El guitarrista y cantante Samba Touré edita Wande

Cuando Samba Touré, cantante y guitarrista maliense, estaba planeando grabar Wande (La amada), su tercer lanzamiento con el sello Glitterbeat, tenía buenas ideas para cómo debería sonar. Pero una vez que terminaron las sesiones de grabación, supo que había hecho algo completamente diferente, algo aún más satisfactorio: una colección de canciones cálidas. Un álbum que parecía como estar en casa.

Teníamos un álbum totalmente diferente en mente“, admite Touré, “un regreso a algo más tradicional, casi acústico”. Creo que este álbum es menos oscuro que los anteriores. Tiene algunas canciones tristes y serias, pero suena más pacífico. Todas las primeras tomas se han guardado, no volví a grabar ninguna pista de guitarra, las primeras tomas son las que puedes escuchar en el álbum. Hay menos regrabaciones que en álbumes anteriores, no tratamos de pulir o hacer algo perfecto, da una sensación más natural”.

Wande se grabó rápidamente, en “aproximadamente 2 semanas, solo por las tardes y con descansos el fin de semana para tocar en las bodas, ¡así que fue muy relajado! Una de las principales dificultades que tenemos en Mali es reunir a todos en el mismo momento.

Los músicos jóvenes tocan en al menos tres bandas o tiene un trabajo secundario, sólo unos pocos músicos en Malí pueden vivir de la música y tienen que trabajar, por lo que siempre están ocupados. En su mayor parte, grabé las guitarras primero, luego vinieron la percusión y el bajo. Pero en “Hawah”, una canción que toqué antes, era totalmente incapaz de tocar la guitarra sin cantarla, así que decidí grabar la guitarra y voz juntas”.

Solo se habían escrito dos canciones antes de entrar en el estudio: la canción de amor para su esposa que da título al disco, y “Tribute to Zoumana Tereta”, un homenaje al fallecido intérprete de soku (un violín de las región Wasulu) que a menudo colaboró con Touré, y que vive en una muestra que se teje a lo largo de la canción.

 

 

El énfasis está en el ritmo, y el tambor parlante llamado tama que siempre ha sido una característica de la música de Touré. El tama aparece a lo largo del álbum y es fundamental en el sonido del grupo.
Siempre me ha gustado el tama, por sus sonidos, es el único tambor que puede tocar ocho notas. Es muy potente. Y me encanta el tama por su símbolo, su tradición. Antes de los teléfonos móviles, cuando sucedía algo importante en un pueblo, la gente se reunía en un lugar con la llamada del tama. Es un símbolo de llamada a la reunión”.

Touré comenzó como guitarrista en una banda de sukus, pero todo se alteró cuando se convirtió en acompañante de la leyenda más grande de Mali, el difunto Ali Farka Touré (con quien su madre había actuado). Más tarde, como solista, se ha hecho famoso en todo el mundo por su apasionado trabajo como guitarrista y cantante brioso.

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Soar, mejor disco de músicas del mundo de junio de 2018

El álbum Soar (Bendigedig), del dúo integrado por la arpista galesa Catrin Finch y el virtuoso de la kora Seckou Keita (Senegal), ha alcanzado el primer lugar en el mes de junio de 2018 de la Transglobal World Music Chart, la lista de los mejores discos de músicas del mundo.

El resto de la lista:

2. El Naán – La Danza de las Semillas – El Naán
3. Toko Telo – Diavola – Anio
4. Monsieur Doumani – Angathin – Monsieur Doumani
5. Nancy Vieira – Manhã Florida – Lusafrica
6. Koum Tara – Koum Tara – Odradek
7. Dobet Gnahoré – Miziki – LA Café
8. The Turbans – The Turbans – Six Degrees
9. Solju – Ođđa Áigodat – Bafe’s Factory
10. Shadi Fathi & Bijan Chemirani – Delâshena – Buda Musique

11. Djénéba & Fousco – Kayeba Khasso – Lusafrica
12. Arat Kilo, Mamani Keïta, Mike Ladd – Visions of Selam – Accords Croisés
13. Sonido Gallo Negro – Mambo Cósmico – Glitterbeat
14. Samba Touré – Wande – Glitterbeat
15. Seun Kuti & Egypt 80 – Black Times – Strut
16. Amsterdam Klezmer Band & Söndörgő – Szikra – Vetnasj
17. Rahim AlHaj Trio – One Sky – Smithsonian Folkways
18. Grupo Mono Blanco – ¡Fandango! Sones Jarochos de Veracruz – Smithsonian Folkways
19. Eva Salina & Peter Stan – Sudbina: A Portrait of Vida Pavlović – Vogiton
20. Sopa de Pedra – Ao Longe Já Se Ouvia – Sopa de Pedra

Más detalles: www.transglobalwmc.com

Clarence Fountain, fundador de Blind Boys of Alabama, fallece a los 88 años

El célebre cantante de góspel Clarence Fountain murió el domingo 3 de junio de 2018 en un hospital en Baton Rouge, Luisiana. Tenía 88 años.

Clarence Fountain creció en una familia musical y religiosa en Selma, Alabama. Sus padres, William e Ida Fountain, formaban parte del coro de la iglesia y con frecuencia cantaban en casa. Clarence perdió la vista a los dos años, y a la edad de ocho años se matriculó en el Instituto Talladega para Sordos y Ciegos de Alabama. Allí se unió a un gran coro de niños y aprendió a leer música en Braille.

Inspirado por las emisiones de radio semanales de la CBS del Cuarteto Golden Gate, un grupo popular de góspel de aquella época, él y sus amigos decidieron comenzar su propio grupo de canto góspel. Aplicaron las habilidades musicales que les enseñaron en la escuela y comenzaron a escribir y arreglar canciones. Aunque comenzaron llamándose Happyland Singers, pronto cambiaron su nombre a Blind Boys y comenzaron a cantar juntos como un sexteto en 1939. Se mudaron a Birmingham y actuaron diariamente en la emisora de radio WKAX.

Al principio, los Blind Boys emularon el “estilo de armonía del jubileo”, que se había originado en el siglo XIX entre los trovadores y los cuartetos universitarios negros, y alcanzó el apogeo de su popularidad en la década de 1930 a través de grabaciones y transmisiones de radio. En la década de 1940, sin embargo, el estilo de la armonía del jubileo se convirtió en un canto de grupo “góspel”. Este estilo incluía a un cantante principal que gritaba y predicaba, a menudo acompañado de instrumentos con ritmo e influencias del blues, que incluían guitarra eléctrica, piano y, a veces, instrumentos de viento y tambores. Además, el góspel usaba ritmos más fuertes y técnicas vocales, como gemidos, melismas y falsetes. Por el contrario, los grupos de jubileo se ponían de pie y actuaban con mayor moderación.

Los Blind Boys estuvieron a la vanguardia de esta transición. Mezclaron hábilmente armonías precisas de cuatro partes con gritos agudos solistas y un ritmo de acompañamiento basado en el rhythm and blues, rápidamente destacaron como intérpretes principales del sonido góspel “duro” de la posguerra. El estilo del grupo recibió el apodo de “destrozadores de casas”, un término que se refiere a su capacidad de “gritar” al público de la iglesia incitando a sus oyentes a estados de éxtasis espiritual. Fountain dijo: “Tienes que sentir el espíritu en lo más profundo de tus entrañas, y debes saber cómo hacer que alguien más lo sienta“.

A fines de la década de 1940, los Blind Boys estaban de gira a tiempo completo, actuando para públicos segregados en iglesias y escuelas. En 1947, después de la muerte accidental de la cantante principal Velma Trailer, el grupo se reorganizó y Fountain compartió el canto principal con el reverendo Paul Excano, quien finalmente abandonó el grupo.

Bajo la dirección de Fountain, los Blind Boys grabaron su primer éxito en 1949 con “I Can See Everybody’s Mother But Mine”. De acuerdo con Fountain, “De repente estábamos de moda, tocando para públicos de 1,000 o más. Estábamos en alza, y el manager de Ray Charles nos ofreció un gran negocio para ir de gira tocando rock, soul, pop, todo, excepto góspel, así que, naturalmente, todos los Blind Boys, incluido nuestro representante, querían que hiciéramos pop, para ser realmente importantes. Excepto yo, claro. Mira, yo era el jefe de los Blind Boys, era el cantante principal. Y de ninguna forma íbamos a hacer pop o rock. ¿Quién lo necesitaba? Nuestras panzas estaban llenas, no teníamos dolores de cabeza, estábamos felices. Al menos, estaba feliz cantando góspel de verdad”.

En 1953, los Blind Boys comenzaron una exitosa asociación de cinco años con Specialty Records en Los Ángeles, pero finalmente abandonaron el sello debido a la presión renovada para pasar al rock ‘n’ roll. Fountain se negó, y luego comentó: “The Blind Boys han dedicado nuestras vidas a servir al Señor“.

A pesar de las oportunidades para popularizar su música, los Blind Boys continuaron interpretando su sonido gospel tradicional, recorriendo los Estados Unidos y el extranjero. A principios de la década de 1980, Fountain and the Blind Boys había sido rebautizado como Blind Boys of Alabama y presentaba al legendario cantante bajo J. T. Clingscale, de los Blind Boys of Mississippi. En 1983, recibieron fama nacional por su actuación en la producción dramática Evangelio en Colonus, una adaptación contemporánea de Edipo en Colonus por Sófocles. El drama se desarrolla en una iglesia pentecostal negra. Los Blind Boys cantaron el papel de Edipo, el rey ciego de la tragedia griega.

Fountain, George Scott, Johnny Fields y Jimmy Carter estuvieron con el grupo desde sus inicios. El grupo ha crecido y cambiado junto con los tiempos, agregando nuevos miembros según sea necesario. Gradualmente durante su carrera de cinco décadas, el conjunto modernizó su sonido al agregar más cantantes, guitarristas y un baterista. A veces cantan en armonía de cuatro partes; a veces se expanden a la armonía de seis partes.

Clarence Fountain fue miembro fundador del grupo de gospel ganador de GRAMMY Blind Boys of Alabama, y fue visto como un pilar de inspiración en la industria de la música,” declaró hoy Neil Portnow, Presidente y CEO de la Academia de grabación estadounidense. “Prestó su voz características d al extenso catálogo de grabaciones del conjunto durante más de 70 años y ayudó a llevar al grupo al éxito en 1948 con “I Can See Everybody’s Mother But Mine”. Con Blind Boys, ganó cuatro premios GRAMMY en la categoría de Mejor Álbum de Góspel Soul tradicional y el grupo fue honrado con el Premio a la Trayectoria Profesional (Lifetime Achievement Award) de la Recording Academy en 2009 por sus notables contribuciones a la música góspel. Clarence será profundamente extrañado, y nuestros sentimientos están con sus seres queridos durante este momento difícil.”

16 Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián

Beauty and the dogs

Abril 2018.
Un Certamen Duro, Necesario, Coherente

Violencia institucional y particular, malos tratos hacia la mujer, refugiados del mundo entero unidos, un Mundo de caos y penurias, desgracias de todo tipo, auges de los nuevos fascismos, resistencias pacíficas, nacientes organizaciones anti-consumistas…el catálogo de temáticas de un certamen como el de San Sebastián (“Festival de Cine y Derechos Humanos”) no es precisamente la alegría de la huerta. Pero, precisamente por ello, es una exposición cinematográfica dura, coherente, necesaria, nada complaciente.

Porque no es nada agradable asistir a todas las miserias que circulan por el planeta Tierra y es necesaria una gran capacidad de asimilar y tragar para enfrentarse a estas realidades mundanas que, queramos o no, están ahí para quien quiera conocerlas/recordarlas/revisarlas.

No hubo en esta ocasión la Gran Película, como la del pasado año de Goran Paskalievich, pero hubo un tono medio de calidad apreciable, y dos o tres filmes se acercaron al cénit.

Sin duda, y por una vez público y crítica especializada se pusieron de acuerdo, la cinta ganadora, “Beauty and the dogs”, de la cineasta tunecina Kaouther Ben Hania fue la más destacada de los siete días de proyecciones (a razón de dos, tres, a veces cuatro propuestas cotidianas). La historia de una joven, agraciada, sensible chica de nuestro tiempo, por más árabe que sea su procedencia, es tan verídica como lamentable. Violada por dos o tres policías, la mujer tiene que denunciar al propio cuerpo de “seguridad” su situación. Como meterse en la boca del lobo, vamos. La película es valiente en su denuncia de la corrupción policial, impregnada hasta la médula de autoritarismo fascista, aun revestido con ropajes y modales “democráticos” y “amables”.

Los que conocen cómo se las gastan los anti-cuerpos policiales en Marruecos, Senegal, Mali, Níger, Egipto y demás países africanos no podrán estar más de acuerdo con esta visión. Ni primavera árabe ni eufemismo de ningún otro tipo. El mal anida en las personas, y la violencia contra la mujer, y más si es joven, guapa y moderna, se ampara en la impunidad de una chapa en la solapa y el corporativismo cobarde de una institución. Mención muy especial en este film, de múltiple coproducción de siete países, para su notabilísima actriz, que sabe transmitir con su mirada, muchas veces vacía, todo el asco, toda la repulsión, todo el dolor que le produce su sometimiento.

Buen subtitulo del festival para esta sesión: “Culpabilizar a la víctima”. El omnímodo poder, ciego y sordo, de las instituciones que se suponen tienen que velar por los ciudadanos, se muestra aquí sin aspavientos ni gritos, más bien con susurros silenciosos que son algo más que elocuentes.

Otra película merecedora de premio público fue “La Cifra Negra de la violencia institucional”, del catalán Ales Pay. Denuncia de torturas reales, violencias insoportables ejercidas por funcionarios españoles en centros carcelarios o de reclusión. Los damnificados cuentan sus historias pero lo hacen, ay¡, de la manera menos cinematográfica posible: planos fijos e inamovibles, bustos parlantes, retórica verbal que no visual. Lástima de tan pobre realización para un tema tan grave y denunciable.

Otra buena cinta fue “Freedom for the wolf”, de Rupert Tussel (Alemania), caleidoscopio deslumbrante de la situación actual de muchas “democracias” que pululan por el mundo. Rodada en India, Japón, Hong Kong, Túnez y Estados Unidos, el film es un recorrido de una enrome riqueza y belleza visual, todo lo contrario que la película anteriormente mencionada-

El Festival se cerró, fuera de concurso, con la proyección de “El taller de escritura”, del gran director francés Laurent Cantet. Nueva incursión suya, tras la excelente ”La clase”, por el mundo de los jóvenes, de la Enseñanza, los rebrotes nazis en contextos sociales deprimidos, la importancia de la educación…Como si de un nuevo François Truffaut se tratase (“El buen salvaje”, “Los 400 golpes”, vida y milagros de Antoine Doinel, Cantet refleja con sobriedad y rigor/vigor, no exento de toques humorísticos y satíricos, una sociedad que está luchando por nacer, cuando todavía hay otra, mucho más poderosa, que está trabajando por morir.

Gala de entrega de Premios Alcobendas Flamenca Nuevos Talentos 2018

La Gala de entrega de Premios Alcobendas Flamenca Nuevos Talentos 2018 tendrá lugar a partir de las 19:30h del próximo viernes 25 de en el Auditorio Paco de Lucía en el Centro de Arte Alcobendas, Madrid.
Actuarán los premiados en la edición 2018: Paco Soto (guitarra), Ángeles Toledano (cante) y Ángel Reyes (baile). Como artista invitada también actuará Macarena Ramírez, la bailaora ganadora de la pasada edición 2017.

La cantaora Ángeles Toledano, nacida en la localidad jienense de Villanueva de la Reina, que, con tan solo 22 años, exhibe sensibilidad y técnica con hechuras de joven figura.

Ángeles Toledano

 

 

El ansia de superación y la perseverancia han premiado al bailaor Angel Reyes y al guitarrista Paco Soto, que ya probaron suerte en ediciones anteriores.

De Paco Soto (Águilas, Murcia) se valora la originalidad y el buen juego de compás, y del cordobés Ángel Reyes la progresión sin techo de su juego de pies, por su claridad, limpieza y buena dinámica.

 

 

 

Los tres también recibirán un video de su actuación como premio otorgado por AIE, Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes. Los votos por Facebook de miles de los seguidores de la joven cantaora onubense Beatriz Romero la auparon al premio de Público.

La gala será presentada por Teo Sánchez, director del programa Duendeando de Radio 3.

Alcobendas Flamenca Nuevos Talentos se enmarca en el programa de la semana Alcobendas Flamenca que del 21 al 26 de mayo reúne diferentes actividades en torno al mundo del flamenco y cierra con la actuación de Carmen Linares.

Viernes 25 de mayo – 19:30 h.
Auditorio Paco de Lucía
Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel, 9
Metro Marqués de la Valdavia

Entradas en taquillas municipales y en ticketea.com
Toda la información en www.alcobendasFlamencaNuevosTalentos.org

Convocatoria para el Concurso de Músicas del Mundo Italiano Andrea Parodi

El “Premio Andrea Parodi”, el único concurso italiano de músicas del mundo, está abierto a artistas de todo el mundo. La fecha límite es el 31 de mayo de 2018. Las finales de este año se llevarán a cabo del 8 al 10 de noviembre en Cagliari en el Teatro Auditorium Comunale.

El ganador tendrá la oportunidad de actuar en las ediciones de 2019 de la exposición europea de jazz en Cerdeña, Folkest en Friuli, Negro Festival de Pertosa (SA), Mei di Faenza, en los Premios Parodi y en otros eventos que se anunciarán tan pronto como sea posible. Además, los ganadores tendrán derecho a una beca de crecimiento artístico por un importe máximo de 2.500 euros. El ganador del premio de la crítica recibirá un video hecho por profesionales a expensas de la Fundación Andrea Parodi.

Las solicitudes son gratuitas y deben enviarse antes del 31 de mayo de 2018 a través de www.fondazioneandreaparodi.it .

Requisitos:

– 2 temas (2 archivos mp3, audiciones o grabaciones en vivo, indique con cuál de los dos temas quiere competir);
– textos y posibles traducciones al italiano de los dos temas;
– biografía artística del competidor (individual o grupal);

El Premio Andrea Parodi fue creado para rendir homenaje a Andrea Parodi, un músico que comenzó como músico de pop y se convirtió en un innovador líder de la música de raíces italiana. La directora artística es Elena Ledda.

Foto del títular: Andrea Parodi

The Gloaming edita nuevo álbum en vivo

The Gloaming, una de las formaciones emblemáticas de la música irlandesa ha editado un álbum en vivo, Live at the NCH. Thomas Bartlett, el productor y pianista de la banda, examinó dos años de actuaciones y se decidió por seis temas: ‘The Booley House’, ‘Cucanandy’, ‘The Sailor’s Bonnet’, ‘The Pilgrim’s Song’, ‘The Rolling Wave’ y ‘Fáinleog’.

Estas actuaciones se alargan y recorren nuevos caminos musicales inesperados, incorporando nuevas melodías y reorganizando las viejas, llenas de la emoción y el deleite de cinco músicos magistrales.

The Gloaming son Iarla Ó Lionáird (voz), Caoimhín Ó Raghallaigh (hardanger d’amore), Dennis Cahill (guitarra), Martin Hayes (violin) y Thomas Bartlett (piano).

Compra Live at the NCH

“Nuestra voz tiene cuerpo”; una visión sobre el canto asociado al yoga.

Mariana Masetto une sus dos pasiones, el canto y el yoga, en una práctica constante y cotidiana. A partir de su experiencia y estudio crea este método de entrenamiento da la voz a través del yoga.

La autora va proponiendo, a lo largo de las páginas de “Nuestra voz tiene cuerpo”, la práctica de diferentes posturas de yoga, explicándolas en detalle para ser realizadas por todo tipo de público, que resultan útiles para la desestructuración del ser, con el objetivo de volverlo más consciente y predispuesto a la evolución integral.

Mariana Masetto plasma en este libro toda su experiencia como artista que lleva grabados cuatro discos desde 2010, todos con sus canciones y su voz como protagonista, pero con mucha presencia del ritmo y la percusión y una gran relación con los elementos de la naturaleza.

Además, y de manera destacable, capitaliza sus vivencias de años como profesora de canto transformándolas en este método que apunta a acompañar al lector a superar sus propios límites o barreras emocionales, mentales o técnicas, al incorporar al entrenamiento vocal la práctica de yoga.

Los estados que Mariana Masetto consiguió experimentar en su práctica de Yoga como cantante son las señales que la autora fue registrando para crear este nuevo universo capaz de aportar un punto de vista novedoso en el área del entrenamiento de la voz.

Nuestra voz tiene cuerpo” es un método que va llevando al practicante a vivir situaciones diferentes, tanto desde el punto de vista físico como desde la consciencia de su cuerpo, mente y emociones.

También contiene información y saberes acerca del cuerpo físico, como la estructura del aparato fónico o el respiratorio que aportan datos precisos de gran utilidad para alguien que se desarrolla o quiere desarrollarse en el mundo del canto. Y de la misma manera acerca al interesado en el mundo de la voz a los conocimientos esenciales del yoga con claridad y fundamento.

Recorrer las páginas de “Nuestra voz tiene cuerpo” resulta una lectura amena y llevadera para incorporar conocimiento teórico y práctico de dos mundos que viven en Mariana Masetto como son el yoga y el canto; mundos que esta particular artista y docente ejercita cada día con excelentes resultados.

Nuestra voz tiene cuerpo” está disponible en Amazon USA y Américas y en Amazon España.

Más información en http://www.marianamasetto.com.ar/libro

 

 

Frescura y sobria elegancia de Man of La Mancha

Eliane Elias – “Music from Man of the Mancha” (Concord Jazz, 2018)

Siempre vamos al pasado. Todo vuelve. La idea es buscar un punto de partida. Un referente en pos de construir una narrativa. Es el caso de “El Hombre de la Mancha”, un musical surgido a mediados de los años sesenta, con composiciones del estadounidense Mitch Leigh. Hace 23 años, a la paulistana Eliane Elias se le encargó retrabajar este musical, por encargo de Leigh. Por razones contractuales, el disco nunca vio la luz hasta el pasado mes de abril y el fallecimiento del compositor complicó su publicación.

La brasileña Eliane desviste este musical basado en Miguel Cervantes, el mismo de El Quijote. Algunos detalles interesantes acontecen. La lectura de Elias no acarrea nada ibérico, salvo la portada de Eliane en el disco. Tampoco Elias interpreta ninguna de las nueve canciones.

El álbum tieme mucho que destacar. Por ejemplo, el coqueteo del bossa “The Impossible Dream” es convocante con esa sutileza de la mano izquierda de Elias. Hierve lentamente y se apodera de nosotros por la ternura y un drama que es capaz de tejer es mano derecha. En cambio, con “A little Gossip”, entra una digitación sólida, como un frevo, ese género musical de noroeste de Brasil. El tema cambia de colores y de repentinos tempos. La percusión de Manolo Badrena decora con exactitud junto al esposo de Elias, Marc Johnson en el bajo y la bateria de Satoshi Takeishi.

En esos planos resolutos y sosegados, Elias es eficaz. Nada sobra. En ese tenor se desliza con “The Barber song”, esta vez acompañado de otra sección ritmica: Eddie Gomez en el bajo y la bateria de Jack Dejohnette junto a Badrena.

En “The Barber Song” el bajo marca el pulso de un baiao en tanto que el salpicar del triángulo delata una sección rítmica que llega aderezada de lo afrocaribeño. Los arreglos de la brasileña están a merced de imaginación y dinamismo. Otra magnifica muestra recae sobre “It is all the same”. Respira algo aflamencado, con una inclinación a la clara conversación del bajo y el piano, pero adherido al jazz tradicional.

“Man of the Mancha” posee renovada frescura y sobria elegancia. La pianista brasileña reinventa a un “Hombre de la Mancha” postrado en el olvidado. Asombra pensar que se grabó hace más de dos décadas

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Balsam Range y Atlanta Pops Orchestra Ensemble editan ‘Mountain Overture’

Mountain Overture” (la obertura de la montaña) de Balsam Range y Atlanta Pops Orchestra Ensemble ya está disponible. En este álbum, editado por Mountain Home Music Company, el bluegrass y la música sinfónica colaboran con buen gusto. “Mountain Overture” recoge las canciones más queridas del grupo y las eleva, uniendo lo rústico y lo sinfónico para obtener un efecto profundo. Las partituras musicales, arregladas por Wes Funderburk y Shelley Washington, aportan un elemento nuevo a las canciones sentimentales y melancólicas de Balsam Range.

Balsam Range, formada en 2007, se ha convertido en uno de los grupos más galardonados del bluegrass en los últimos años, obteniendo 10 Premios Internacionales de la Asociación de Medios Bluegrass en los talones de seis álbumes aclamados por la crítica. El grupo ha dejado al público fascinado mientras encabeza los principales festivales de costa a costa, vendiendo locales en todo el país y en múltiples apariciones en el Grand Ole Opry. Su álbum anterior, Mountain Voodoo gozó de gran popularidad: debutó en el # 4 en la lista de álbumes de Billboard Bluegrass y permaneció en esa tabla durante 73 semanas. Tres sencillos de ese álbum alcanzaron el número 1 en la Bluegrass Today Chart, incluyendo “Blue Collar Dreams”, que pasó tres meses consecutivos en la cima.

Acerca de Atlanta Pops Orchestra Ensemble

The Atlanta Pops Orchestra Ensemble es una versión de 14 músicos de la Atlanta Pops Orchestra que normalmente cuenta con 36 músicos. Este conjunto condensado se estableció durante la temporada del 70º aniversario de la Atlanta Pops Orchestra en 2015, con el fin de aprovechar las nuevas oportunidades para los Atlanta Pops para actuar en situaciones que son más propicias para un grupo más pequeño de músicos. Han coborado con John Driskell Hopkins, Joe Gransden Big Band y con Balsam Range. El Atlanta Pops Orchestra Ensemble está compuesto por músicos de cuerdas, instrumentos de viento, metales y ritmos de la Atlanta Pops Orchestra.

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