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El aclamado músico ugandés Geoffrey Oryema muere a los 65 años

Los medios de comunicación de Uganda, y su sitio oficial de Facebook, informaron hoy del fallecimiento del famoso artista de músicas del mundo Geoffrey Oryema. Oryema nació en Uganda y vivía en Francia. Su mayor éxito fue “Land of Anaka” de su álbum 1990 Exile.

Geoffrey Oryema nació el 16 de abril de 1953 en Uganda. Todas las noches, cuando era niño en Kampala, Geoffrey Oryema se sentaba al lado de su padre y lo escuchaba tocar la nanga, un arpa de siete cuerdas. Tuvo la suerte de crecer y de absorber tanto la música folclórica de su cultura, a través de las rutas tradicionales, como las técnicas occidentales a través de su educación. Su padre era un ministro en el gobierno de Idi Amin y la posición de la familia en la clase dominante de Uganda resultó desastrosa.

En 1976, Geoffrey Oryema escribió una obra titulada “The Reign of Terror” que mostraba imágenes de las atrocidades que los ugandeses presenciaron durante la Era Idi Amin. Formó y entrenó una compañía teatral semiprofesional a la que llamó Gong Gong.

Geoffrey tenía veinticuatro años en febrero de 1977 cuando su padre fue asesinado en secreto. Oryema escapó de Uganda a Kenia, donde presentó su obra en el Centro Cultural Francés de Nairobi, en marzo. Dejó Nairobi, después de esta presentación, para instalarse en su nuevo hogar, París (Francia).

Exiliado en Francia, Geoffrey perfeccionó sus técnicas de lukeme (sanza), flauta y nanga. También aprendió karate y se ganó un cinturón negro.

En el otoño de 1977, Oryema fue contratado como músico y cantante en una compañía de circo propiedad de Jean Batiste Thierry y Victoria Chaplin, hija del famoso comediante y actor Charlie Chaplin.

Más tarde trabajó como programador de computadoras, pero nunca olvidó su pasión por la música. En 1990 fue firmado por Real World Records. Su primer álbum titulado Exile salió ese año, producido por Brian Eno.

Oryema fue invitado por Peter Gabriel para participar en el megaconcierto Nelson Mandela: Un homenaje internacional por una Sudáfrica libre en el estadio de Wembley con una audiencia estimada de 78.000 aficionados a la música.

El segundo álbum, Beat The Border (1993), también fue producido por Brian Eno.

Durante 1995, Oryema colaboró con artistas franceses, Manu Katche y Tonton David en la banda sonora original de la película francesa Un Indien Dans La Ville, con las estrellas de cine francesas Thierry L’Hermitte, Patrick Timsitt, Miou Miou, Arielle Dombasle y Jackie Beroyer.

Night To Night (RealWorld Records), el tercer álbum de Oryema salió en 1996. Ganó el primer premio de música en Francia.

El 4° álbum, titulado Spirit (Sony Music) salió en 2000. Este fue seguido por Words (Next Music, 2004).

En 2009, Oryema grabó su sexto álbum, From the Heart, producido por Alex Swift.

Sus canciones mantienen vivos los idiomas de su juventud, Swahili y ‘Acoli’ (pronunciado ‘Acholi’), y el folclore que aprendió cuando estaba rodeado de narradores, poetas y cantantes en casa.

Geoffrey Oryema dijo: “La música acompaña todo en mi cultura. Hay música para cavar en tu jardín; acompañar a los muertos a su lugar de descanso final; si hay una visita de un jefe de estado, será cantado. Esta música no está muerta; nunca morirá. Cambia constantemente, se renueva a sí mismo. Incluso escucho música cuando estoy solucionando un error en una computadora”.

Geoffrey Oryema murió el 22 de junio de 2018.

Discografía: Exile (Real World Records, 1990), Beat The Border (Real World Records, 1993), Night To Night (Real World Records/Virgin Records, 1996), Spirit (Sony Music, 2000), Words (Next Music, 2004), From The Heart (Long Tale Recordings, 2010)

El Fantasma Que Amas Más del afgano Qais Essar

El compositor, instrumentista y productor afgano Qais Essar ha lanzado su nuevo álbum titulado The Ghost You Love Most (El fantasma que amas más). Qais Essar utiliza el rabab, un instrumento afgano de 2.500 años de antigüedad.

The Ghost You Love Most fue grabado poco a poco en estudios alrededor del mundo desde Los Ángeles hasta Kolkata, desde Montreal hasta Estambul, en estudios grandes y pequeños. Los participantes procedían de todo el mundo y gran parte del álbum se grabó de forma remota entre julio y diciembre de 2017. Despues se mezcló y produjo en Phoenix y finalmente se masterizó en Toronto en febrero de 2018.
El álbum presenta una colección de instrumentos fascinantes como el rabab, el santur indio, la guitarra deslizante (slide guitar), guitarra sin trastes, kaval y la vina india, junto con instrumentos occidentales como la guitarra de doce cuerdas, violonchelos y arpas.

Qais reside en la ciudad de Phoenix, Arizona. Su música logra un delicado equilibrio entre sus raíces afganas y las sensibilidades occidentales. Qais explica: “Cuando me acerco a la composición, lo hago como dos músicos diferentes, como el músico entrenado y versado en la música oriental, y como el músico entrenado y versado en la música occidental. Ser capaz de ver con dos perspectivas diferentes de forma independiente al mismo tiempo, y poder ver dónde y cómo se unen me da una ventaja para ofrecer una amalgama nunca antes escuchada“.

Qais Essar ha realizado numerosas giras, compartiendo su nuevo género musical a escala nacional e internacional. Essar ha lanzado dos álbumes de estudio, cuatro EPs y un álbum en vivo. Su primer álbum fue The Green Language (2014), seguido de su segundo LP, Tavern of Ruin en 2016.

Ha contribuido con música original para largometrajes y recientemente fue contratado por la directora Nora Twomey para componer un canción original para su película nominada al Globo de Oro y Óscar, The Breadwinner (producida por Angelina Jolie). Su canción ganó el Canadian Screen Award por “Achievement in Music – Best Original Song” por su tema The Crown Sleeps, que marca un logro indeleble para el joven músico y compositor.

En 2017, Qais también orquestó una edición completa del musical Tear a Root from the Earth en el New Ohio Theatre en la ciudad de Nueva York.

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La cantautora de jazz uruguaya Valeria Matzner edita Anima

La cantautora uruguaya Valeria Matzner tiene un album nuevo titulado Anima. A la hora de grabar el disco, entró al estudio con un libro lleno de ideas, pero no tenía idea de qué forma definitiva tomarían. “Veinte minutos antes de la sesión de grabación, anuncié que tenía una idea y quería trabajar en ella. Nuestro ingeniero fue muy paciente conmigo. Yo quería que fuera muy suave y tierno. En el canto sudamericano no se trata de exhibir tu instrumento, tu técnica, se trata de cantar la maldita canción“, afirma Matzner. “No quiero mostrar que tengo una voz bonita. Quiero contar una historia “.

Anima es el primer álbum en solitario de Matzner y su primera grabación después de emigrar a Canadá y sumergirse en el mundo del jazz. La cantante de Montevideo explora el lado más suave de su alma musical, filtrada a través de un firme compromiso con la composición de canciones y una nueva perspectiva sobre sus raíces sudamericanas.

Muchas de las canciones de este álbum requirieron mucho para escribir. Pude escribir canciones más rápidas y optimistas fácilmente. Pero al escribir baladas, me resistí a eso“, reflexiona. “Tuve que abrazar la parte tierna y vulnerable de mí. En esta parte de mi vida, estoy cada vez más en contacto con ese lado“.

La música de Matzner no siempre fue tan gentil en su enfoque. A pesar de que estudió música clásica, cantando en el coro nacional, ella y un amigo se escaparon del ensayo para pasar el rato con los chicos en una tienda de discos local, donde escuchaba todo tipo de música. Matzner pronto agregó el rock duro y el punk a la música latianoamericana, el tango y la música brasileña que escuchó en casa a través de sus padres.

Cuando el sonido de Seattle barrió el mundo gracias a Nirvana y Pearl Jam, Matzner creó su propia banda, Blue Angel, con amigos. Allí se acostumbró a escribir sus propias canciones: “Si tocabas la música de otra persona, te consideraron una falsificación. No estabas contribuyendo con nada“, recuerda Matzner. “Mostré algunas ideas que tenía a un amigo mío, y comencé a escribir mi propia música“. Con el tiempo, el sonido de la banda se transformó para incorporar elementos más locales, incluso la música tradicional ecuatoriana.

El grupo actuó en todo tipo de locales, desde salas pequeñas hasta SXSW. Entonces Matzner se enamoró, se casó con un aficionado a su música y terminó en una parte remota del norte de la Columbia Británica. Valeria puso su carrera musical en espera en su nueva patria y su identidad cambió cuando se adaptó lentamente a la vida en Canadá.

Después de algunos años, algunos corazones rotos, y varios cambios de domicilio, Matzner decidió regresar a la música. Esta vez, decidió continuar su formación en el campo del jazz. “Decidí estudiar más música”, dice Matzner. “Me metí en algo nuevo, jazz y composición de música electrónica. La música electrónica me guió en formas que quizás no se escuchan al principio, pero que aparecen de maneras intrigantes en de Anima“.

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Buddy Guy confirma que el blues está vivo con su nuevo álbum The Blues Is Alive and Well

El gran músico de blues Buddy Guy acaba de lanzar su nuevo álbum The Blues Is Alive and Well. El disco incluye a invitados muy especiales: Mick Jagger, Keith Richards, Jeff Beck y James Bay.

La increíble carrera de Buddy Guy abarca más de 50 años con la misma cantidad de álbumes lanzados. Los puntos destacados de la carrera incluyen 7 Grammy, 37 Blues Music Awards, y multitud de premios como Kennedy Center Honors, NARM Chairman’s Award, Billboard Music Awards ‘Century Award por su distinguido desarrollo artístico, y la Presidential National Medal of Arts.

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El guitarrista y cantante Samba Touré edita Wande

Cuando Samba Touré, cantante y guitarrista maliense, estaba planeando grabar Wande (La amada), su tercer lanzamiento con el sello Glitterbeat, tenía buenas ideas para cómo debería sonar. Pero una vez que terminaron las sesiones de grabación, supo que había hecho algo completamente diferente, algo aún más satisfactorio: una colección de canciones cálidas. Un álbum que parecía como estar en casa.

Teníamos un álbum totalmente diferente en mente“, admite Touré, “un regreso a algo más tradicional, casi acústico”. Creo que este álbum es menos oscuro que los anteriores. Tiene algunas canciones tristes y serias, pero suena más pacífico. Todas las primeras tomas se han guardado, no volví a grabar ninguna pista de guitarra, las primeras tomas son las que puedes escuchar en el álbum. Hay menos regrabaciones que en álbumes anteriores, no tratamos de pulir o hacer algo perfecto, da una sensación más natural”.

Wande se grabó rápidamente, en “aproximadamente 2 semanas, solo por las tardes y con descansos el fin de semana para tocar en las bodas, ¡así que fue muy relajado! Una de las principales dificultades que tenemos en Mali es reunir a todos en el mismo momento.

Los músicos jóvenes tocan en al menos tres bandas o tiene un trabajo secundario, sólo unos pocos músicos en Malí pueden vivir de la música y tienen que trabajar, por lo que siempre están ocupados. En su mayor parte, grabé las guitarras primero, luego vinieron la percusión y el bajo. Pero en “Hawah”, una canción que toqué antes, era totalmente incapaz de tocar la guitarra sin cantarla, así que decidí grabar la guitarra y voz juntas”.

Solo se habían escrito dos canciones antes de entrar en el estudio: la canción de amor para su esposa que da título al disco, y “Tribute to Zoumana Tereta”, un homenaje al fallecido intérprete de soku (un violín de las región Wasulu) que a menudo colaboró con Touré, y que vive en una muestra que se teje a lo largo de la canción.

 

 

El énfasis está en el ritmo, y el tambor parlante llamado tama que siempre ha sido una característica de la música de Touré. El tama aparece a lo largo del álbum y es fundamental en el sonido del grupo.
Siempre me ha gustado el tama, por sus sonidos, es el único tambor que puede tocar ocho notas. Es muy potente. Y me encanta el tama por su símbolo, su tradición. Antes de los teléfonos móviles, cuando sucedía algo importante en un pueblo, la gente se reunía en un lugar con la llamada del tama. Es un símbolo de llamada a la reunión”.

Touré comenzó como guitarrista en una banda de sukus, pero todo se alteró cuando se convirtió en acompañante de la leyenda más grande de Mali, el difunto Ali Farka Touré (con quien su madre había actuado). Más tarde, como solista, se ha hecho famoso en todo el mundo por su apasionado trabajo como guitarrista y cantante brioso.

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Soar, mejor disco de músicas del mundo de junio de 2018

El álbum Soar (Bendigedig), del dúo integrado por la arpista galesa Catrin Finch y el virtuoso de la kora Seckou Keita (Senegal), ha alcanzado el primer lugar en el mes de junio de 2018 de la Transglobal World Music Chart, la lista de los mejores discos de músicas del mundo.

El resto de la lista:

2. El Naán – La Danza de las Semillas – El Naán
3. Toko Telo – Diavola – Anio
4. Monsieur Doumani – Angathin – Monsieur Doumani
5. Nancy Vieira – Manhã Florida – Lusafrica
6. Koum Tara – Koum Tara – Odradek
7. Dobet Gnahoré – Miziki – LA Café
8. The Turbans – The Turbans – Six Degrees
9. Solju – Ođđa Áigodat – Bafe’s Factory
10. Shadi Fathi & Bijan Chemirani – Delâshena – Buda Musique

11. Djénéba & Fousco – Kayeba Khasso – Lusafrica
12. Arat Kilo, Mamani Keïta, Mike Ladd – Visions of Selam – Accords Croisés
13. Sonido Gallo Negro – Mambo Cósmico – Glitterbeat
14. Samba Touré – Wande – Glitterbeat
15. Seun Kuti & Egypt 80 – Black Times – Strut
16. Amsterdam Klezmer Band & Söndörgő – Szikra – Vetnasj
17. Rahim AlHaj Trio – One Sky – Smithsonian Folkways
18. Grupo Mono Blanco – ¡Fandango! Sones Jarochos de Veracruz – Smithsonian Folkways
19. Eva Salina & Peter Stan – Sudbina: A Portrait of Vida Pavlović – Vogiton
20. Sopa de Pedra – Ao Longe Já Se Ouvia – Sopa de Pedra

Más detalles: www.transglobalwmc.com

Clarence Fountain, fundador de Blind Boys of Alabama, fallece a los 88 años

El célebre cantante de góspel Clarence Fountain murió el domingo 3 de junio de 2018 en un hospital en Baton Rouge, Luisiana. Tenía 88 años.

Clarence Fountain creció en una familia musical y religiosa en Selma, Alabama. Sus padres, William e Ida Fountain, formaban parte del coro de la iglesia y con frecuencia cantaban en casa. Clarence perdió la vista a los dos años, y a la edad de ocho años se matriculó en el Instituto Talladega para Sordos y Ciegos de Alabama. Allí se unió a un gran coro de niños y aprendió a leer música en Braille.

Inspirado por las emisiones de radio semanales de la CBS del Cuarteto Golden Gate, un grupo popular de góspel de aquella época, él y sus amigos decidieron comenzar su propio grupo de canto góspel. Aplicaron las habilidades musicales que les enseñaron en la escuela y comenzaron a escribir y arreglar canciones. Aunque comenzaron llamándose Happyland Singers, pronto cambiaron su nombre a Blind Boys y comenzaron a cantar juntos como un sexteto en 1939. Se mudaron a Birmingham y actuaron diariamente en la emisora de radio WKAX.

Al principio, los Blind Boys emularon el “estilo de armonía del jubileo”, que se había originado en el siglo XIX entre los trovadores y los cuartetos universitarios negros, y alcanzó el apogeo de su popularidad en la década de 1930 a través de grabaciones y transmisiones de radio. En la década de 1940, sin embargo, el estilo de la armonía del jubileo se convirtió en un canto de grupo “góspel”. Este estilo incluía a un cantante principal que gritaba y predicaba, a menudo acompañado de instrumentos con ritmo e influencias del blues, que incluían guitarra eléctrica, piano y, a veces, instrumentos de viento y tambores. Además, el góspel usaba ritmos más fuertes y técnicas vocales, como gemidos, melismas y falsetes. Por el contrario, los grupos de jubileo se ponían de pie y actuaban con mayor moderación.

Los Blind Boys estuvieron a la vanguardia de esta transición. Mezclaron hábilmente armonías precisas de cuatro partes con gritos agudos solistas y un ritmo de acompañamiento basado en el rhythm and blues, rápidamente destacaron como intérpretes principales del sonido góspel “duro” de la posguerra. El estilo del grupo recibió el apodo de “destrozadores de casas”, un término que se refiere a su capacidad de “gritar” al público de la iglesia incitando a sus oyentes a estados de éxtasis espiritual. Fountain dijo: “Tienes que sentir el espíritu en lo más profundo de tus entrañas, y debes saber cómo hacer que alguien más lo sienta“.

A fines de la década de 1940, los Blind Boys estaban de gira a tiempo completo, actuando para públicos segregados en iglesias y escuelas. En 1947, después de la muerte accidental de la cantante principal Velma Trailer, el grupo se reorganizó y Fountain compartió el canto principal con el reverendo Paul Excano, quien finalmente abandonó el grupo.

Bajo la dirección de Fountain, los Blind Boys grabaron su primer éxito en 1949 con “I Can See Everybody’s Mother But Mine”. De acuerdo con Fountain, “De repente estábamos de moda, tocando para públicos de 1,000 o más. Estábamos en alza, y el manager de Ray Charles nos ofreció un gran negocio para ir de gira tocando rock, soul, pop, todo, excepto góspel, así que, naturalmente, todos los Blind Boys, incluido nuestro representante, querían que hiciéramos pop, para ser realmente importantes. Excepto yo, claro. Mira, yo era el jefe de los Blind Boys, era el cantante principal. Y de ninguna forma íbamos a hacer pop o rock. ¿Quién lo necesitaba? Nuestras panzas estaban llenas, no teníamos dolores de cabeza, estábamos felices. Al menos, estaba feliz cantando góspel de verdad”.

En 1953, los Blind Boys comenzaron una exitosa asociación de cinco años con Specialty Records en Los Ángeles, pero finalmente abandonaron el sello debido a la presión renovada para pasar al rock ‘n’ roll. Fountain se negó, y luego comentó: “The Blind Boys han dedicado nuestras vidas a servir al Señor“.

A pesar de las oportunidades para popularizar su música, los Blind Boys continuaron interpretando su sonido gospel tradicional, recorriendo los Estados Unidos y el extranjero. A principios de la década de 1980, Fountain and the Blind Boys había sido rebautizado como Blind Boys of Alabama y presentaba al legendario cantante bajo J. T. Clingscale, de los Blind Boys of Mississippi. En 1983, recibieron fama nacional por su actuación en la producción dramática Evangelio en Colonus, una adaptación contemporánea de Edipo en Colonus por Sófocles. El drama se desarrolla en una iglesia pentecostal negra. Los Blind Boys cantaron el papel de Edipo, el rey ciego de la tragedia griega.

Fountain, George Scott, Johnny Fields y Jimmy Carter estuvieron con el grupo desde sus inicios. El grupo ha crecido y cambiado junto con los tiempos, agregando nuevos miembros según sea necesario. Gradualmente durante su carrera de cinco décadas, el conjunto modernizó su sonido al agregar más cantantes, guitarristas y un baterista. A veces cantan en armonía de cuatro partes; a veces se expanden a la armonía de seis partes.

Clarence Fountain fue miembro fundador del grupo de gospel ganador de GRAMMY Blind Boys of Alabama, y fue visto como un pilar de inspiración en la industria de la música,” declaró hoy Neil Portnow, Presidente y CEO de la Academia de grabación estadounidense. “Prestó su voz características d al extenso catálogo de grabaciones del conjunto durante más de 70 años y ayudó a llevar al grupo al éxito en 1948 con “I Can See Everybody’s Mother But Mine”. Con Blind Boys, ganó cuatro premios GRAMMY en la categoría de Mejor Álbum de Góspel Soul tradicional y el grupo fue honrado con el Premio a la Trayectoria Profesional (Lifetime Achievement Award) de la Recording Academy en 2009 por sus notables contribuciones a la música góspel. Clarence será profundamente extrañado, y nuestros sentimientos están con sus seres queridos durante este momento difícil.”

The Gloaming edita nuevo álbum en vivo

The Gloaming, una de las formaciones emblemáticas de la música irlandesa ha editado un álbum en vivo, Live at the NCH. Thomas Bartlett, el productor y pianista de la banda, examinó dos años de actuaciones y se decidió por seis temas: ‘The Booley House’, ‘Cucanandy’, ‘The Sailor’s Bonnet’, ‘The Pilgrim’s Song’, ‘The Rolling Wave’ y ‘Fáinleog’.

Estas actuaciones se alargan y recorren nuevos caminos musicales inesperados, incorporando nuevas melodías y reorganizando las viejas, llenas de la emoción y el deleite de cinco músicos magistrales.

The Gloaming son Iarla Ó Lionáird (voz), Caoimhín Ó Raghallaigh (hardanger d’amore), Dennis Cahill (guitarra), Martin Hayes (violin) y Thomas Bartlett (piano).

Compra Live at the NCH

Transglobal World Music Chart, los mejores discos de músicas del mundo del mes de mayo de 2018

La Danza de Las Semillas del grupo innovador español El Naán ha alcanzado el primer lugar en el mes de mayo de 2018 en la Transglobal World Music Chart, la lista de los mejores discos de músicas del mundo.

En La Danza de Las Semillas, los siete multi-instrumentistas ofrecen una magnifica mezcla de tradiciones folclóricas españolas, cantos y ritmos afrocubanos, folk rock y otras influencias.

El resto de la lista:

2. Monsieur Doumani – Angathin (Monsieur Doumani)
3. Catrin Finch & Seckou Keita – Soar (Bendigedig)
4. Seun Kuti & Egypt 80 – Black Times (Strut)
5. Djénéba & Fousco – Kayeba Khasso (Lusafrica)
6. Femi Kuti – One People One World (Knitting Factory)
7. Koum Tara – Koum Tara (Obradek)
8. Sara Tavares – Fitxadu (Sony Music Portugal)
9. Gabacho Maroc – Tawassol (10h10 / Cristal)
10. Kora Jazz Trio – Part IV (Cristal)

11. Toko Telo – Diavola – Anio
12. Eva Salina & Peter Stan – Sudbina: A Portrait of Vida Pavlović – Vogiton
13. Sonido Gallo Negro – Mambo Cósmico – Glitterbeat
14. Samurai Accordion – Te – Visage Music
15. V.A. – I’m Not Here to Hunt Rabbits – Piranha
16. Okra Playground – Ääneni Yli Vesien – Nordic Notes
17. Orquesta Akokán – Orquesta Akokán – Daptone
18. Goran Bregović – Three Letters from Sarajevo, Opus 1 – Decca / Wrasse
19. Sopa de Pedra – Ao Longe Já Se Ouvia – Turbina
20. Son Palenque – Kutu Prieta pa Saranguiá – Palenque

Magnifico programa de Black Atlantic 2018 ofrecido por Duke Performances

Joan Soriano en Black Atlantic – Foto realizada por Angel Romero

 

A lo largo de seis días, Duke Performances, el Departamento que programa los conciertos y obras de Artes Escénicas de Duke University, presentó una serie de conciertos la última semana de marzo de 2018 llamada Black Atlantic (Atlántico Negro). El programa trajo a Durham, Carolina del Norte, varios ejemplos magníficos de música africana y artistas de la diáspora africana. Duke Performances organizó los conciertos en dos lugares fuera de la Universidad Duke para acercar la música al público en general: la sala Motorco Music Hall y el Carolina Theatre.

El primer concierto de Black Atlantic tuvo lugar el lunes 26 de marzo en Motorco. Fue el artista de bachata tradicional Joan Soriano de la República Dominicana. Se trató de una noche dedicada al baile, con varios profesores de danza y alumnas que disfrutaron bailando al son de las canciones de Soriano. Entre el público había bastantes dominicanos y otros latinoamericanos que se unieron a la fiesta.

 

 

La segunda presentación, el martes 27 de marzo, mostró a la aclamada cantante haitiana Emeline Michel en Motorco. Su estilo mezcla el jazz y pop, y su baterista incorporó ritmos haitianos adictivos.

El estadounidense Ned Sublette, un conocido compositor, músico, productor musical, musicólogo, autor y fundador de Qbadisc, que asistió a los primeros conciertos, dijo: “En la segunda noche del festival, la súper fuerte y completamente genuina Emeline Michel, recientemente llegada de Haití, tocó con un grupo profesional de 4 músicos (incluido el guitarrista Dominic James) y una visión personal internacionalizada enraizada en su ciudad natal de Gonaïves, con una superposición de estudios de música en Detroit y una amplia experiencia en varias ciudades del mundo. He escuchado la música de su primer álbum en el futuro, pero nunca tuve la oportunidad de conocerla; Qué emoción. El público haitiano de Carolina del Norte trajo su inyección de amor a la sala”.

 

Betsayda Machado y La Parranda El Clavo en Black Atlantic – Foto realizada por Angel Romero

 

El concierto del miércoles 28 de marzo contó con la participación de Betsayda Machado y La Parranda El Clavo de Venezuela en la sala Motorco, que estaba abarrotada. Este conjunto afro-venezolano de cantantes, tamboreros y bailarines trajo orgullo venezolano a un gran grupo de compatriotas que asistieron al evento. El autor y actor venezolano residente en Durham, Miguel Chirinos, proporcionó detalles sobre el conjunto: “El grupo de Betsayda Machado y La Parranda El Clavo participó recientemente en el Festival Atlántico Negro organizado por Duke Performances en la ciudad de Durham. Este grupo es originario de un poblado llamado El Clavo, Estado Miranda en el noroccidente de Venezuela. Su música es a base de percusión, especialmente los tambores de Barlovento, típica música en los pueblos de la costa del país.

Hablando con Betsayda me comentaba que tienen más de 30 años haciendo música y la parranda es la música que acompaña durante las procesiones de San Juan Bautista, patrono de la comunidad Afro-Venezolana. Además de participar en las diferentes festividades religiosas, ya tuvieron la oportunidad de grabar su primer CD, que recoge sus principales composiciones y que según grabaron ‘debajo de una mata de mango’. También les están realizando un documental donde contaran la historia del pueblo El Clavo, su gente y su música!

Ned Sublette articuló lo siguiente: “Esperaba disfrutarlo, pero no sabía lo delirante que resultaría ser.

Machado es una líder poderosa y el conjunto es de primera clase. Su espectáculo bien compuesto fue un modelo de cómo trabajar con instrumentos acústicos tradicionales en un escenario de concierto basado en la percusión. Llevar muchos instrumentos durante la gira es problemático y costoso, pero lo hicieron. Este espectáculo incluyó un instrumento afrovenezolano, las quitiplas [un conjunto de palos de bambú que se tocan verticalmente], que nunca se escuchan fuera de Venezuela, así como el furro (o furruco, un tambor de fricción o zambomba) que mantiene energéticamente el bajo, junto con una variedad de tambores. Las voces del grupo -cinco hombres y tres mujeres, todas bellamente vestidas- afirmaron con autoridad melodías en una armonía multifacética bien afinada, con un hipnótico tiempo de guerra con los tambores, dando al grupo su propia textura polirrítmica. Cuanto más duraba, más quedaba embelesada la sala.

La gran conguera de Durham, Beverly Botsford, se levantó con ellos por un minuto caliente, y eso también me pareció bien. Todo fue tan irresistible que no pude molestarme en volver al bar“.

 

Fode Lassana Diabate en Black Atlantic – Foto realizada por Angel Romero

 

El cuarto concierto de la serie, el jueves 29 de marzo en Motorco, presentó a tres de los mejores músicos de Mali. Tres yelis (griots o jelis) de familias tradicionales de músicos y cantantes bien conocidas mostraron gran virtuosismo y encanto en una sala llena.

El productor y cantante estadounidense, residente en Chapel Hill, Bob Haddad, fundador del sello Music of the World dijo: “Trio Da Kali es un extraordinario grupo de músicos griot de Mali. Fode Lassana Diabate toca su balafón (xilófono de madera) de la manera más fluida; un verdadero virtuoso. El bajo ngoni (laúd de África occidental) de Mamadou Kouyate es rítmico, percusivo y fascinante, y Hawa Kasse Mady Diabate es la cantante griot femenina más destacada de los últimos años. Su colocación de notas, la forma en que da forma a sus improvisaciones y la forma en que estructura su voz son realmente extraordinarias. Juntos, estos tres músicos crean un sonido que es inspirador, evocador, cautivador y edificante“.

 

Aurelio en Black Atlantic – Foto realizada por Angel Romero

 

El último concierto en la sede de Motorco, el viernes 30 de marzo, estuvo dedicado a la música de la comunidad garífuna. En este caso, fue el artista garífuna más conocido en este momento, Aurelio Martínez, de Honduras. Entregó un emocionante conjunto de canciones para promover la paz y los derechos del pueblo garífuna de Honduras, Belice, Guatemala y Nicaragua.

 

Diego El Cigala

 

El último concierto de Black Atlantic tuvo lugar el sábado 31 de marzo en un lugar mucho más grande, el Teatro Carolina en el centro de Durham. El cantaor flamenco Diego El Cigala presentó su último proyecto, una colaboración con músicos de salsa. La venezolana Soleir Gordon-Shaefer, presentadora y productora de La Tertulia con Solangel en WHUP en Hillsborough dijo: “El es uno de mis favoritos. Disfrute totalmente el concierto, fue más de lo que esperaba ya que no solo promociono su CD Indestructible, pero también canto otros temas que le pedían. El desempeño del coro y los músicos fue tremendo sobre todo el pianista. Fue una noche mágica con la euforia del público”.

La médico y tamborera colombiana Maricela Cáceres también nos ofreció su comentario: “El talento de Diego El Cigala es indiscutible, esa combinación de dos ritmos completamente diferentes fue magistral. La orquesta es excelente, el pianista y todos los músicos unos maestros. Yo iría a verlo una y otra vez porque es un show único.”

Aaron Greenwald, director ejecutivo de Duke Performances, reveló a nuestra revista en inglés, World Music Central que la intención es continuar la serie Black Atlantic el próximo año. Ya estamos esperando con ansiedad la próxima entrega de esta magnífica serie.