Apertura del Salón de la Fama y Museo del Bluegrass

Salón de la Fama y Museo del Bluegrass

La gran inauguración del Salón de la Fama y Museo del Bluegrass (Bluegrass Music Hall of Fame & Museum) será del 18 al 20 de octubre de 2018. El edificio de $15 millones está ubicado en 311 West Second Street, en el centro de Owensboro, Kentucky. Abrirá sus puertas con tres días de música destacando el rico pasado, el presente dinámico y el emocionante futuro de la música bluegrass.

Horario de eventos

El jueves 18 de octubre, la Gran Inauguración comienza con una noche de celebración del Salón de la Fama. Entre los miembros del Salón de la Fama se encuentran Bobby Osborne, Doyle Lawson, Larry Sparks, Rodney Dillard y Paul Williams. Los artistas que honran a los miembros del Salón de la Fama incluyen a Tim O’Brien, Stuart Duncan, Charlie Cushman, Mike Bub, Larry Stephenson y Mike Scott. La ‘Banda de la Casa’ contará con Sierra Hull, Stuart Duncan, Charlie Cushman, Mike Bub, Tim Stafford y Josh Swift. Este evento es solo por invitación y cerrado al público.

Sam Bush se presentará ante el público el viernes 19 de octubre en el primer evento con boleto en el Teatro Woodward.

El sábado 20 de octubre, tendrá lugar un concierto gratuito en el escenario al aire libre, patrocinado por Jagoe Homes. Los vendedores de alimentos y bebidas estarán disponibles para los asistentes. El espacio es limitado, sin asientos. Las puertas se abren al mediodía.

Horario del sábado:

13:00 – High Fidelity
15:00 – Front Country
17:00 – Town Mountain
19:00 – Yonder Mountain String Band

Mandolin Orange lanzan el video musical de Time We Made Time

El grupo emergente de música de raices estadounidenses y bluegrass Mandolin Orange han lanzado “Time We Made Time” (ya es hora de dedicar tiempo), una canción de su próximo álbum ‘Tides Of A Teardrop’ (1 de febrero de 2019 con el sello Yep Roc). El dúo ha presentado un video musical espléndido para la canción.

Mandolin Orange tiene su sede en Chapel Hill, Carolina del Norte. Incluye a Andrew Marlin en la voz, mandolina, guitarra, banjo y Emily Frantz en la voz, violín y guitarra. A Mandolin Orange se le conoce por su magnífica interacción vocal e instrumental.

 

 

Las grabaciones anteriores del grupo incluyene Quiet Little Room (2010), Haste Make / Hard Hearted Stranger (2011), This Side of Jordan (2013), Such Jubilee (2015) and Blindfaller (2016).

A Tiempo Real, mejor disco de músicas del mundo en la Transglobal World Music Chart de octubre de 2018

El álbum doble A Tiempo Real – A New Take on Spanish Tradition (A Tiempo Real – Una nueva versión de la tradición española), del grupo español Vigüela es el mejor disco de músicas del mundo en la Transglobal World Music Chart de octubre de 2018. La Transglobal World Music Chart publica los mejores discos de músicas del mundo cada mes.

Vigüela ha capturado la esencia de la música folclórica española como se realiza en las casas de los pueblos, fiestas y celebraciones en la provincia de Castilla-La Mancha y más allá. El grupo interpreta su material con instrumentos folclóricos y utensilios de cocina como guitarros manchegos (guitarras pequeñas de Castilla-La Mancha), castañuelas, panderos, guitarras folclóricas, triángulos, rabel, laúdes, jarrones, botellas, mortero y sartenes.

En la tradición popular española, la música no pertenecía sobre el escenario: era música de las calles del pueblo. A Tiempo Real lo ha editado el sello británico ARC Music.

El resto de la lista:

2. SANS – Kulku – Cloud Valley
3. Ammar 808 – Maghreb United – Glitterbeat
4. Samba Touré – Wande – Glitterbeat
5. Anandi Bhattacharya – Joys Abound – Riverboat / World Music Network
6. Fatoumata Diawara – Fenfo – Montuno / Shanachie / Wagram
7. Minyeshu – Daa Dee – ARC Music
8. Baul Meets Saz – Namaz – Seyir Muzik
9. Grupo Mono Blanco – ¡Fandango! Sones Jarochos de Veracruz – Smithsonian Folkways
10. V.A. – Two Niles To Sing a Melody: The Violins & Synths of Sudan – Ostinato

11. Chancha Vía Circuito – Bienaventuranza – Wonderwheel
12. Angelique Kidjo – Remain in Light – Kravenworks
13. Yossi Fine & Ben Aylon – Blue Desert – Blue Desert
14. Arat Kilo, Mamani Keïta, Mike Ladd – Visions of Selam – Accords Croisés
15. The Turbans – The Turbans – Six Degrees
16. Cimbalom Brothers – Testvériség / Brotherhood – Fonó Budai Zeneház
17. Marta Gómez – La Alegría y el Canto – Aluna
18. Eliades Ochoa & Alejandro Almenares – Dos Gigantes de la Música Cubana – Tumi
19. Harouna Samake – Kamale Blues – One World
20. Stella Chiweshe – Kasahwa: Early Singles – Glitterbeat

21. Sväng – Sväng Plays Tango – Galileo Music
22. Sekou Bah – Soukabbè Mali – Clermont Music
23. Cemîl Qoçgîrî & Manuel Lohnes – Bêdawîtî – Ahenk Müzik
24. Opium Moon – Opium Moon – Be Why Music
25. Red Baraat – Sound the People – Rhyme & Reason
26. Bombino – Deran – Partisan
27. Hermeto Pascoal – Hermeto Pascoal e sua Visão Original do Forró – Scubidu
28. Riccardo Tesi & Banditaliana – Argento – Visage
29. Small Island Big Song – Small Island Big Song – Small Island Big Song
30. Dur-Dur Band – Dur-Dur of Somalia: Volume 1, Volume 2 & Previously Unreleased Tracks – Analog Africa

31. Alba Griot Ensemble – The Darkness Between the Leaves – Riverboat / World Music Network
32. Jaune Toujours – Europeana – Choux de Bruxelles
33. Mehdi Rostami & Adib Rostami – Melodic Circles – ARC Music
34. Catarina Dos Santos – Rádio Kriola – ARC Music
35. Ann O’aro – Ann O’aro – Buda Musique
36. Okonkolo – Cantos – Big Crown
37. Markus & Shahzad – Tumba ! – Dionysiac Tour
38. Monsieur Doumani – Angathin – Monsieur Doumani
39. Nancy Vieira – Manhã Florida – Lusafrica
40. Bokanté + Metropole Orkest – What Heat – Real World

Otis Rush, mítico guitarrista de blues de Chicago, muere a los 84 años

Otis Rush

Masaki Rush, esposa de Otis Rush, anunció hoy que el gran músico de blues de Chicago, Otis Rush, murió el 29 de septiembre de 2018 debido a complicaciones de un ataque al corazón que sufrió inicialmente en 2003.

Conocido como el musico clave del “West Side Sound” (sonido del lado oeste) de Chicago, Rush ejemplificó el estilo modernizado de blues urbano con su guitarra amplificada y con influencias del jazz, voces apasionadas y una sección de viento completa. La primera grabación de Rush en 1956 en “I Can not Quit You Baby” de Cobra Records alcanzó el #6 en las listas de éxito Billboard R & B Charts y lo catapultó a la fama internacional. Después grabó un catálogo de música que contiene muchas canciones que ahora se consideran clásicas del blues.

A finales de la década de 1950 y principios de la década de 1960, junto con Magic Sam, Buddy Guy, Mighty Joe Young y el joven Luther Allison, Rush creó un estilo de guitarra que inspiró a generaciones de aspirantes a blues. Su guitarra emocionante y su interpretación vocal igualmente impresionante lo convirtieron en una leyenda del blues de Chicago.

Rush nació y se crió en Filadelfia, Misisipi, y aprendió a tocar la guitarra y la armónica cuando era niño. Se mudó a Chicago en 1948, y se inspiró en la música de Muddy Waters, Howlin ‘Wolf y B.B. King.
En 1956, Willie Dixon vio a Rush actuar y quedó tan impresionado que ayudó a Rush, de 19 años, a llegar a un acuerdo con Cobra Records. El primer sencillo, una interpretación intensamente inquietante de “I can not Quit You, Baby” de Willie Dixon saltó al número seis en la lista de R & B de Billboard.

Rush continuó grabando para Cobra hasta su desaparición en 1958. Las grabaciones de Cobra de Rush entre 1956-58 se consideran entre sus mejores trabajos, y definieron su sonido característico. Entre los temas estelares registrados durante este período se encuentran Double Trouble, My Love Will Never Die (ambos producidos por Willie Dixon), All Your Love (I Miss Loving) y Keep On Loving Me Baby.
Después de que Cobra cerró, Rush se fue a grabar para Chess Records. Grabó el clásico So Many Roads, So Many Trains, el único sencillo que Chess lanzado durante su corta estancia allí desde 1960-62.

Rush luego se marchó a Duke Records hasta 1965, donde una vez más su sello lanzó un solo sencillo, Homework.

Después de Duke, grabó para Vanguard y para Cotillion (donde en 1969 lanzó el álbum producido por Mike Bloomfield-Nick Gravenites, Mourning In The Morning, un fracaso comercial).

Capitol Records fue el siguiente, y en 1971 Rush grabó el álbum excelente Right Place, Wrong Time, con Gravenites como productor. Sorprendentemente, Capitol optó por no lanzar el álbum, y no vio la luz hasta 1976, cuando el pequeño sello independiente Bullfrog obtuvo los derechos y lo lanzó.

Un lanzamiento en Delmark en 1975, Cold Day In Hell y un puñado de álbumes en vivo durante los años 70 y principios de los 80 mantuvieron a Rush algo a la vista del público, y continuó presentándose en clubes y festivales de blues a nivel nacional y en Europa y Japón.

En 1991, Alligator Records lanzó Lost In The Blues, que Rush grabó originalmente para el sello sueco Sonet en 1977 (y originalmente se tituló Troubles, Troubles). Ha habido nuevos lanzamientos en otros sellos, incluyendo un álbum de versiones para Mercury grabado en 1994 titulado Is not Enough Comin ‘In, y el ganador del Grammy en 1998 Any Place I’m Going, lanzado por House Of Blues Music Co.

El ganador del GRAMMY Otis Rush fue uno de los guitarristas más influyentes de la escena del blues de Chicago, mejor conocido como creador del “West Side Sound” de la ciudad”, dijo Neil Portnow, presidente / CEO de la Academia de la Grabación. “Con su voz apasionada, su estilo de interpretación único y su guitarra con influencia jazzística, Rush estableció el estándar para los músicos de blues en Chicago y más allá.

Obtuvo cuatro nominaciones GRAMMY a lo largo de su extensa carrera y fue galardonado con el GRAMMY a Mejor álbum de Blues Tradicional por Any Place I’m Going en la 41 edición de los GRAMMY Awards.

Siempre será recordado por transformar el blues tradicional en un sonido más intensificado e influir en muchos de los grandes del rock y el blues que lo siguieron. Nuestros pensamientos van a su familia, amigos y colegas durante este momento difícil”.

Del Getxo Folk al Mercado de Música Viva de Vic. Olatz Zugasti marca la diferencia.

Coincidentes el mismo fin de semana en las Hispanias post-romanas, el Getxo Folk y el Mercado de la Música Viva de Vic (Barcelona) ofrecieron momentos para el regocijo y la fundamentada esperanza en el futuro.

En Las Arenas (Vizcaya), debajo del Puente Colgante -prodigio de ingeniería novecentista- el Getxo Folk Festival Internacional llegó a su 43 edición. Un cartel de lujo: Olatz Zugasti, la arpista, guitarrista, teclista, cantante, compositora, compañera del excelso Benito Lertxundi, abrió el certamen, y casi lo finalizó: no hubo, seguramente, nada mejor que ella en el fin de semana.

Acompañada de su hija Gratxina en las flautas (travesera, piccolo), en los teclados y las segundas voces, Olatz desgranó buena parte de su quinto y maravilloso disco, “Ur goiena, ur barrena”, así como dio paso a tres o cuatro nuevas composiciones que habrán de figurar en su próximo álbum (para el mes de noviembre).

Olatz Zugasti

Intimismo, delicadeza, belleza y también compromiso artístico, estético y social en la voz cada vez más ajustada y modulada de Olatz, en unión de un excelente, sobrio y a veces pelín pasota de su trío de instrumentistas acompañantes (en especial, el batería catalán Oriol) configuraron un recital mágico, ensoñador, evocador, como suelen ser los suyos. Esperamos con impaciencia su nueva grabación, que tiene eso, sí, una tarea difícil: superar el disco precedente, sin duda uno de los tres mejores del ámbito folk español en la temporada pasada.

Por cierto, Benito Lertxundi también anuncia nueva grabación, y conciertos de presentación de la misma (en el Kursaal de San Sebastián, y en teatro Arriaga de Bilbao para los primeros días del inminente mes de diciembre). Vitoria, Pamplona y otras citas están aún pendientes de fecha de confirmacion. Estaremos atentos a la jugada, cómo no.

Manuel Luna

En Guecho, por lo demás, el cartel restante era de lo más atractivo: el folclorista, antropólogo, cantante, líder musical Manuel Luna, desde su Cantabria natal a su región de Murcia adoptada, fue la figura central de la segunda jornada.

Eleftheria Arvanitaki

La excelente vocalista Eleftheria (“Libertad”) Arvanitaki y el legendario grupo folk-rock inglés Fairport Convention (51 años de actividad incesante les contemplan) redondearon un programa de primera línea, como corresponde a uno de los mejores certámenes anuales del Pais Vasco y de todo el entorno geográfico circundante.

En Vic, a casi 100 kilómetros de Barcelona, el Mercado de la Música Viva (MMVV) llegaba a su 30 aniversario, y lo quiso celebrar por todo lo alto. Invitados especiales, profusión de grupos y solistas famosos y/o en edad de merecer, se alternaron en los cuatro o cinco escenarios de la Atlántida (sede central del encuentro): Auditorio, Carpa Negra, Jazz Cava, Carpa Vermella, Teatre, Off Mercat. Todos los géneros musicales imaginables, todas las propuestas posibles, innovadoras mayoritariamente, todos los estilos y maneras de encarar el fenómeno sonoro contemporáneo.

Kiki_Morente – Foto: Alex Rademakers

Nombres ya célebres (Marc Parrot, Kiki Morente, Sr. Canario, Ko Ko Mo, Alma Afrobeat Ensemble, Niño de Elche, Toti Soler (sí, el mismo, fastuoso guitarrista acústico de larguísima trayectoria en el mundo de la canço y alrededores), Alba Carmona, Mercedes Peón, los vascos Korrontzi -que también estuvieron en Guecho, en magnífico doblete-, Sara Fontán….y el maravilloso estreno de la brasileña Larissa, una artista de Sao Paulo que habrá que atender y seguir en un futuro inmediato: entre Suzanne Vega y Bjork.

Aquí tenemos a una compositora de hermosa tesitura vocal y plasmación ultra moderna, entre muestreadores (samplers) y guitarra eléctrica, que viene directamente de una hermosa herencia (Hermeto Pascoal, Os Mutantes…). A descubrir y a disfrutar en un futuro muy próximo.

Ciento cuarenta mil espectadores dicen que siguieron el MMVV en directo. Más o menos, da igual. Lo importante fue el escaparate colectivo, común y solidario: buen rollo, excelente ambiente, a veces incluso agradablemente familiar, “ninots” incluidos… El Mercat sigue adelante, y se plantea nuevos horizontes para otros 30 años venideros. Que así sea, y que nosotros lo veamos.

Dur-Dur de Somalia: Volumen 1, Volumen 2 y Temas previos no publicados

Analog Africa ha lanzado este mes Dur-Dur of Somalia: Volumen 1, Volumen 2 y Temas previos no publicados, una colección de grabaciones perdidas hace mucho tiempo de la banda Dur-Dur de Somalia de los años 80. Esta es la primera entrega de una serie de tres partes dedicada a Dur-Dur Band.

Dur-Dur era una joven banda de los 80. Los secretos del rápido éxito de Dur-Dur están íntimamente ligados a la visión de Isse Dahir, fundador y teclista de la banda. El plan de Isse era localizar a algunos de los músicos con más visión de futuro del panorama efervescente de Mogadiscio y atraerlos a Dur-Dur.

Ujeeri, el bajista temperamental de la banda, fue reclutado procedente del jazz somalí y el extraordinario baterista Handal tocó anteriormente en Bakaka Band. Isse también agregó a sus dos hermanos menores a la formación: Abukar Dahir Qassin se encargó de tocar la guitarra principal, y Ahmed Dahir Qassin fue contratado como ingeniero de sonido permanente.

En sus primeros dos álbumes, Volumen 1 y Volumen 2, tres cantantes diferentes intercambiaron los papeles de la voz principal de ida y vuelta. Shimaali, anteriormente de Bakaka Band, se encargó de las canciones de Dhaanto, un ritmo somalí del norte del país que tiene un parecido sorprendente con el reggae; Sahra Dawo, una joven cantante, había sido reclutada de la orquesta nacional de Somalia, la Banda Waaberi.

Su tercer cantante, el legendario Baastow, que también había sido cantante de la Waaberi Band, y había sido llevado a Dur-Dur debido a su profundo conocimiento de la música tradicional somalí, particularmente Saar, un tipo de música destinada a convocar a los espíritus durante rituales religiosos.

Desde el principio, la doctrina Dur-Dur fue la fusión de la música tradicional somalí con cualquier ritmo que hiciera bailar a la gente: funk, reggae, soul, disco y rock se mezclaron sin esfuerzo con ritmos Banaadiri, Dhaanto y la música espiritual Saar. La mezcla fue explosiva.

Inicialmente parecía que la música de Dur-Dur solo se había conservado como una serie de grabaciones oscuras y videos de YouTube, pero cuando el director de Analog Africa, Samy llegó a Mogadiscio encontró algunas de las cintas maestras, que durante mucho tiempo se creyeron desaparecidas.

La versión física incluye los temas remasterizados a partir de las mejores fuentes de audio disponibles, dos temas inéditos y lu libreto con con miembros originales de la banda.

Compra Dur-Dur of Somalia: Volumen 1, Volumen 2 y Temas previos no publicados

Fatoumata Diawara: “´Fenfo´Es La Voz De Los Niños”

Hace 7 años, la cantante de Mali, Fatoumata Diawara se presentaba en los mercados internacionales con su primer disco, “Fatou” (World Circuit). “Con un pasado turbulento y familiar emigrante en París, en la tradición ´wassulu´del pueblo ´peul´, Fatou reaviva sus raíces musicales con una fórmula limpia y actual: canciones dignas, serenas y repletas de fuerza interior. Seguro que la gran Oumou Sangaré, reina del género, estará orgullosa de ella”, escribí en su momento en la revista Metrópoli.

Así saludábamos en su día la grata aparición de Fatou D. Ahora, su segundo vinilo/CD/single, ´Fenfo, ha confirmado, reafirmado y ampliado todas las expectativas.

Fatoumata Diawara – Fenfo

¿Qué aproximaciones, parecidos y diferencias encuentra la artista entre esas dos grabaciones, con el intervalo temporal de casi una década?

En el primer disco -contesta la maliense- quería presentarme al gran público internacional; con este segundo, quiero mostrar la persona que soy ahora y compartir todo mi aprendizaje y evolución, tanto a nivel artístico como personal“.

Usted está siempre en la primera línea de combate por la emancipación de la mujer universal y, especialmente, de la mujer africana. ´Fenfo´ es una prueba de ello, ¿no es así?

Absolutamente, eso mismo es lo que yo pienso“, corrobora y enfatiza la estilizada y extrovertida artista.

Ha hecho usted una muy interesante, casi apoteósica, síntesis entre la música tradicional de su pueblo y las sonoridades de rock-jazz a la manera occidental y contemporánea. ¿Qué le parece esta apreciación?

Desde siempre, he mezclado esos dos estilos de música”, asegura. “He realizado esa fusión con temáticas que me han preocupado y que son importantes para mí: con melodías adecuadas y con mucho amor“.

¿Qué significan para usted las figuras legendarias de Miriam Makeba, Nina Simone, y Oumou Sangaré?

Fatoumata contesta con total convicción: “Todas esas mujeres han sido un ejemplo y un modelo para mí, porque, a pesar de la dificultad que requiere imponerse a nivel internacional, ellas lo consiguieron…Stevie Wonder, David Bowie, The Beatles, Billie Holliday y otr@s much@s son artistas que me gustan también extraordinariamente“.

¿Habla de la incomunicación entre padres e hijos en el seno de la familia?

Fatou es escueta en este momento, precisa y rotunda: “´Fenfo´es la voz de los niños“.

Ahora mismo, usted es número uno de muchas listas de la ´world music´, en distintas revista de prestigio. “Songlines”, el estupendo magazine británico, es uno de los principales valedores de su trabajo. “Folk Roots”, “Mojo”, lo mismo de lo mismo. Eso le hará feliz, a buen seguro…

Me produce mucha alegría esa reacción y espero que esto pueda ayudar a las nuevas generaciones de cantantes africanas“.

¿Cuáles son sus proyectos inmediatos? Viene de triunfar recientemente en el festival español La Mar de Músicas, de Cartagena, y también en una jornada especial, veraniega, del afamado Celtic Connections de Glasgow, así como una presentación en el siempre difícil y competitivo ambiente musical de Londres. ¿Volverá usted a España?

Mi proyecto número uno en este preciso momento es defender este último disco mío; esa es mi prioridad absoluta ahora mismo. Y sí, claro que volveré España el año que viene“.

Buena suerte siempre, Fatoumata y gracias por su gentileza. Y también, gracias por su voz, sus canciones, sus palabras, su música, su presencia escénica. Contamos con usted en el futuro.

Imarhan el sonido Tuareg de Argelia

El grupo argelino Imarhan ha editado su segundo album “Temet“ este año, en donde mezcla las influencias de la música tuareg del desierto del Sahara y el rai argelino.

Imarhan lanzó su primer álbum Imarhan en 2016 y se convirtió rapidamente en uno de los grupos emergentes de la “Nueva ola de la música tuareg”.

Todos los miembros del grupo crecieron uno cerca del otro en Tamanrasset, en el sur de Argelia, en una comunidad tuareg de ascendencia maliense del norte. Su nombre que significa “los que me importan” en el idioma de la gente de Kel Tamashek. La gran división entre su hogar espiritual y su hogar físico se escucha en su música: la mezcla de los tonos más sutiles de la música tradicional sahariana y la fuerza y el romance de la música rai argelina.

El cantante argelino Rachid Taha fallece a los 59 años

El aclamado cantante franco-argelino Rachid Taha falleció el 12 de septiembre de 2018 en París, Francia, de un ataque al corazón.

Taha, que residia en Francia desde una temprana edad, fue una estrella de las músicas del mundo en los años 90 y 2000 en Francia y otros países con su mezcla de rai argelino y rock occidental.

Rachid Taha nació en 1958 en Orán, Argelia y creció en Francia en la comunidad inmigrante de la clase obrera y empobrecida que surgió en Lyon.

Desde temprana edad, la música fue su salvavidas contra la desesperanza de la vida de los inmigrantes. Cantó, y también fue pinchadiscos en salas, ofreciendo una mezcla internacional de sonidos que presagiarían su carrera. “Pinché un verdadero mosaico“, recordó, “árabe, salsa, rap, funk, cualquier cosa con la que puedas bailar“.

A mediados de la década de 1980 formó una banda, Carte de Sejour (carta verde). Su música ardió con el fuego de una joven generación inmigrante, explotando con la ira del rock en su canción más conocida, una versión irónica y políticamente cargada de la patriótica “Douce France”. Después de tres años, la banda se separó, y Rachid viajó a Los Ángeles para trabajar con el productor Don Was (Rolling Stones, Bonnie Raitt) en su debut como solista. Barbes, el resultado de su colaboración, apareció internacionalmente en 1991, en el apogeo de la fiebre de la Guerra del Golfo. A pesar de las buenas críticas, el sutil prejuicio contra todo lo árabe en el momento dejó que se hundiera sin dejar rastro.

Más viejo, más sabio, pero aún más aventurero, Rachid regresó en 1996 con Ole Ole, con una fusión atractiva de estilos musicales norteafricanos.

Rachid Taha

Con Diwan, en 1998, Rachid adoptó una táctica más sutil. Las canciones de la grabación provienen de su juventud, un trabajo que inspiró su propia música, de los letristas grandes como Dahmane El Harrachi y Nass El Ghiwane. Fue, explicó, “mi versión del álbum Rock’n’Roll de John Lennon“. Las versiones de Rachid llevaron a los clásicos hacia la era moderna. Ritmos y muestreos pulsaron junto a secciones de cuerdas e instrumentos tradicionales para un álbum que fue una revolución musical silenciosa.

En Made in Medina, Taha combinó el poderoso rock con las melodías del norte de África. La voz de la estrella de Afrobeat Femi Kuti, hizo un dúo con Rachid en “Ala Jalkourn”, uniendo África del Norte y Occidental en una perfecta combinación de unidad donde las voces trascienden las fronteras geográficas. El álbum fue grabado en París, Londres y Nueva Orleans, y fue producido por el veterano músico Steve Hillage.

El álbum de 2004, Tekitoi, se grabó en París, Londres y El Cairo. Algunos de los temas son guerra, racismo y corrupción.

Nuevo disco de A Saidera, la Big Band de Latinoamérica.

Tendiendo puentes entre géneros, países y autores, “Sur”, el segundo disco de A Saidera, recoge elementos característicos de la música popular de diferentes regiones de América Latina y los integra en una estética de Big Band de Jazz.

Así como se encuentran presente géneros como el joropo venezolano, el candombe uruguayo, el festejo peruano o la zamba y la milonga argentinas, la formación de Big Band permite crear un sonido potente y rico en matices con arreglos variados que plantean diferentes climas que funcionan como propuesta estética y también como aglutinante de grandísimos músicos, los propios de A Saidera y los invitados.

El sonido, los arreglos, los temas elegidos  para “Sur” son el producto final para disfrutar de una selección de música popular latinoamericana, con una interesante variedad cromática propia de una banda de diecisiete músicos con diferentes arregladores, lo que además de entregar un álbum variado y disfrutable, promete una gran fiesta sonora en sus conciertos.

Además de los músicos que buscan resonar de maneras diferentes en cada arreglo y en cada intervención, la grabación de “Sur” ha contado con la participación de destacadísimos músicos de la escena latinoamericana, muchos de los cuales son autores de los temas del disco, como Lito Vitale, Andre Mehmari, Hugo Fattoruso, Ligia Piro, Juan “Pollo” Raffo, Lucho Gonzalez, Carlos “Negro” Aguirre, Darío Jalfin, Willy Gonzalez, Mariano Delgado y Gabriela Waciarz.

A Saidera fue creada en 2009 a partir de la iniciativa del clarinetista y arreglador Emiliano Álvarez de formar  una orquesta de MPB (Música Popular Brasileña) inspirada en las “Orquestas a base de Sopros”, aquellas agrupaciones tradicionales estructuradas como Big Bands de jazz, dedicadas a los ritmos de samba, choro, frevo y baião del repertorio antiguo y contemporáneo de Brasil.

En 2012, el grupo grabó su primer disco, “Sotaque”,  plasmando en ese trabajo arreglos propios y otros de grandes arregladores brasileños (Jovino Santos Neto, Lea Freire) de temas clásicos y contemporáneos de la MPB como también músicas originales.

Con  el tiempo A Saidera decidió abrir el abanico de su repertorio incluyendo ritmos de otros países de Latinoamérica, bajo la dirección musical y arreglos de Javier Mareco, grabando desde esta perspectiva su segundo álbum “Sur”.

Más información en www.asaidera.com.ar

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