Archivo de la categoría: Novedades en CD

Javier Ruibal presentará su disco nuevo en Madrid esta semana

El gran cantautor de músicas de raíz andaluzas Javier Ruibal presentará su nuevo álbum Paraísos Mejores (Karonte, 2018) en la Sala Galileo Galilei de Madrid.

Paraísos Mejores ha sido producido por su hijo, Javi Ruibal, y han colaborado algunos de los mejores músicos residentes en España: Jose Recacha, Manuel Machado, Federico Lechner, Victor Merlo, Diego Villegas y Faiçal Kourrich.

Javier Ruibal

 

Próximos conciertos:

14 y 15 diciembre, Sala Galileo Galilei, Madrid
21 de diciembre, Cartaya, Huelva
26 de enero, Canovellas
3 de febrero, C. Cultural Cajasol /J.Turina, Sevilla
16 de febrero, Puerto De Santa María, Cádiz
23 de febrero, Gijón
1 de marzo, Barnasants, Barcelona
31 de mayo, Gran Teatro Manuel de Falla, Cádiz

Alto nivel de Jazz argentino en el nuevo disco de Hernán Mandelman.

El baterista y compositor argentino Hernán Mandelman continúa su viaje discográfico con su tercer trabajo llamado “Memoria”, en el que refleja un Jazz de alto vuelto con identidad propia, vanguardista y maduro, pero también rico en ideas y conceptos.

Memoria” es un disco para escuchar, pero también para pensar. Mandelman, que cuenta con un amplia experiencia tanto en la escena nacional como internacional, está acompañado aquí por un sexteto (con el que grabó también “Reflexiones en verano” (2015)) integrado por Juan Cruz de Urquiza en trompeta, Natalio Sued en saxo tenor, Rodrigo Domínguez en saxo alto, Francisco Lo Vuolo al piano, Sebastián de Urquiza en el contrabajo y Hernán Mandelman en batería y composición Esta formación, sin lugar a dudas, consigue expresar todo lo que el autor ha pensado al definir las líneas argumentales de los temas.

La música de “Memoria” expresa, desde un lugar particular del mundo, los conflictos sociales, las búsquedas intelectuales y filosóficas que hay detrás de los grandes cambios en las sociedades y que se van desarrollando como olas energéticas que impulsan nuevos climas socioculturales, mejores o no.

Según Mandelman, “la composiciones que habitan el álbum fueron abordadas desde una perspectiva diferente,  buscando, en tiempos cada vez más duros y violentos, que  cada tema refleje un clima, un estado de ánimo particular”.

Cada título de cada tema propone una idea que se desarrolla luego en la música (o es una clave nacida de la obra). El “estado de ánimo particular” es el que marca las directivas estéticas en las excelentes y expresionistas composiciones de “Memoria”. Todos los datos cuentan como una estructura contenedora sobre la que luego van fluyendo las emociones o los mensajes del inconsciente.

Cuando la música tiene el volumen conceptual y la calidad artística de las composiciones, arreglos y ejecución grabados por este gran sexteto en ”Memoria”, el arte se manifiesta en un alto nivel, siendo una herramienta de comunicación y transformación desde lo sensitivo hacia lo más denso de la manifestación humana, como es la realidad del mundo de la materia.

Hernán Mandelman nació en Buenos Aires en 1972. Desde los años 90s formó parte de diferentes agrupaciones musicales del ámbito local. En el año 2000 se radicó en Brasil y posteriormente en Europa, donde tuvo la oportunidad de tomar contacto con músicos de la escena internacional. De regreso a Buenos Aires en 2006, grabó el disco “Amistad” formando parte de un cuarteto y en 2010 editó su primer disco como solista, “Detrás de esa puerta“, encabezando un quinteto. En el año 2014 regresó al estudio de grabación, esta vez con nuevo sexteto con el que grabó “Reflexiones en  verano” y “Memoria“.

Más información en la página de Hernán Mandelman

La cantante y compositora malgache Razia lanza el álbum The Road

En su tercer álbum, The Road (la carretera), la cantante y compositora malgache Razia regresa a su hogar en Antalaha, su lugar de nacimiento en el noreste de Madagascar, donde se cultiva la vainilla.

A la edad de 11 años, Razia Said dejó atrás una infancia idílica en Antalaha para comenzar sus viajes por el mundo como estudiante, activista y músico, viajes que la llevarían a Gabón, la isla de Comoros, Francia, Italia, Bali y Nueva York, en donde comenzó su carrera musical con dos álbumes que recibieron críticas positivas: Zebu Nation (2011) y Akory (2014). Ahora reside en la isla de Santa Lucía en el Caribe.

La música de Razia mezcla las tradiciones malgaches, jazz y pop, y vigorosos mensajes relacionados con la destrucción del medio ambiente y los enormes desafíos que enfrentan hoy las jóvenes naciones postcoloniales como Madagascar. Ahora, en The Road, Razia recurre a su historia personal, y resulta tan convincente como los grandes cuentos de avaricia, corrupción y devastación en el mundo natural que han animado su música en el pasado.

En 2016, Razia fue llamada a su hogar en Antalaha ya que su abuela, la mujer que la crió, estaba gravemente enferma y se enfrentaba a la muerte. A su llegada, la abuela de Razia, Tombozandry, revivió, y estaba claro que Razia estaría allí por algunos meses. Así que invitó a su baterista de Surinam, Harvey Wirht, a unirse a ella y dijo: “Hagamos un álbum“. Llamaron a un gran guitarrista de un grupo de baile local. Aunque muy solicitado por los mejores artistas de salegy, Raledey aceptó acudir a Antalaha y ayudar con este álbum. Los tres músicos alquilaron un piso y se pusieron a trabajar.

La idea era hacer canciones sin arreglos complejos, acústicas, para crear un paisaje sonoro más adecuado para los delicados temas que Razia quería abordar, y que pusiera su voz al frente y en el centro.

Razia nació en 1959. Su madre tenía 17 años y su padre no estaba dispuesto a casarse con su madre, ya que ambos provenían de ramas incompatibles del Islam. Con el corazón roto y avergonzado, la madre de Razia dejó a la niña en Antalaha con su propia madre, Tombozandry, y se fue a la isla de Comoros. Aunque regresó para estar con Razia once años después, las dos nunca han estado cerca, y la madre y el padre de Razia nunca hablan en absoluto. Esta historia estuvo siempre presente para Razia mientras trabajaba en The Road, ya que todas estas personas aún vivían en Antalaha. “Mi madre vivía a unos cinco minutos de donde yo estaba“, recuerda Razia. “Mi abuela estaba a unos diez minutos en auto, y mi padre estaba a unos cuatro minutos a pie. ¡Así que tenía todo el resto de mi vida a mi alrededor!”

Los horizontes nuevos de la música acadiana de Vishtèn

Horizons (Horizontes) es el nuevo álbum del grupo canadiense Vishtèn. Horizons presenta composiciones originales que amalgaman los géneros musicales actuales y tradicionales, así como los textos y las melodías tradicionales de Acadia.

El estilo de este grupo francófono se basa en el ritmo contagioso del zapateado y la voz, fusionado con el violín, la guitarra, el acordeón, la mandolina, las flautas, el piano, el bodhrán (pandero irlandés) y la guimbarda.

Para este nuevo álbum, los artistas han optado por ir un paso más allá al presentar nuevos instrumentos como la guitarra eléctrica y el piano, así como bailes típicos y las melodías de canciones pegajosas.

El trio lo integran Emmanuelle (voz, mandolina, zapateado, guimbarda, pitos, pandero y baile) y Pastelle LeBlanc (voz y acordeón) de la región Evangeline de la Isla Prince Edward, y Pascal Miousse (violin, guitarra y voz) procedente de las islas Magdalenas.

Los discos anteriores del grupo son: Vishten (2004), 11:11 (Coop Breizh, 2007), Live (Distribution Plages, 2008), Mosaïk (Coop Breizh, 2012) y Terre Rouge (Distribution Plages, 2015).

Una noche con Rubén Blades, la Lincoln Center Orchestra y Wynton Marsalis

Rubén Blades, el gigante de la salsa, compositor de canciones, actor, activista y ganador de varios Grammy, colaboró con la Jazz at Lincoln Center Orchestra con Wynton Marsalis en 2014 para llevar a cabo una experiencia extraordinaria. Fue una serie de actuaciones en el escenario Jazz at Lincoln Center. En estas noches tan especiales, los mundos de la salsa y el swing se mezclaron. El resultado es el album Una noche con Rubén Blades.

La Orquesta de Jazz del Lincoln Center con Wynton Marsalis la dirigió el bajista Carlos Henriquez. Rubén Blades algunos de sus temas mas conocidos como “Pedro Navaja”, “Patria” y “El Cantante”, así como estándares de la era del swing como “Too Close for Comfort” y “Begin the Beguine”.

Conozco a Rubén Blades desde que tenía dos años, o al menos siento que sí“, dice Henríquez. “Sus álbumes, y el sonido y la calidez que generaron, llenaron el apartamento de mi familia en 146th y Brook Avenue en el Bronx, y su música fue una de mis primeras influencias“.

El jazz es la historia de tomar partes viejas y construir algo nuevo“, continúa. “Cuando Rubén se unió a nosotros para nuestras actuaciones en el Jazz en el Rose Center del Lincoln Center, hicimos exactamente eso usando el Great American Songbook y los ritmos afrocubanos que impulsan toda la maravillosa música que Rubén cantó esa noche. La música que arreglé para que Rubén Blades tocara con la Orquesta suena a Panamá, Nueva Orleans y Nueva York, todo en uno. Esos sonidos forman el corazón de todas nuestras historias como músicos, y al combinarlos, reafirmamos que estamos todos juntos en esto“.

Instrumentos de lengüeta

Sherman Irby – saxofón alto y saxofón soprano
Ted Nash – saxofón alto, flauta, piccolo
Victor Goines – saxofones tenor y soprano, clarinete
Walter Blanding – saxofón tenor
Joe Temperley – saxofón barítono *
Paul Nedzela – saxofón barítono

Trompetas

Ryan Kisor
Kenny Rampton
Marcus Printup
Wynton Marsalis

Trombones

Vincent Gardner
Chris Crenshaw
Elliot Mason

Sección de ritmo

Dan Nimmer – piano
Carlos Henríquez – Bajo
Ali Jackson – tambores

cantante solista, maracas – Rubén Blades

Invitados especiales:

Eddie Rosado – voz de acompañamiento
Bobby Allende – congas, coros
Marc Quiñones – timbales, coros.
Carlos Padron – bongos, cencerro
Seneca Black – trompeta
* No actuó en este concierto.

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Field Trip, folclore finlandés de cámara

Petri Hakala y Piia Kleemola – Field Trip

Los músicos finlandeses Petri Hakala y Piia Kleemola han editado el álbum Field Trip (viaje de estudios) con el sello Kihtinäjärvi Records. Se trata de viejas canciones populares finlandesas y un par de temas nuevos, que el dúo interpreta con formato de música de cámara, con bastante improvisación.

Petri Hakala toca la guitarra y la mandola. Piia Kleemola toca el violín.

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Appleseed Recordings celebra su 21 aniversario con la caja de 3 CDs Roots and Branches

El sello estadounidense Appleseed Recordings está celebrando su 21 aniversario con una recopilación colosal de 57 canciones que ilustra algunos de los asuntos más importantes de nuestro tiempo: la violencia con las armas de fuego, la epidemia de opioides, el dinero oscuro en la política, la reforma de la justicia penal, la desinformación como arma política, la injusticia en la frontera sur de Estados Unidos y mucho más.

La caja de 3-CDs Roots and Branches (Raices y Ramas) presenta desde cantautores a músicos de blues y rock, incluyendo Bruce Springsteen, Tom Morello, Donovan, Joan Baez, Billy Bragg, Roger McGuinn, Judy Collins, Ani DiFranco, Tim Robbins, John Wesley Harding, Tom Russell, Bonnie Raitt, Jesse Winchester, Pete Seeger y Jackson Browne.

Desde su fundación en 1997, Appleseed ha prestado su voz a temas importantes: protestar contra el Apartheid en Sudáfrica y la Guerra de Irak, luchar por la paz en Irlanda del Norte y la igualdad de matrimonio en los Estados Unidos y mucho más. Como dice Tom Morello en el libreto del álbum, “la responsabilidad de un músico es simple, y es, a través de tu música, decir la verdad”.

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Chucho Valdés revisa su grabación fundamental Jazz Batá con una nueva versión

Jazz Batá 2, el primer álbum del compositor, pianista y director de orquesta Chucho Valdés para el sello Mack Avenue Records, marca un nuevo auge de creatividad para el artista cubano, incluso mientras retoma el concepto de grupo pequeño de su álbum cubano de 1972, Jazz Batá. Al álbum original, en el momento del lanzamiento, se le consideró experimental en ese momento. Era un trío sin batería con dos virtuosos que luego serían miembros fundadores de Irakere: Carlos del Puerto (bajo) y Oscar Valdés (tambor batá).

Grabado en dos días y medio en el estudio de John Lee en Nueva Jersey, Jazz Batá 2 es a la vez rítmico y lírico. “Apliqué a mis solos los diferentes ritmos del batá“, dice Chucho. “El piano es, por supuesto, un instrumento armónico, pero también es percusivo, y puedes tocar percusión con él“.

Valdés dejó de lado el formato de grupo pequeño impulsado por batá a raíz de la explosiva popularidad de Irakere en 1973, pero siempre ha querido volver a él. Ahora lo ha hecho con Jazz Batá 2, “con más recursos, en todos los sentidos“, dice, “con un panorama más amplio“.

Chucho Valdés – Jazz Batá 2

Los tres músicos de apoyo, Yaroldy Abreu Robles, Dreiser Durruthy Bombalé y Yelsy Heredia, son de la región de Guantánamo y tienen profundas raíces en la cultura musical cubana, además de estar formados en el conservatorio. Yelsy y Dreiser crecieron juntos, asistieron juntos a la escuela de música, se graduaron juntos y han estado tocando música lado a lado, literalmente, toda la vida. Yaroldy, quien toca una amplia variedad de tambores (congas, batá, bongó, percusión orquestal) ha trabajado con Valdés durante 20 años. “Él siempre sabe lo que voy a querer hacer“, dice Valdés.

Jazz Batá 2 también marca el centenario del difunto padre y maestro de Chucho Valdés, Ramón “Bebo” Valdés (n. 1918). Estos dos gigantes de la música cubana compartieron cumpleaños, el 9 de octubre, por lo que el número 100 de Bebo será el número 77 de Chucho. Entre los dos, han ejercido una influencia musical fundamental desde la década de 1940. La creación por parte de Bebo de la batanga comercialmente fracasada pero artísticamente exitosa, que combinó los tambores batá con una banda de jazz de última generación, fue una inspiración directa para el jazz de Irakere impulsado por el batá, así como para Jazz Batá y su continuación.

Frescura y virtuosismo litoraleños en el acordeón de Lucas Monzón.

Franco” es el nombre del nuevo disco del acordeonista argentino Lucas Monzón, un músico nacido en Charata (Chaco) que continúa el camino iniciado en sus trabajos anteriores, desarrollando un folklore de fusión surgido del litoral argentino y que se va proyectando a lugares cada vez más lejanos.

Enrolado en una indiscutida ola de folkloristas del mundo la música de Monzón se funde con otros ritmos propios del folklore latinoamericano y recrea células vitales del ADN de la cultura que revive sonidos de una música inmigrante propia de la región como ocurre también con artistas que lo inspiran como Egberto Gismonti, Astor Piazzola, Hermeto Pascoal, Mário Laginha, entre otros.

El clima de ”Franco” surge de las combinaciones de instrumentos que cambia la formación estructural de dúo a trío y a quinteto. El aporte de cada instrumento, (Lucas Monzón en  composición y acordeón, Guido Martínez en contrabajo y bajo eléctrico, Sebastián Henríquez en guitarra, Horacio Cacoliris en percusión,  Matias Martino en piano) siempre con el acordeón como protagonista, tiene el sentido de la búsqueda del color, sutilezas y la ejecución cuidada y elevada de la música.

El chamamé es una música emotiva que confunde lo límites ilimitados del alma con un paisaje compuesto de río, horizontes diversos, siestas y festejos. Y los artistas que llevan esta música en la sangre, como ocurre con este talentoso intérprete, vuelan al tocar, capaces de reflejar la sensibilidad de una geografía y su gente, pero también la historia de los pueblos y sus legados nativos y heredados.

La música de Lucas Monzón es un rayo de la luz que compone la evolución de la música del litoral, como un gran sol naciente, desde hace algunas décadas, artistas como Raúl Barboza, Nini Flores, Chango Spasiuk,  los hermanos Núñez  o  Coqui Ortiz han proyectado esta luz; este artista chaqueño surfea virtuosamente esa luz que ilumina cada vez más rincones del mundo.

La lista de temas de “Franco” incluye obras propias y la interpretación de músicas de compositores destacados del litoral argentino como Roque Librado González, Carlos Aguirre, Fermín FierroAlejandro Manzoni. En la canción “Así es Formosa” (Fermín Fierro) el artista rinde un homenaje al legado de Nini Flores. La grabación del disco contó con la participación especial de prestigiosos músicos invitados como  Carlos Aguirre en piano y voz y Marcelo Dellamea en guitarra.

Lucas Monzón aprendió a tocar el acordeón a los cuatro años de edad y desarrolló un estudio minucioso del instrumento con la ayuda de su padre Alfredo Monzón (guitarrista y cantante), con quien realizó sus primeras presentaciones en público. Antes de lanzarse como solista conformó el tradicional grupo Amandayé de Corrientes. Compartió escenarios con artistas como Raúl Barboza,  Chango Spasiuk, Juan Quintero, Hermeto Pascoal, Rudi y Niní Flores, Liliana Herrero, Luiz Carlos Borges, Carlos “Negro” Aguirre, Coqui Ortiz, Luciana Jury, Los Guauchos, NDE Ramírez, entre otros.

Franco” es un disco de música inspirada en el folklore litoraleño con gran presencia del  chamamé y del rasguido doble e  influencias de músicas transgénero que crean un folklore-fusión del mundo desde una mirada particular.

“Franco” está disponible para ser descargado a través de nuestros en lances de Amazon España y Amazon USA y Américas.

Dur-Dur de Somalia: Volumen 1, Volumen 2 y Temas previos no publicados

Analog Africa ha lanzado este mes Dur-Dur of Somalia: Volumen 1, Volumen 2 y Temas previos no publicados, una colección de grabaciones perdidas hace mucho tiempo de la banda Dur-Dur de Somalia de los años 80. Esta es la primera entrega de una serie de tres partes dedicada a Dur-Dur Band.

Dur-Dur era una joven banda de los 80. Los secretos del rápido éxito de Dur-Dur están íntimamente ligados a la visión de Isse Dahir, fundador y teclista de la banda. El plan de Isse era localizar a algunos de los músicos con más visión de futuro del panorama efervescente de Mogadiscio y atraerlos a Dur-Dur.

Ujeeri, el bajista temperamental de la banda, fue reclutado procedente del jazz somalí y el extraordinario baterista Handal tocó anteriormente en Bakaka Band. Isse también agregó a sus dos hermanos menores a la formación: Abukar Dahir Qassin se encargó de tocar la guitarra principal, y Ahmed Dahir Qassin fue contratado como ingeniero de sonido permanente.

En sus primeros dos álbumes, Volumen 1 y Volumen 2, tres cantantes diferentes intercambiaron los papeles de la voz principal de ida y vuelta. Shimaali, anteriormente de Bakaka Band, se encargó de las canciones de Dhaanto, un ritmo somalí del norte del país que tiene un parecido sorprendente con el reggae; Sahra Dawo, una joven cantante, había sido reclutada de la orquesta nacional de Somalia, la Banda Waaberi.

Su tercer cantante, el legendario Baastow, que también había sido cantante de la Waaberi Band, y había sido llevado a Dur-Dur debido a su profundo conocimiento de la música tradicional somalí, particularmente Saar, un tipo de música destinada a convocar a los espíritus durante rituales religiosos.

Desde el principio, la doctrina Dur-Dur fue la fusión de la música tradicional somalí con cualquier ritmo que hiciera bailar a la gente: funk, reggae, soul, disco y rock se mezclaron sin esfuerzo con ritmos Banaadiri, Dhaanto y la música espiritual Saar. La mezcla fue explosiva.

Inicialmente parecía que la música de Dur-Dur solo se había conservado como una serie de grabaciones oscuras y videos de YouTube, pero cuando el director de Analog Africa, Samy llegó a Mogadiscio encontró algunas de las cintas maestras, que durante mucho tiempo se creyeron desaparecidas.

La versión física incluye los temas remasterizados a partir de las mejores fuentes de audio disponibles, dos temas inéditos y lu libreto con con miembros originales de la banda.

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