Una noche en Montecarlo

Marcus Miller - A Night in Montecarlo
Marcus Miller

A Night in Montecarlo”  (Concord Jazz)

El bajista Marcus Miller, cuya carrera musical despegó al trabajar junto a Miles Davis, posee vasta experiencia para moverse en esos espacios de la música en vivo, la música en directo.  Miller se apoya de un cuarteto y de un amplio formato bajo el liderazgo de la Orquesta Filarmónica de Montecarlo para brindar una velada vibrante. 

El repertorio va desde una cuasi ópera hasta sonidos del mundo y de jazz.  “Blast”, la apertura, es una pieza cuyo título denota contundencia, afirmación que bien logra en el escenario con unos pasajes de funk y aromas del efervescente Oriente Medio. 

El contraste que logra Miller con “So what” es efectivo y original al incluir al pincha disco DJ Logic contrapuesto al manto orquestral.  La jornada adquiere el clímax cuando una canónica opera (O mio babbino caro) y una emblemática canción brasileña  (Mas que nada) confluyen con una magistral  vocalización de Raul Midón y la trompeta de otro invitado especial, Roy Hargrove.

El resto del âlbum es todo un derroche de buenos momentos desde una hipnotizante “Amazing grace”  y una sobrecogedora “Strange fruit”, la canción que inmortalizara Billie Holiday.

Nuevo libro dedicado al guqin chino titulado Sobre tres antiguas cítaras

Qin
Sobre tres antiguas cítaras‘ es el título del recién publicado libro de Robert Hans van Gulik. El qin, la cítara china de siete cuerdas, es un instrumento de gran antigüedad y sutileza. Ha sido durante mucho tiempo el instrumento solista por excelencia y el inseparable compañero de los eruditos chinos. Pero no es solamente un instrumento musical.

De las más preciosas antigüedades ninguna iguala a la cítara qin. Altares de bronce de la dinastía Xia, vasijas rituales del período Shang, antiguas caligrafías y famosas pinturas, todos ellos son objetos de valor. Pero los altares y las vasijas rituales solamente pueden ser expuestos, no pueden ser usados. No pueden compararse a la cítara qin, que canta si sus cuerdas son acariciadas, dando la impresión de estar frente a los antepasados en persona, en la misma habitación, hablando con ellos.”

Con esta cita de Yang Zongji inició Robert Hans van Gulik su ensayo “On three antique lutes,” publicado originalmente en 1938 en el volumen XVII de la segunda serie de The Transactions of Asiatic Society of Japan. “Laúd chino” (Chinese lute) es el término – más bien poético – que acuñó van Gulik para la cítara china de siete cuerdas, conocida como qin o guqin (donde gu significa antiguo). Aún sabiendo que el qin no es en realidad un laúd, adoptó este término organológicamente incorrecto pensando que los lectores occidentales asociarían con mayor facilidad un laúd con la poesía y la vida intelectual. Tal como escribe van Gulik en su ensayo:

Apreciar la belleza de forma erudita se expresa en chino con el término wan. Este verbo presupone que el sujeto es un hombre docto en gustos. ‘Apreciar la luna’ (wan yue) es una traducción menos que satisfactoria. Cualquier ser humano con un sentido innato por la belleza puede encontrar placer al contemplar la luna llena de otoño.

Pero solamente el culto erudito tiene la habilidad, al ver la misma luna, de recordar unas estrofas de un célebre poeta, de visualizar mentalmente una pintura de algún artista famoso, y por ende completar sus propias sensaciones con aquellas de espíritus afines, experimentando la dicha perfecta fruto de la completa realización intelectual de las emociones del corazón. Nada menos que ésto, y probablemente más, está presente en el término wan.”

Además de la traducción, la publicación incluye como anexo dos fotografías de otras dos antiguas cítaras (periodos Song y Ming) que se mencionan en el ensayo original: “Viento en la pineda” y “Valle con manantial fluyendo.”

La traducción ha sido publicada con la colaboración de The Asiatic Society of Japan y la plataforma Amigos del Guqin.

El arte del guqin forma parte del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO desde 2003.

Por cada ejemplar vendido de “Sobre tres antiguas cítaras”, citarachina.org donará 1 euro a The Asiatic Society of Japan, así como 1 euro al Fondo de Ayuda a Japón de GlobalGiving a las víctimas del terremoto y tsunami del 11 de marzo de 2011.

Gulik, Robert Hans van. Traducción de Joan M Vigo
ISBN: 978-84-614-9358-6
Disponible en citarachina.org

MadridFolk 2011 regresa en mayo con conciertos en Teatro De Madrid

MadridFolk 2011
El festival musical MadridFolk 2011, organizado por Manuel Segovia, tendrá lugar la primera semana de Mayo en el Teatro Madrid. Durante cuatro días, del 5 al 8 de mayo, se ofrecerán cinco conciertos con otros tantos grupos punteros del folk español: Luar na Lubre, Berrogüetto, Yunko Ihara; Acetre y El Caracol andador. El festival mostrará su solidaridad con la tragedia de Japón destinando parte de la recaudación del concierto de Yunko Ihara a los fondos de ayuda.

Intentamos con nuestra propuesta emocionar a un público cada vez más conocedor, exigente y fiel al festival, pero también seducir a nuevos públicos que sientan la curiosidad o el deseo de acercarse y disfrutar del festival MadridFolk y de la variedad de sus conciertos,” dice Manuel Segovia. “MadridFolk es un vehículo de comunicación de tradiciones. MadridFolk es un espacio abierto donde la música fluye para el placer de los amantes de este noble arte. MadridFolk 2011 es más que un festival y nos brinda la oportunidad, una vez más, de acercarnos a nosotros mismos a través de la música. Os invitamos a que participéis y descubráis la música con mayúsculas. No os lo perdáis.”

Como aperitivo, el video ‘Tu gitana’ de Luar na lubre

Programación:

5 mayo – 20:30
Luar na lubre

6 mayo – 20:30
Berrogüetto

7 mayo – 12:00 horas
Yunko Ihara

7 mayo – 20:30
Acetre

8 Mayo – 19:00
Caracol Andador

Teatro De Madrid
Avenida de la Ilustración, s/n, La Vaguada (Madrid)
Venta de entradas: www.teatromadrid.com

Suma Flamenca 2011 presenta ‘Off, en Vallecas’

Agustín Carbonell 'El Bola'
El segundo de los ciclos ‘Off Vallecas’ de Suma Flamenca 2011 reunirá, en el Centro Cultural PacoRabal-Palomeras Bajas, a las más destacadas figuras de los jóvenes flamencos de Madrid. Allí, programadores, nacionales y extranjeros, tendrán una buena muestra de las escuelas y tendencias del momento.
Abrirán las jornadas vallecanas Caño Roto, con el maestro de la guitarra El Entri al frente, y el bailaor Nino de los Reyes, ganador del I Premio Suma Flamenca, en un espectáculo doble.

El segundo día llegará un nutrido grupo en el Madrid flamenco Joven, compuesto por Gabriel de la Tomasa, Miguel de la Toleá, Saúl Quiros, Carlos de Jacoba, Jony Jiménez, Lucky Losada, Morito, Auxi Fernández, Guirula “El Cancu”, José Ramón Jiménez, Kelian Jiménez.

Clausurando el ciclo, actuará un joven aunque reconocido Agustín Carbonell ‘El Bola’, con su espectáculo Rojo y rosa, que incluye toque, cante y baile.

Más información acerca del VI Festival Flamenco de la Comunidad de Madrid, ‘Suma Flamenca’ , en www.madrid.org/sumaflamenca

Carlos Núñez actuará el 1 de mayo en la final VI Eurofolk en Córdoba

Alalé (Irlanda)
La Final Internacional del VI EUROFOLK tendrá lugar los días 30 de abril y 1 de Mayo de 2011. Los finalistas este año son Adarrots (Pais Vasco, España), Alalé (Irlanda), A’ssalttarella (Italia) y Banda Futrica (Portugal). Los fianlistas presentarán su música el 30 de abril. El ganador actuará el 1 de mayo. El gaitero español Carlos Núñez cerrará el festival ese mismo dia.

El Festival/Concurso Eurofolk tiene como objeto la difusión y visualización de músicas tradicionales europeas interpretadas por grupos noveles.

Eurofolk es un concurso con carácter itinerante y que se realiza en Italia, Irlanda, Portugal y España. En cada país se celebra una fase previa de selección de maquetas y de conciertos en directo y en cada una de ellas se selecciona a un único grupo, siendo cuatro los grupos que acuden a la Final Internacional que siempre se celebra en España, este año en Córdoba.

En 2011 se celebra la sexta edición que debió celebrarse en 2010.

Sábado 30 Abril:

Final Internacional VI EUROFOLK

Adarrots (Pais Vasco)
Alalé (Irlanda)
A’ssalttarella (Italia)
Banda Futrica (Portugal)

Domingo 1 Mayo:

Ganador Final Internacional y Carlos Núñez (Galicia)

La venta de entradas será en:

UniTicket
Taquilla del Gran Teatro de Córdoba
Taquilla del Teatro La Axerquía desde el día antes del Concierto

Jornada del Sábado 30 Abril: Entrada gratuita
Jornada del Domingo 1 Mayo: 15€.

Xícara, música portuguesa de raíz profunda en Festival Luna de Mayo en Cáceres

Xícara - Foto realizada por Filipe Barbosa
El grupo portugués Xícara ofrecerá un concierto el 1 de mayo a las 23:30 en el Festival Luna de Mayo, en Torre de Don Miguel (Cáceres).

Xícara recrea con gusto exquisito las músicas y cantares de su tierra, con composiciones propias y adaptaciones vanguardistas de piezas tradicionales. Xícara es además un homenaje la lengua portuguesa y a sus obreros-poetas, como son António Botto, João Penha de Oliveira Fortuna y João Cabral Nascimento.

La banda nació en la región de Minho, entre Guimarães y Famalicão, en 2010 y, recientemente, ha lanzado su primer EP con una serie de conciertos en FNACs y otros emplazamientos de todo el país.

‘Se me deixares eu digo’ (de António Botto), ‘Eterno feminino’ (de João Penha de Oliveira Fortuna), ‘Cantiga’ (de João Cabral Nascimento) y ‘Cantiga bailada’ (tradicional de la región de la Beira Baixa) son los temas que componen este primer EP de Xícara, distribuido a través de la tienda en la red (online) de la editorial Mdparte.

En muy poco tiempo los vídeos de la banda en Youtube y en Facebook han alcanzado millares de visualizaciones.

Componentes: Carla Carvalho (voz), David Viegas (bajo y voz), Hélder Costa (guitarra braguesa, bandolim, cavaquinho), Nuno Cachada (guitarra clásica), Pedro Oliveira (percusión), Rui Ferreira “Caps” (piano, acordeón). Foto: Filipe Barbosa.

Nuriya celebra las raíces musicales de Méjico y Oriente Medio

Nuriya
Nuriya, cantante nacida en México, tienes sus raíces en la cultura judía de Oriente Medio. Su sonido global se inspira en la música andaluza. Su disco nuevo “Tanita” (Música Almaya, 2011) contiene elementos de la rumba flamenca, los sonidos gitanos del este de Europa e incluso dub jamaicano.

Nos cuenta Nuriya que existe una población importante procedente de Oriente Medio en algunas partes de México, en donde se halla una magnífica arquitectura de inspiración morisca y algunas tradiciones orientales que conviven con la cultura mejicana. Desde su temprana infancia, Nuriya fue inculcada e inmersa en esta dualidad de culturas, de Hispanoamérica y Oriente Medio. Nuriya quizás sea la primera cantautora que haya surgdo de este rico entorno cultural.

Nuriya ha tenido una vida casi de gitana nómada desde su adolescencia. Nuriya ha viajado, estudiado, y hecho presentaciones con enorme popularidad a través de Hispanoamérica, Europa, Israel y más recientemente en los Estados Unidos. La fiesta de lanzamiento de “Tanita”, su primer álbum, se llevó a cabo en Joe’s Pub en Nueva York, en febrero del 2011.

El sonido de Nuriya es capaz de recordarle al oyente a Andalucía, y a uno de los periodos históricos más importantes de España, cuando la tolerancia religiosa entre judíos, cristianos y moros, estaba en su apogeo. Las culturas se mezclaban y se intercalaban en las artes, la poesía y la música.

Sin embargo, la música de Nuriya ha surgido gracias a la vibrante diversidad cultural de Méjico.

La historia de Nuriya

Nuriya
Mi historia no empieza simplemente conmigo. Hay que hurgar en las generaciones pasadas para entender la evolución de la persona que ustedes ven y escuchan ahora. Provengo de una familia de judíos de Oriente Medio que huyeron de sus países, Irak y Siria, debido a persecución religiosa. Todos ellos iban con destino a los Estados Unidos. Sin embargo, la mayoría terminó siendo desviados para México ya que las cuotas de inmigrantes de los Estados Unidos estaban saturadas a su arribo.

Nací en la Ciudad de México, en donde pasé parte de mi niñez. Gracias a mi madre, quien estudiaba en el conservatorio en aquellas épocas, mis años más formativos fueron abundantes en música: oriental, mexicana, sudamericana, caribeña, flamenco, africana y clásica. Fue la música durante esta primera fase de la infancia la que determinaría cómo mi alma se comunicaría el resto de mi vida.

Los mayores de mi familia también plasmaron su huella al no dejar de tocar sus viejos discos árabes y con su canto del pizmonim (oraciones entonadas con melodías de música secular de Oriente Medio) en las reuniones familiares.

En nuestras casas este vigoroso estilo de vida medioriental se entrelazó con la cultura latina de manera natural. Esto era evidente en la música que escuchábamos, mi embeleso residía en los melismas de Oum Kalthoum o de Agustín Lara, así como también en la comida que ingeríamos: tacos con hummus y tahina, entre otras cosas. Y así, fue con estos sonidos, colores y sabores echando raíces en mi ser, que me aproximé a mis primeros estudios musicales y de danza. No importando lo que aprendí, llevé dentro de mí esos elementos.

Nuriya - Tanita
Los sonidos dentro de mí, así como mi curiosidad, me han llevado por todo el mundo para aprender y tocar música. David Oquendo, un maestro y amigo de varios años, me envío a Cuba a estudiar música y danza folclórica afrocubana con los Muñequitos de Matanzas. En Israel con Yair Dalal, estudié las melodías hebreas y árabes que han inspirado algunas de aquellas escuchadas del otro lado del mundo en la música afrocubana. Enriquecida de más con estas experiencias, me fui a París para componer y hacer una gira por Europa.

Esta existencia gitana, cosechando lo que más me conmueve de todas partes a donde voy, es lo que surge en mi música y en mi movimiento. Es lo que ha inspirado mi álbum “Tanita”, pequeña gitana. Aquí he puesto en sonido y en palabras, los viajes, los colores y las revelaciones que son mi experiencia.

La música es una colección de los sonidos que más resuenan dentro de mi ser y que inspiran a mi alma a cantar, son los sonidos de mi herencia medioriental y latina. El álbum sigue paso a paso mi búsqueda por encontrar mi propia verdad musical, alrededor del mundo y dentro de mi corazón. ”

Compra su disco:

Los pianistas Chucho y Bebo Valdés, doctores ‘Honoris Causa’ del Berklee College of Music de Boston

Bebo Valdés y Chucho Valdés
El jazz latino obtendrá el máximo reconocimiento académico del Berklee College of Music de Boston cuando el día 7 de mayo los pianistas cubanos Bebo Valdés (Quivicán, La Habana, 9 de octubre de 1918) y Chucho Valdés (Quivicán, La Habana, 9 de octubre de 1941) sean investidos doctores Honoris Causa por esta universidad norteamericana.

Como ya ocurriera el pasado año, cuando el distinguido fue el guitarrista gaditano Paco de Lucía, la institución estadounidense ha formalizado la propuesta de Eduardo Bautista, presidente ejecutivo de la Sociedad de Autores y miembro del Consejo Rector (Board of Trustees) de Berklee, que ha puesto su empeño en poner de manifiesto y fomentar el interés académico por las músicas hispánicas y latinas.

“Nos hace muy felices. Es un homenaje al jazz latino, a la música cubana, a la música de la calle y a la música en sí”, ha declarado Bebo Valdés nada más conocer la noticia. Por su parte, Chucho Valdés subraya que “le da una dimensión más grande a la música latina. Es el sueño dorado para un músico. Queremos destacar la ayuda y el apoyo de Eduardo Bautista y de la SGAE, fundamentales para obtener este reconocimiento”.

Según Eduardo Bautista, “ha llegado el momento de que se ponga en valor el jazz latino, como parte fundamental de la cultura universal, porque de ese modo estaremos haciendo justicia a la labor creativa, la trayectoria profesional y las imprescindibles y originales aportaciones de inmensos autores latinoamericanos. Bebo y Chucho han hecho méritos suficientes, a lo largo de sus dilatadas y fecundas carreras musicales, para recibir esta distinción”.

Históricamente, los músicos hispanos hemos sufrido la marginación que ha impuesto el etnocentrismo anglosajón. Para paliar esta situación, la Sociedad de Autores lleva muchos años trabajando en la difusión de la creación musical latina, a través de la edición de discos y la publicación de libros, mediante el apoyo a giras y conciertos, favoreciendo la presencia de músicos en las ferias internacionales y participando activamente en la creación de premios internacionales. Nosotros vamos a seguir poniendo en valor la cultura latina para que ocupe el espacio que requiere a nivel internacional”, abunda Eduardo Bautista.

Bebo y Chucho Valdés se suman, de este modo, a un selecto grupo de grandes nombres distinguidos con anterioridad por Berklee, como David Bowie, Dizzy Gillespie, Sting, Phil Collins, Aretha Franklin, Chick Corea, Rubén Blades, George Benson, Juan Luis Guerra, Duke Ellington, B.B. King, Quincy Jones, Steve Vai, Paul Simon, Pat Metheny, Steve Winwood, Steven Tyler, Herbie Hancock o el ya citado Paco de Lucía, primer español en recibir este honor, entre otras figuras.

Además de Bebo y Chucho Valdés, este año, Berklee ha reconocido como Doctores Honoris Causa a Kenny Garrett, Mavis Staples, y Michael McDonald. En total, cinco músicos de los que la prestigiosa escuela norteamericana destaca “sus logros e influencia en la música, y su contribución permanente a la cultura norteamericana e internacional”.

La ceremonia oficial de graduación tendrá lugar el sábado 7 de mayo en el Agganis Arena de la Universidad de Boston, un recinto que, en ocasiones tan especiales, completa su aforo de más de 7.000 localidades. El viernes día 6, y en el mismo escenario, un grupo de alumnos del Berklee College of Music interpretará algunas composiciones de los músicos galardonados.

“Dos goles en una sola jugada”

Explica el genial pianista Chucho Valdés que el reconocimiento le satisface por partida doble: “Soy un admirador de mi padre, como ser humano y como músico. Su obra ha trascendido y ha influido en todas las generaciones posteriores. Por eso mi satisfacción se multiplica: es como hacer dos goles en una sola jugada”.
Conviene recordar que esta especial relación entre padre e hijo nació alrededor de un piano. “Cuando tenía cuatro años, Bebo me puso a tocar delante de Cachao”, expone Chucho, quien se formara armónicamente escuchando a su padre hasta la madrugada. Discípulo del compositor cubano Leo Brouwer -“fue mi maestro, es un guía espiritual para mí”- Chucho se emociona cuando rememora su niñez, “el primer recuerdo que tengo es el de Bebo al piano en nuestra casa, que era un centro musical: mi madre cantando y todo el mundo quería visitar a mi padre
.”

De esta manera se inició una brillante saga musical, la de los Valdés, que abarca ya casi dos siglos. Actualmente, después de haber grabado un disco conjunto de la mano de Fernando Trueba titulado Juntos para siempre (2008), padre e hijo tienen un sueño en común, que Julián, hijo de Chucho y nieto de Bebo, continúe la tradición pianística familiar. “Nuestra mayor ilusión es que Julián siga nuestro camino. Es un músico en potencia. Hemos tocado a seis manos ya. Vive el espectáculo. Tanto Bebo, que le ha regalado su segundo piano (el primero fue un obsequio de Fernando Trueba cuando tan sólo contaba con dos años) como yo, le estamos enseñando a tocar. Eso sí, Julián prefiere a Bebo como profesor”, concluye Chucho Valdés.

Acerca de Bebo Valdés

Bebo Valdés
Nacido en La Habana en 1918, Bebo Valdés es, sin duda, el más importante músico cubano vivo. Pianista, líder de orquesta, compositor y arreglista, comenzó su carrera tocando en salas de fiestas durante los años cuarenta, siendo el pianista y arreglista de Ernesto Lecuona y Rita Montaner, entre otros. Valdés jugó un importante papel en el desarrollo del mambo, así como en el movimiento del filin durante los años cincuenta, antes de originar su propio ritmo, el batanga. En 1952, el productor Norman Granz grabó con Bebo en La Habana la primera descarga cubana (jam session).

Después de la revolución, abandonó Cuba en 1960, instalándose en Suecia, donde pasó tres décadas tocando el piano en el hall de un hotel de Estocolmo, hasta que es redescubierto gracias al disco Bebo Rides Again, invitado por Paquito D’Rivera (1994) y el documental de Fernando Trueba Calle 54 (2000), lo que supone el inicio de uno de los más hermosos terceros actos de los últimos años.

A sus setenta y seis años comenzó una nueva carrera donde se encontró de nuevo con Cachao -en Lágrimas Negras- y con su hijo -en La Comparsa-, incluidos ambos temas en la mencionada Calle 54. A partir de aquí llegaron más proyectos, como El arte del sabor (2000) con Cachao y Patato, producido por Nat Chediak, -Lágrimas Negras (2003) con Diego el Cigala, Juntos para siempre (2008), su primer disco en dúo con Chucho, y la reciente banda sonora de Chico & Rita (2010),- proyectos todos ellos apadrinados por Fernando Trueba. Socio de la SGAE, tiene registradas 171 obras.

Con 92 años, Bebo, que en la actualidad vive en Málaga, cuenta con numerosos galardones, hasta la fecha cinco Premios de la Música, seis Premios Goya o siete Premios Grammy, entre otros muchos.

Sobre Chucho Valdés

Chucho Valdés
Nacido en 1941, este pianista, compositor, profesor de música, arreglista y director de grupo inició su formación musical a temprana edad, en su casa, bajo la influencia de su padre el gran Bebo Valdés y de su madre Pilar, maestra de piano y cantante. A los tres años ya tocaba al piano las melodías que escuchaba en la radio, de oído, con ambas manos y en cualquier tono.

El positivo ambiente musical de la familia le permitió adentrarse con soltura en el conocimiento de los más diversos estilos y géneros de la música. Poco después estudiaría piano, teoría y solfeo hasta los catorce años. Tras formar su primer trío de jazz en 1956 y debutar como solista en diferentes hoteles, en 1959 empezó a tocar en la orquesta Sabor de Cuba, dirigida por su padre, con la que acompañó a importantes cantantes de la época como Rolando Laserie, Fernando Álvarez y Pío Leyva.

A partir de aquí, la carrera de Chucho no paró de cosechar éxitos hasta la fecha. En 1970 con su propio combo actuó el Festival Internacional de Jazz Jamboree, en Polonia, convirtiéndose en la primera agrupación cubana en participar en el exterior en un encuentro de ese género, donde es felicitado por Dave Brubeck y ubicado, por primera vez, entre los cinco mejores pianistas de jazz en el mundo junto a Bill Evans, Oscar Peterson, Herbie Hancock y Chick Corea. En 1972 y luego de grabar el LP Jazz Batá junto a Carlos del Puerto y Oscar Valdés, Chucho decide ampliar el formato: añade metales y batería. Fue entonces en 1973 cuando creó Irakere, considerado el grupo más importante en la historia de la música cubana en la segunda mitad del siglo XX, una explosiva mezcla de jazz, rock, clasicismo y música tradicional cubana; un sonido nunca antes escuchado que revolucionó la música latina.

Su labor creadora que no ha cesado de experimentar, la ha conjugado con una intensa actividad docente en diversas universidades de todo el mundo. Socio de la SGAE, como su padre, cuenta con 249 obras registradas. Entre otros reconocimientos internacionales, ha sido ganador de ocho Premios Grammy, Premio Nacional de Música de Cuba o Premio de la Música de España.

El hechizo de Azam Ali

Azam Ali - From Night to the Edge of Day
La cantante iraní Azam Ali ha grabado un disco nuevo, titulado From Night to the Edge of Day (Desde la noche hasta el borde del dia), en el que se adentra en el mundo de las canciones de cuna iraníes, turcas, libanesas y kurdas. From Night to the Edge of Day lo ha editado Six Degrees Records en Estados Unidos.

Los sentimientos relacionados con el exilio son evidentes en la las canciones de la cantante de origen iraní, criada en la India. “El nacimiento de mi hijo fue algo agridulce,” relata Azam Ali. “Nunca podrá conocera gran parte de su familia. Y no está solo en este caso: tantos niños nacen en la diáspora y son inocentes. Sin embargo, sufren las consecuencia de los conflictos en el mundo.”

Durante la primera noche después del nacimiento de su hijo, Azam Ali comenzó a cantar. “Estaba bajo estado de shock, mirando a esta persona pequeña,” recuerda Ali. “Me di cuenta que cantar era la mejor forma de comunicarme con él, sin idioma. Hay algo profundo al cantar a un niño y por eso las mujeres lo llevan haciendo desde hace miles de años.”

Ali ha colaborado con muchos músicos célebres, desde Mickey Hart (batería de Grateful Dead) al grupo de rock System of a Down, desde Nine Inch Nails hasta King Crimson. Ha aparecido en películas, como la taquillera 300 que se estrenó en 2007. Con el grupo Niyaz ha llevado las músicas del mundo hacia nuevas direcciones, con la ayuda del productor Carmen Rizzo (Seal, Coldplay).

Azam Ali Foto de Austin Young
Las canciones de cuna empezaron a llegarle a Ali desde varias fuentes. Amigos que volvieron de Iran le trajeron una colección de letras de canciones tradicionales, que incluia textos en dialectos del idioma farsi (persa). Estos se convirtieron en temas como “Mehman (The Guest).” Otros amigos de Oriente Medio le cantaron sus temas clásicos preferidos, como la canción turca “Dandini” y algunas joyas poco conocidas como la cancion turca “Neni Desem”. Su buen amigo palestino, Naser Musa, intérprete del ud (laud árabe) le compuso un tema espontáneo al hijo de Ali, titulado “Faith”.

Ali también eligió canciones de cuna de minorías de Oriente Medio como “Lai Lai” de los kurdos iraquíes y “Shirin” de los azeríes de Iran, en un ruego por la paz y para que cesen los conflictos. “Cuando vas a Oriente Medio, le echan la culpa de todo a Occidente. Sin embargo, muchos de nuestros problemas tienen su origen en nuestra propia forma de pensar, de las divisiones culturales, de los conflictos interétnicos“, explica Ali. “No importa a que cultura pertenezcas, al final todos somos iguales. Y esa perspectiva puede cambiar muchas cosas.”

Para llevar a cabo este proyecto, trabajé con kurdos, azeríes, un palestino cristiano, e iraníes de todo el mundo,” recuerda Ali. “Podrías escribir un libro sobre cada uno de ellos, sobre las dificultades en sus vidas y su diáspora. Fue una gran experiencia para mi como persona.

Desde que somos niños, nos alimentan con todas estas ideologías que al final dan forma a como vemos el mundo,” dice Ali. “Si nuestros padres y la sociedad nos diera una ideología más iluminada desde la niñez, tendría un gran efecto al crecer y ver a gente de otras culturas.”

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Vídeo de la semana: Pritam de Sanam Marvi

Sanam Marvi
El vídeo de esta semana es de Sanam Marvi, la magnífica cantante Sufi paquistaní. Esta cantante joven está considerada una de las mejores intérptetes de los géneros de música Sufi, ghazal y música popular paquistani. Marvi estudió bajo el tutelaje de su padre, Fakir Ghulam Rasool, y más adelante con Ustad Fateh Ali Khan de la gharana (escuela) de Gwalior.

Sanam Marvi ha estudiado la poesía Sufi detalladamente y se siente influenciada profundamente por este género debido a sus mensajes del amor y de la paz. Sanam se hizo popular después de que su cooncierto en vivo en el Coke Studio, una serie de televisión paquistaní que ofrecía actuaciones vanguardistas de música en directo.

Sanam Marvi canta temas de Baba Bulleh Shah; Baba Sheikh Fari; Sachal Sarmast, el místico Sufi de Sindh; y Shah Abdul Latif Bhittai, que es uno de los poetas más importantes en el idioma sindhi (la lengua de la provincia pakistaní de Sind).


Grabaciones disponibles: Best of Sanam Marvi (MP3)

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