shostina por la invitación“.

Tatiana Lambolez de la agencia de contratación Altan-Art de Francia comentó: “El ambiente fue maravilloso en la conferencia. Tuvimos temas interesantes para discusión y todos los miembros participaron activamente, lo cual es importante. El festival de Kamwa en sí es maravilloso, con un programa muy rico y variado en una lugar maravilloso y natural. Disfruté del programa completo y la elección de artistas, así como la comunicación con los participantes de la conferencia y los organizadores. ¡Gracias!

Más detalles en www.kamwa.ru

Transglobal World Music Chart, los mejores discos de músicas del mundo del mes de agosto de 2018

El album Maghreb United (Glitterbeat) de Ammar 808 ocupa el puesto número uno en el mes de agosto en la Transglobal World Music Chart, la lista mensual internacional con los mejores discos de músicas del mundo. Ammar 808 es el Proyecto futurista de Sofyann Ben Youssef, el líder del aclamado grupo tunecino Bargou 08.

En Maghreb United, Ammar 808 mezcla los ritmos electrónicos producidos con la caja de ritmos Roland TR-808 Rhythm Composer con instrumentos tradicionales como el guimbri distorsionado, la flauta gasba y la gaita zokra, junto con las voces de los cantantes Mehdi Nassouli (Marruecos), Sofiane Saidi (Argelia) y Cheb Hassen Tej (Túnez). Es una reinvención electrónica radical de la música tradicional del norte de África.

El pasado es un patrimonio colectivo“, explica AMMAR 808. “Es a lo que todos recurrimos, lo que todos compartimos. La música en Maghreb United es el pasado y el futuro ahora. Intento tejer hilos del folclore y la mitología en el futurismo. Y no estoy necesariamente proyectando una imagen positiva; de todo lo que podemos ver, las cosas no van en la dirección correcta. Lo que espero es que levante una alarma “.

El resto de la lista:

2. Fatoumata Diawara – Fenfo – Montuno / Shanachie / Wagram
3. Dobet Gnahoré – Miziki – LA Café
4. Catrin Finch & Seckou Keita – Soar – Bendigedig
5. Samba Touré – Wande – Glitterbeat
6. The Turbans – The Turbans – Six Degrees
7. Toko Telo – Diavola – Anio
8. Hermeto Pascoal – Hermeto Pascoal e sua Visão Original do Forró – Scubidu
9. Bombino – Deran – Partisan
10. Shadi Fathi & Bijan Chemirani – Delâshena – Buda Musique

11. Monsieur Doumani – Angathin – Monsieur Doumani
12. Amsterdam Klezmer Band & Söndörgő – Szikra – Vetnasj
13. Anandi Bhattacharya – Joys Abound – Riverboat / World Music Network
14. Invisible System – Bamako Sessions – Riverboat / World Music Network
15. Rahim AlHaj Trio – One Sky – Smithsonian Folkways
16. Nancy Vieira – Manhã Florida – Lusafrica
17. Koum Tara – Koum Tara – Odradek
18. Angelique Kidjo – Remain in Light – Kravenworks
19. Barcelona Gipsy balKan Orchestra – Avo Kanto – Satélite K
20. Solju – Ođđa Áigodat – Bafe’s Factory

Modernismo sabroso puertorriqueño en West Side Story Reinventado

Bobby Sanabria – West Side Story Reimagined (Jazzheads, 2018)

El baterista, director musical y arreglista Bobby Sanabria y la Multiverse Big Band han recreado la música original compuesta para una obra de teatro musical de Broadway muy popular llamada West Side Story. La obra, inspirada en Romeo y Julieta de Shakespeare, se centraba en el romance entre los miembros de dos pandillas de Nueva York, una de los cuales era puertorriqueña.

Aunque Bobby Sanabria nació en los Estados Unidos, creció en una orgullosa familia puertorriqueña. Sanabria ha insertado hábilmente elementos rítmicos puertorriqueños, cubanos, dominicanos e incluso brasileños como cha cha cha, mambo, bomba, y otros, en la partitura original de Leonard Bernstein. Lo que originalmente era una obra típica de Broadway, ahora presenta una orquesta tipo big band con irresistibles ritmos de jazz latino.

Los músicos que aparecen en el álbum son Bobby Sanabria como director musical, batería con cencerros, silbato policial, silbato de samba y voz principal; Kevin Bryan, Shareef Clayton, Max Darché y Andrew Neesley a la trompeta; David De Jesús en saxofones alto y soprano y flauta; Andrew Gould en saxofón alto y flauta; Peter Brainin en saxofón tenor y flauta; Yaacov Mayman en saxofón tenor, flauta y clarinete; Danny Rivera en el saxofón barítono; David Miller, Tim Sessions, Armando Vergara en el trombón; Chris Washburne en trombón bajo; Gabrielle Garo en flauta y piccolo; Ben Sutin en violín eléctrico; Darwin Noguera al piano; Leo Traversa en el bajo eléctrico; Oreste Abrantes en las congas, tambor batá itotele y segunda voz; Matthew González en bongo, cencerro, tambor de bomba primo, Iyá batá, pandereta requinto, ganza y güira dominicana; Takeo Heisho en claves, güiro macho cubano, cencerro, guicharo puertorriqueño, tambor batá okonkolo, maracas cubanas y venezolanas, chékere, pandereta, cuica, pandeiro, triángulo, gong y sirena de policía.

West Side Story Reimagined es una obra magistral de jazz latino de Bobby Sanabria, uno de los mejores bateristas de música latina de nuestro tiempo, y la gran orquesta Multiverse.

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El cruce de culturas vigoroso de Kiran Ahluwalia

Kiran Ahluwalia – 7 billion (Kiran Music, 2018)

La compositora y cantante Kiran Ahluwalia es un exploradora e innovadora en el campo de la música india moderna. En su álbum 7 Billion (7 mil millones), incorpora la energía de la guitarra eléctrica, el órgano y el bajo, junto con la batería, la tabla y la percusión global.

7 mil millones es fusión étnica en donde las fascinantes tradiciones del sur de Asia y las letras en la lengua india se combinan con un sabroso funk, rock potente y blues del desierto del Sáhara.

La banda que aparece en 7 Billion incluye a su esposo productor, Rez Abbasi, en la guitarra; Louis Simao en el órgano, acordeón y sintetizador; Rich Brown en el bajo eléctrico; Davide Direnzo en la batería; Nitin Mitta en tabla; y Mark Duggan en el yembe y percusión de mano.

7 mil millones es un álbum hermoso en donde varias tradiciones musicales del mundo están conectadas impecablemente.

Kiran Ahluwalia – 7 billio Ahluwalia ganó el premio JUNO (el equivalente canadiense al Grammy) dos veces. Arraigada en la música india y pakistaní, sus canciones están influenciadas por el blues del desierto africano y el jazz. Canta sobre el amor divino en forma de mística sufí. Nacida en la India y criada en Canadá, ahora vive en la ciudad de Nueva York.

Kiran explica: “Cuando tomas estilos diferentes y los combinas y no quieres un simple cortar y pegar, entonces realmente estás desarrollando un nuevo género híbrido. Hay planos para ayudarte. Para mí, es importante difuminar las fronteras musicales entre mi pasado indio, las influencias de los sonidos occidentales y las cosas que amo de África occidental, a saber, Mali. Es increíblemente estimulante cuando siento una conexión con las expresiones de diferentes culturas y luego descubro maneras de conectarlas sin problemas en mi música. Esos momentos de descubrimiento son sublimes. Realmente es la esencia de todo para mí“.

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Cribas, otra visión del folklore.

La agrupación originaria de la ciudad de La Plata (Argentina), Cribas presenta “Las Cosas“, en donde consolida su impronta sonora a través de catorce canciones originales. El carácter folklórico de sus composiciones deja ver una apuesta a la música popular latinoamericana, expresando un arriesgado y profundo tratamiento de los arreglos, influidos por el folk, el jazz, el tango y la música contemporánea, además de proponer una ruptura entre las barreras de lo popular y lo académico.

Cribas propone un sonido intimista que recrea la conexión con la tierra en instrumentos típicos de la música académica, pero que matiza las tonalidades para pintar el contacto místico del hombre de la tierra y su relación con ella. La construcción de las canciones y los arreglos tienen un aspecto experimental que denota una búsqueda personal del autor, adentrándose en el folklore desde el punto de vista de quien puede mirar desde afuera y jugar con las partes para crear un nuevo universo sonoro con nuevos elementos y colores.

Nacido en 2009, en sus orígenes Cribas se desarrolló como un proyecto de canciones rock con aires spinetteanos (en relación al célebre cantautor Luis Alberto Spinetta). Comenzando como un trío, con los años, la formación fue mutando. Poco a poco, las canciones  giraron hacia lo acústico y folclórico. En 2014, Cribas grabó su primer disco, “La hora diminuta” y en 2016, se consolidó como quinteto, integrado por Juan Fermín Ferraris en piano, voz y composición, Nicolás Padín en guitarra y coros, Federico Aguirre en acordeón y coros, Mariano Ferrari en contrabajo y coros, y Joaquín Mendy en batería y percusión.

Con poesías sutiles, los temas de “Las cosas”  (todos de Juan Fermín Ferraris), son como una sucesión de fotos que cuentan historias que relacionan instantáneas de la naturaleza con el desarrollo de la vida humana, que expresan impresiones espontáneas vueltas canción. Las líneas melódicas de la voz juegan como un viento que dice entre la expresión pura del hombre y el mensaje del texto, manteniéndose en un tono y con una emotividad cruda que sintonizan con las armonías creadas en tal sentido.

Durante el próximo mes de agosto Cribas inicia su “Gira por los ríos” con “Las cosas”, tocando en diferentes puntos de Argentina y Uruguay. Se presentarán el Jueves 23 en Rosario en “El Trocadero”, junto a Martin Reinoso. El viernes 24 en Paraná, en “Mainumbí”, junto a Sebastian Macchi. El sábado 25 en Concordia, en la “Fundación Magma”, junto al Dúo Messina –Gutiérrez y el domingo 26 en Montevideo, Uruguay, en El Mingus, junto a Maleza.

Punch Brothers lanza su primer álbum autoproducido, All Ashore

Punch Brothers, el grupo que mezcla la música de raíces estadounidense con el jazz, ha lanzado All Ashore (todos a tierra). El álbum incluye nueve canciones originales escritas por la banda. En For All Ashore, el quinteto incluye al guitarrista Chris Eldridge, el bajista Paul Kowert, el intérprete del banjo Noam Pikelny, el mandolinista y cantante Chris Thile y el violinista Gabe Witcher.

Como dice Thile, el álbum es “una meditación sobre relaciones comprometidas en el presente, particularmente en el clima político actual”. Esperábamos crear algo que fuera convincente como un pensamiento completo, en este caso como un pensamiento de nueve movimientos, o nueve piezas. Aunque es algo amplio en lo que está hablando, y en los personajes que están hablando... ”

Punch Brothers regresaron al mismo estudio de grabación, United Recording Studios en Hollywood (anteriormente Ocean Way) donde en donde grabaron The Phosphorescent Blues y Antifogmatic. Thile dice que sintieron que habían “establecido una relación” con el espacio; el mismo “nivel de confianza y amor que engendra confianza” también los llevó a producir el álbum ellos mismos, por primera vez.

Después de cuatro experiencias anteriores, sentimos que sabíamos lo que queríamos. Al entrar, sabíamos cómo debíamos sonar y creo que teníamos una visión lo suficientemente específica para hacer que la realidad coincidiera con eso, en lugar de hacer que alguien nos guíe hacia algo“, explica Thile. “Además, T Bone la última vez, con el ingeniero Mike Piersante, nos llevó a un lugar sónico donde sabíamos que queríamos estar de nuevo“.

 

 

Punch Brothers se formó en 2006. Su primer disco con Nonesuch, Punch, se lanzó en 2008 y combinó muchos elementos musicales que aportaron los músicos.

En 2009, comenzaron una residencia en el club íntimo The Living Room de la ciudad de Nueva York, probando canciones nuevas y finalmente editaron Antifogmatic.

En 2012, la banda lanzó Who’s Feeling Young Now. Su siguiente álbum fue The Phosphorescent Blues, producido por T Bone Burnett en 2015.

Recientemente, Chris Thile lanzó Thanks for Listening a finales de 2017, una colección de canciones escritas para su popular programa de radio.

Chris Eldridge se asoció con Julian Lage para grabar Mount Royal y Noam Pikelny lanzó su cuarto álbum en solitario, Universal Favorite. Tanto Mount Royal como Universal Favorite fueron producidos por Gabe Witcher, quien también estuvo detrás del último álbum de Sara Watkins, Young In All The Wrong Ways.

Paul Kowert ha estado grabando y haciendo giras con Dave Rawlings Machine y recientemente lanzó Unless, el primer álbum de Hawktail, la banda de Paul con Jordan Tice, Brittney Haas y Dominick Leslie.

Las Cafeteras de gira por Norteamérica

Las Cafeteras, la banda de Los Angeles que, hace dos meses llamó la atención de Trump con su camiseta ‘Yo No Creo En Fronteras’, está de gira por Norteamérica. Las Cafeteras hacen una mezcla de son jarocho, reggae y otros estilos.

Su gira se llama son Smashing Borders (rompiendo fronteras). Este sábado actuaran en La Isla Bonita Fest en la zona de Nueva York y en Brooklyn el domingo.

 

 

Su álbum más reciente es: Tastes Like L.A. (sabe a Los Angeles)

 

Las Cafeteras – Tastes Like L.A.

 

Fechas restantes:

21 de julio en Staten Island, NY – Isla Bonita Fest

22 de julio en Brooklyn, NY – Gold Sounds Bar

23 de julio en Baltimore, MD – Creative Alliance

25 de julio en Durham, NC – Duke University

26 de julio en Winston-Salem, NC – Stevens Center

27 de de julio en Chattanooga, TN – Miller Plaza

10 y 11 de agosto 10 en Edmonton Folk Fest, AB, Canada

12 de agosto en Regina Folk Fest, SK, Canada

17 de agosto en Boulder (Lyons), CO – Folks Festival

19 de agosto en Toronto, ON Canada – Small World Festival

La Mar de Músicas 2018 comienza el 20 de julio

La ciudad española de Cartagena acogerá del 20 al 28 de julio el festival La Mar de Músicas. Dinamarca es el país invitado con casi cien actividades de música, arte, cine, literatura y arquitectura

La música hecha por mujeres ha tenido siempre un protagonismo destacado en La Mar de Músicas, y es que desde hace años es el festival que más ha apostado por la presencia de grupos liderados por féminas en su programación; este año, el cuarenta por ciento. Texas, Soleá Morente, Nathy Peluso, Fatoumata Diawara, Morcheeba, Totó la Momposina y Cécile McLorin Salvant son sólo algunas de las artistas que estarán en Cartagena.

 

La filosofía de La Mar de Músicas sigue siendo la de apostar por artistas poco conocidos en España y realizar un programa ecléctico, con toques de exclusividad. De hecho de las 44 bandas programadas esta edición, 17 actuarán sólo en Cartagena, y otras cuatro inician su gira española en la ciudad portuaria. Las músicas del mundo seguirán siendo la etiqueta de un festival que el año pasado atrajo a 46000 personas, y que se ha hecho con los premios de Mejor Festival de España de Pequeño Formato tanto en los Premios Fest, como en los Iberian Festival Awards en sus últimas ediciones.

La Mar de Músicas realizará el mayor lanzamiento cultural que se haya hecho en España de Dinamarca. Para ello se han programado nueve grupos de música, diez películas, exposiciones con obras de 17 artistas, habrá encuentros con 4 escritores y por vez primera en el festival una actividad para analizar la arquitectura contemporánea del país invitado.

 

The KutiMangoes – foto realizada por Manuel Weber

 

Por el Especial Dinamarca van a pasar grupos conocidos en el pequeño país nórdico como Whomadewho, Afenginn, Eivør, The Savage Rose, Bisse, Wangel, The Kutimangoes, Liima y Den Sorte Skole, y que llegarán a España con ganas de abrirse camino más allá de sus fronteras.

 

Rubén Blades

 

Rubén Blades, Morcheeba, Texas, Gregory Porter, Salvador Sobral, La M.O.D.A y The Human League son los artistas que actuarán en el Auditorio Parque Torres, uno de los siete escenarios con los que cuenta este festival urbano, que se celebra en edificios y plazas del centro histórico de la ciudad portuaria.

Si el Auditorio Parque Torres congrega a las grandes figuras del festival, el Castillo Árabe es la sede para las propuestas más bailables. Esta edición este espacio está reservado para los brasileños Liniker e os Caramelows, los congoleños Kokoko! y los ya mencionados por ser parte del Especial Dinamarca Wangel, Liima y Den Sorte Skole.

El escenario de la plaza del Ayuntamiento, frente al edificio más bello de la ciudad, será una ventana abierta a los sonidos globales con los grupos Betsayda Machado y Parranda El Clavo de Venezuela, Elkin Robinson de la Isla de Providencia en Colombia, Wassoulou Groove de Mali, Nélida Karr y Alek Ikot de Guinea Ecuatorial, y Afenginn, The Kutimangoes y Eivør de Dinamarca.

 

Soleá Morente

 

Nuevo escenario este año será el Patio del Antiguo Cuartel de Instrucción de Marinería de Cartagena, hoy sede de la Universidad Politécnica de Cartagena y que acogerá a algunos de los grupos más relevantes de esta edición. Por allí pasarán Cory Henry & The Funk Apostles, Banda Magda y Cécile McLorin Salvant desde Estados Unidos, Songhoy Blues y Fatoumata Diawara desde Malí, la institución del rock danés The Savage Rosey por último, y dándole el toque español, Soleá Morente junto a Napoléon Solo, El Niño de la Hipoteca y Alba Molina cantándole a Lole y Manuel, acompañada por su madre Lole Montoya y Joselito Acedo.

La plaza San Francisco, rodeada de grandes edificios modernistas, acoge los conciertos de Somos de Aquí, programación que reúne cada año a bandas de la Región de Murcia y los de La Mar Chica, programación dedicada al público familiar. Este años los “Somos de Aquí” son Moy Gomar, Jamones con Tacones, Karmacadabra, Kuve y Poolshake. Por su parte, el programa infantil del festival, que cuenta además con talleres, tendrá las actuaciones de Fuman Musicóloco, No hay color por Karmacadabra y Don Flúor.

El Puerto de Cartagena es el escenario escogido para la noche patrocinada por Repsol “La Barra Libre de La Mar” con las actuaciones de Iseo & Dodosound, los palestinos 47Soul y la celebración de los 50 años en la música del mítico grupo de reggae Inner Circle. En el mismo puerto se encuentra el Auditorio El Batel, donde se le entregará el premio de La Mar de Músicas a la reina de la cumbia, Toto la Momposina, que actuará acompañada por la tibetana Yungchen Lhamo y la guineana Djanka Diabaté.

Casi cincuenta actividades hay programadas en las secciones paralelas de La Mar de Músicas: arte, cine, letras y arquitectura.

Más infomación: lamardemusicas.cartagena.es

Soweto Gospel Choir celebrará el centenario de Nelson Mandela con el álbum Freedom

El 14 de septiembre de 2018, el grupo sudafricano Soweto Gospel Choir lanzará Freedom (Libertad) su sexto álbum bajo el sello Shanachie Entertainment. Es una colección de canciones de libertad de Sudáfrica y más allá, marcando el Centenario del nacimiento de Nelson Mandela.

El director musical de Soweto Gospel Choir, Diniloxolo Ndlakuse, comentó lo siguiente: “El significado de la centésima conmemoración de Nelson Mandela para los sudafricanos es, en primer lugar, un recordatorio del papel desempeñado por Nelson Mandela para sacar a Sudáfrica de una posición de ser una sociedad antidemocrática y opresiva a una coexistencia pacífica para todos los grupos raciales. Mandela representa amor, paz, perdón y fortaleza para el coro. Es un símbolo de inspiración para el coro“.

Soweto Gospel Choir canta sobre la libertad en seis de los once idiomas oficiales de Sudáfrica, pero principalmente en zulú o sotho, así como en inglés. El primer sencillo de Soweto Gospel Choir es “Umbombela”, que significa “canción de tren”, es una composición que habla de las tribulaciones experimentadas por los sudafricanos negros durante la era de la segregación racial, cuando los trabajadores migrantes se vieron obligados a viajar largas distancias lejos de sus familias para poder cumplir con las duras demandas económicas y políticas dictadas por el gobierno.

Con el lanzamiento de la primera grabación de Soweto Gospel Choir, Voices From Heaven, en 2004 y su primera gira internacional, el coro tuvo un gran éxito, actuando en escenarios prestigiosos en tres continentes.

Blessed, editado en 2005 ganó un Grammy. Fue seguido por African Spirit de 2007, que también recibió un Grammy. El coro lanzó un CD y DVD llamado Live at Nelson Mandela Civic Theatre en 2008 y en 2009.

En 2010, Soweto Gospel Choir lanzó Grace y colaboraron con U2 en la campaña promocional de ESPN para la Copa Mundial de la FIFA 2010, ganando un Emmy deportivo.

Em 2013 salió Divine Decade – Soweto Gospel Choir & Friends y se conmemoró el décimo aniversario del Coro. Fue una ocasión llena de estrellas a la que se unieron Ladysmith Black Mambazo y Johnny Clegg, entre otros.

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