Todas las entradas de: Angel Romero

Visiones deliciosas contemporáneas y tradicionales de la kora

Dawda Jobarteh – I Met Her By The River (Sterns Africa, 2019)

Dawda Jobarteh, el maestro de la kora (arpa de Africa occidental) gambiana con sede en Dinamarca, muestra las diversas facetas de la kora y sus influencias multidimensionales en I Met Her By The River (La conocí por el río). El álbum incluye temas deliciosos de kora solista, algunos originales y otros tradicionales, como “I Met Her By The River” y “Karang Folo”.

En la canción “Begging Boys”, Jobarteh condena cierto tipo de escuela coránica que se encuentra en Gambia y Senegal, donde parte de la ocupación diaria es mendigar en las calles. Los niños se encuentran sucios, harapientos y hambrientos.

Otra cara de Jobarteh se muestra a través de los temas modernos y encantadores con kora, bajo y percusión de África Occidental y el resto del mundo.

Dawda Jobarteh – I Met Her By The River

Jobarteh rinde homenaje a Dinamarca al transformar “Jeg Gik Mig U Den Sommerdag” (“Me fui en un día de verano”), una melodía escandinava bien conocida en una bonita melodía con doblajes de kora hábilmente diseñados y platillos.

También hay una versión vanguardista, con la kora eléctrica. se trata del tema “Afro Blue” de Mongo Santamaria, que reúne influencias del jazz, la música afrocubana y de Gambia.

Músicos: Dawda Jobarteh en las koras eléctricas y tradicionales y voz; Souleymane Faye en la voz; Preben Carlsen en el bajo; Jacob Andersen en la percusión; Salieu Dibba en la percusión; y Stefan Pasborn en la batería.

Vildá, el sonido del pueblo sami

El grupo finlandes Vildá ha publicado el disco Vildaluodda / Wildaprint (Bafe’s Factory, 2019).

Vildaluodda / Wildaprint es una mezcla de sonidos místicos y yoiks de origen sami (lapón) junto con una acordeón vigorosa que llevan al oyente a un viaje fascinante hacia el Norte de Finlandia.

Vildá – Vildaluodda / Wildaprint

El dúo lo integran Hildá Länsman, voz, yoik, tambor; y Viivi Maria Saarenkylä, acordeón, coros.

Autoaceptación: la cantante de Tonga, Analea Brown lanza Queendom

La cantante emergente de Tonga, Analea Brown, acaba de lanzar su nuevo álbum, Queendom (Mensch House Records). También ha publicado dos videoclips recientemente “Nuttah Buttah” y “Turn Up”.

Analea utiliza los ritmos de reggae, voces conmovedoras y letras amorosas sobre la autoaceptación. Analea canta: “Eres hermosa, cada curva, cada forma, verás, el tamaño de nuestros corazones nunca dependerá del tamaño de nuestro peso”.

Analea Brown

Para algunos, el nombre Analea podría ser nuevo, pero su historia como autora de canciones y música es amplia. Ha compuesto el éxito número 1 de iTunes de Sammy Johnson, ‘Still Wanna Be Your Lover’, los dos primeros sencillos de Dinah Jane. Tambien ha realizado giras con Morgan Heritage, Sammy Johnson, Fiji y otros.

Analea Brown – Queendom

Analea explica la inspiración de su obra: “Paso mucho tiempo tratando de conocer a todos en mis redes sociales. Una parte inspiradora de eso ha sido conocer y escuchar las historias de otras mujeres, mujeres que abrazan su poder y sensualidad, mujeres que han olvidado su poder, mujeres que se avergüenzan de sus inseguridades y mujeres que han hecho sacrificios para perseguir su sueños, mujeres de todas las formas, tamaños y colores, esto es para todos ustedes. Queendom por lo que la vida nos hace pasar a las mujeres y para los hombres que aman y aceptan cada centímetro.”

La banda tejana Grupo Fantasma lanza American Music: vol. VII

El Grupo Fantasma de Austin, Tejas va editar su séptimo disco, American Music: vol. VII, el 29 de marzo de 2019. Han pasado cinco años desde su disco anterior y esta vez están trabajando con el talentoso Carlos “El Loco” Bedoya, un reconocido productor colombiano, ingeniero de sonido, músico y compositor con sede en Miami. Bedoya ha trabajado con artistas tan diversos y exitosos como Beyoncé, Weezer y ChocQuibTown. Según Grupo Fantasma, Bedoya “trajo consigo una gran cantidad de conocimientos y experiencia como mezclador e ingeniero, así como buenos oídos y habilidades como músico y compositor”.

Además, Grupo Fantasma ha cambiado de estudio de grabación y está colaborando con invitados especiales. También está experimentando con una gran cantidad de instrumentos nuevos e interesantes.
Es importante destacar que el Grupo Fantasma siempre ha tenido un sabor políglota especial con dos cantantes principales, varios percusionistas, una gran sección de metales, una destacada guitarra eléctrica, líneas de bajo pegadizas, muchos cambios y toda una plétora de influencias. Temáticamente, las letras de la banda van desde lo personal a lo universal, lo político a lo social, desde las melodías de las fiestas hasta los lamentos lentos que llevan el peso del romance que salió mal, la pérdida y la decepción. Entonces, en estos aspectos, nada ha cambiado radicalmente con este nuevo álbum. Sin embargo, definitivamente también hay diferencias.

Por ejemplo, la canción “LT” no solo se canta en inglés (algo raro en la banda) sino que presenta un sonido de guitarra inspirado en la psicodelia turca de los años 70 y el tambor dhol de Sunny Jain de Red Baraat. Varias canciones presentan la instrumentación folclórica colombiana de gaita y maracas, así como un acordeón que recuerda tanto al vallenato colombiano como al Tex-Mex del Sr. Vallenato y Josh Baca (de los Texmaniacs). Como novedad para la banda, un cantante externo, Tomar Williams (de Tomar y los FC), fue contratado para el tema de bugalú “Let Me Be”, en donde también toca el órgano eléctrico y aparecen los coros de los Soul Supporters.

“The Wall” es una colaboración con miembros de Ozomatli y Locos Por Juana que oscila desde el funk latino al hip-hop. Según Grupo Fantasma, la canción “cuestiona la definición de ‘inmigrante’ y lo que hace que uno sea ilegal“. Aunque a Grupo Fantasma no se le identifica por ser abiertamente político, “The Wall “dice mucho sobre lo que ha estado sucediendo en cuanto a Inmigración, fronteras, seguridad nacional y políticas basadas en la identidad durante el gobierno actual estadounidense, causante de divisiones sociales.

El álbum se grabó en Sonic Ranch, en la pequeña ciudad fronteriza de Tornillo, Tejas. Poco después de que el Grupo Fantasma terminara sus sesiones en el rancho, se hizo famoso como el sitio de un enorme y vergonzoso centro de detención de inmigrantes donde innumerables niños se alojaban separados de sus familias. Como dice la banda, “esta disonancia sin duda afectó al álbum e inspiró nuestro mensaje más adelante, ya que estábamos componiendo las letras y formando el mensaje de las canciones y el proyecto en general“.

Grupo Fantasma – American Music: vol. VII

De hecho, el propio título del disco discrepa con estas definiciones de identidad, fronteras y quién es ilegal u “otro”. Como dice Grupo Fantasma, llamarlo American Music: Vol. VII fue una “respuesta directa al concepto de identidad, así como el encasillamiento de nuestra música, que hemos sufrido a lo largo de nuestras carreras”.

Al presentar su mezcla musical multiétnica a lo largo de los años, el Grupo Fantasma ha cuestionado constantemente el concepto de identidad, ciudadanía y nacionalidad de la música, especialmente en la prensa y la industria discográfica. Sin embargo, como lo atestiguan, de muchas maneras “la música es el mejor asimilador, cruzando fronteras y culturas, y mutando para representar las experiencias de sus artistas“.

Aunque a menudo está etiquetada como latina o hispana, la banda siente que no tienen una identidad nacional distinta, ya que es estadounidense. Ninguno de los miembros de Grupo Fantasma procede recientemente de América Latina a excepción del cantante y percusionista José Galeano, oriundo de Managua, Nicaragua, pero ahora es un ciudadano estadounidense que hace mucho tiempo que llama a Tejas su hogar.

Aunque Grupo Fantasma tiene letras en español y ciertamente hacen referencia a las tradiciones musicales y los ritmos de sus raices, subrayan que “también abrazamos y expresamos la música de nuestro hogar en Tejas y la cultura estadounidense que habitamos diariamente. Sostenemos que, independientemente del idioma, nuestra música es “American Music” (música estadounidense) porque somos de aquí. Nuestra música es un producto de nuestras circunstancias y aún podemos celebrar el patrimonio étnico y cultural a la vez que afirmamos nuestra identidad como estadounidenses e hijos de este país“.

Mi Luz Mayor, lo nuevo de Eddie Palmieri

El gran pianista, compositor, arreglista y director de orquesta Eddie Palmieri, ganador de varios premios Grammy, ha editado Mi Luz Mayor, su segundo álbum de salsa del año en su recién lanzado sello Uprising Music (a través de Ropeadope). Mi Luz Mayor es un álbum de gran banda con más de 35 de los mejores músicos afro-cubanos de la ciudad de Nueva York.

Los invitados especiales en Mi Luz Mayor son Gilberto Santa Rosa, Herman Olivera y Carlos Santana, que toca en la tercera canción del álbum “Mi Congo”. Los otros invitados son los colaboradores frecuentes de Palmieri, Jimmy Bosch, Luques Curtis, Conrad Herwig, Brian Lynch y “Little” Johnny Rivero.

Aquí les presento la música que mi difunta esposa Iraida y yo disfrutamos en nuestra juventud“, explica Palmieri sobre el álbum. “Soliamos escuchar esta música en nuestro hogar a menudo, durante las vacaciones y en ocasiones especiales. Bailabamos esta música, pero también hubo momentos en que la música hablaba por nosotros. La música fue la fuerza constante que tocó nuestros corazones y curaba cualquier herida que la vida nos habia enviado. En última instancia, estas canciones representan nuestra historia de amor. Seleccionar cada composición y escribir nueva música me ayudó a superar mi dolor después de que falleciera en 2014.”

Nacido el 15 de diciembre de 1936 en la ciudad de Nueva York, el Sr. Palmieri ha fusionado hábilmente los ritmos puertorriqueños con la complejidad de sus influencias de jazz. Ganó atención internacional como pianista en la década de 1950, tocando con Eddie Forrester y la popular Orquesta Tito Rodriguez, entre otros. En 1961 formó La Perfecta, presentando una línea poco convencional de trombones que crearon un sonido nuevo, mezclando el jazz con ritmos afrocaribeños.

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Vardan Hovanissian y Emre Gültekin lanzan Karin

Vardan Hovanissian y Emre Gültekin tienen un nuevo álbum titulado Karin (Muziekpublique, 2018). Este es el segundo álbum del dúo.

“Karin” es el antiguo nombre armenio de la ciudad de Erzurum, ubicada en lo que hoy es Turquía. Se refiere al lugar de nacimiento del abuelo de Vardan Hovanissian, quien fue uno de los 200 sobrevivientes luego de la deportación de alrededor de 40,000 personas durante el genocidio armenio.

El álbum está dedicado al período cosmopolita de Karin, que fue un lugar de encuentro para las diferentes culturas que existían a lo largo de la Ruta de la Seda.

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Entrevista con el conjunto de fusión flamenco árabe Mujeres Mediterráneas

Mujeres Mediterráneas es un grupo de mujeres con sede en Granada (España) que incluye a artistas de diversos orígenes, que combinan el flamenco y la música árabe. World Music Central y Músicas del Mundo entrevistó a este grupo emergente.

Mujeres Mediterráneas – foto realizada por José Asensio

¿Cómo surgió el proyecto de Mujeres Mediterráneas?

Mujeres Mediterráneas es una formación musical basada en la convivencia de las músicas y las culturas, concretamente entre el flamenco y la música árabe. Se creó en 2015 como consecuencia del encuentro vital de nuestras músicas en el escenario. El proyecto surgió de un encuentro musical donde coincidieron la cantante árabe, Habiba Chaouf, con la guitarrista flamenca, Pilar Alonso, se creó un intercambio musical y cultural que fue creciendo y dio como fruto el cuarteto actual incorporándose la flautista flamenca, Mixtlan Salomón y poco después la cantaora flamenca, Ana Sola.

En el Universo musical de Mujeres Mediterráneas se entrelazan ritmos orientales y andalusíes entre armonías, coplas flamencas, cantos árabes y melodías sefardíes. Así descubren y experimentan un lenguaje musical personal que dialoga entre Oriente y Occidente de manera libre y lúdica. Disfrutando de la musicalidad y diversidad de los idiomas (bereber, árabe clásico, dariya francés y castellano). Entre los “pellizcos” de la guitarra flamenca, las melodías de la flauta, las variaciones rítmicas del bendir y las palmas flamencas, las voces árabe y flamenca se pasean entre Marruecos, Oriente y España transportándonos a un viaje a través del Mediterráneo, recordando la esencia que conlleva cada cultura.

¿Cómo os conocisteis las cuatro componentes del grupo?

Habiba y Pilar coinciden en un espectáculo de fusión, este encuentro generó una relación de amistad compartiendo las costumbres de sus culturas en ensayos acompañados de la gastronomía de ambos países. En cada ensayo la música estaba presente de manera natural y así mismo se mezclaba, como un guiso que pide diferentes ingredientes. La voz árabe se siente acompañada por las armonías y ritmos flamencos y los siente como suyos y la guitarra se recrea en los melismas árabes como “quejíos”.

Mixtlan, recién llegada de Argentina, con mucho conocimiento del flamenco y de la música árabe, se incorpora al grupo aportando el cante flamenco cantado con la flauta por lo que la llamamos la “flautaora”.

Ana, una de las cantaoras más importantes de su generación, entró más tarde, dando con su fuerza de voz y su versatilidad estilística una visión muy personal de la parte flamenca.

Mujeres Mediterráneas – foto realizada por José Asensio

¿Cuáles son los elementos esenciales de vuestra música?

Trabajamos con “el diálogo entre la voz árabe de Habiba y la voz flamenca de Ana” con el acompañamiento de la guitarra de Pilar y la flauta de Mixtlan, junto a las coplas instrumentales de la “flautaora” y las falsetas de la “tocaora”. Todo esto se completa con los ritmos del bendir que interpreta Habiba y las palmas flamencas de Ana.

¿A quiénes se pueden citar como las principales influencias musicales del grupo?

Nos inspiramos en la música y la poesía clásica árabe y en el flamenco en general dando nuestro “toque personal”. Cada una de nosotras lleva una “mochila” de conocimientos musicales que al poner en común genera un sonido particular.

¿Qué instrumentos musicales utilizáis?

Guitarra flamenca, Pilar Alonso; flauta flamenca, Mixtlan Salomón; bendir árabe, Habiba Chaouf; palmas flamencas, Ana Sola.

¿Cuál ha sido la reacción del público hasta ahora?

El público nos sorprende con su reacción cada vez que nos subimos al escenario. Nos agradece la convivencia de las culturas y la naturalidad que nos caracteriza cuando nos presentamos en público. También vemos que disfruta la complicidad femenina que no es frecuente en el panorama musical actual.

¿En qué situación se encuentra el flamenco en vuestra zona?

El flamenco se encuentra muy saludable en Granada. Desde que fue nombrado Patrimonio de la Humanidad, se cuida y se potencia más. El flamenco llega a cada rincón del mundo y eso hace que se pueda mezclar con todas las culturas, siendo una música muy abierta.

¿Habéis grabado algún disco?

Estamos en proceso de grabación actualmente.

Gran parte de lo que se emite por la radio, internet y películas es pop y hip hop. ¿Cómo divulgáis vuestra música?

Actualmente lo hacemos con videoclips en Youtube y nuestras actuaciones en directo.

¿Hay algún esfuerzo de vuestra parte para dar a conocer el flamenco y las músicas del Magreb?

Tanto las músicas del Magreb como el Flamenco son mundialmente conocidas, nosotras nos encargamos de hacerlas convivir de forma natural, desde el disfrute de la diversidad musical y la complicidad de los aspectos comunes desde donde se encuentran.

Nos gusta compartir nuestra música con todo tipo de públicos incluyendo el público infantil que nos aporta su visión natural de la mezcla desde la inocencia sin prejuicios.

Si pudierais reunir a músicos o grupos musicales para colaborar, ¿a quién llamaríais?

Estamos abiertas a colaboraciones tanto del mundo flamenco como del mundo árabe, siempre que esas músicas fluyan con nuestro estilo.

¿Estáis preparando algún proyecto nuevo?

Estamos preparando la grabación de nuestro primer disco y un nuevo espectáculo donde se muestra la relación lingüística del árabe y el flamenco.

Nueva vida para los grandes de la música sudanesa

Varios Artistas – Two Niles to Sing a Melody: The Violins & Synths of Sudan (Ostinato Records, 2018)

Two Niles to Sing a Melody: The Violins & Synths of Sudan (Dos Nilos para cantar una medodia – Los violines y sintetizadores de Sudán) es una magnífica colección de música producida durante la edad de oro de la música moderna sudanesa en la capital del país, Jartum, en los años setenta y ochenta.

La antología comienza con la encantadora música orquestal impulsada por el acordeón y el violin de la década de 1970 que mezclaba influencias árabes y ritmos africanos seductores.

Con la llegada de los instrumentos electrónicos, los músicos sudaneses comenzaron a usar sintetizadores y cajas de ritmos en la década de 1980, mezclando la tradición con las influencias occidentales.

A mediados de la década de 1980, la creciente influencia de los islamistas seguidores de Hassan Al-Turabi condujo a la represión del consumo de alcohol, la quema de discos y la prohibición de canciones sobre mujeres. Un golpe militar brutal a fines de la década de 1980 trajo al poder a los extremistas de creencia Turabi y aumentaron los ataques contra los músicos. Algunos fueron torturados y muchos huyeron del país o fueron silenciados.

Two Niles to Sing a Melody: The Violins & Synths of Sudan presenta artistas esenciales como Abdel El Aziz Al Mubar y Mohammed Wardi y muchos otros músicos destacados también.

Encontrar las grabaciones originales en Sudán fue una tarea difícil. Afortunadamente, la influencia de la música sudanesa en la región del Sahara fue generalizada en los años 70 y 80. Los productores de Ostinato viajaron a la vecina Etiopía, Somalia, Yibuti y Egipto en busca de cintas de cassette y grabaciones de vinilo.

Con la ayuda de la colaboradora y recopiladora sudanesa Tamador Sheikh Eldin Gibreel, que fue una poeta y actriz famosa en la década de los setenta en Jartum, el equipo de Ostinato restauró y remasterizó la música y la ha lanzado en varios formatos.

La versión en CD de la compilación contiene dos discos y está bellamente empaquetada en un libro de tapa dura que proporciona una visión histórica de cómo la música prosperó en Sudán y luego murió debido a factores políticos y religiosos, ya que los islamistas de la línea dura atacaron y persiguieron a los músicos. Las notas están escritas por Vik Sohonie y editadas por Manish Melwan.

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La cantante y compositora malgache Razia lanza el álbum The Road

En su tercer álbum, The Road (la carretera), la cantante y compositora malgache Razia regresa a su hogar en Antalaha, su lugar de nacimiento en el noreste de Madagascar, donde se cultiva la vainilla.

A la edad de 11 años, Razia Said dejó atrás una infancia idílica en Antalaha para comenzar sus viajes por el mundo como estudiante, activista y músico, viajes que la llevarían a Gabón, la isla de Comoros, Francia, Italia, Bali y Nueva York, en donde comenzó su carrera musical con dos álbumes que recibieron críticas positivas: Zebu Nation (2011) y Akory (2014). Ahora reside en la isla de Santa Lucía en el Caribe.

La música de Razia mezcla las tradiciones malgaches, jazz y pop, y vigorosos mensajes relacionados con la destrucción del medio ambiente y los enormes desafíos que enfrentan hoy las jóvenes naciones postcoloniales como Madagascar. Ahora, en The Road, Razia recurre a su historia personal, y resulta tan convincente como los grandes cuentos de avaricia, corrupción y devastación en el mundo natural que han animado su música en el pasado.

En 2016, Razia fue llamada a su hogar en Antalaha ya que su abuela, la mujer que la crió, estaba gravemente enferma y se enfrentaba a la muerte. A su llegada, la abuela de Razia, Tombozandry, revivió, y estaba claro que Razia estaría allí por algunos meses. Así que invitó a su baterista de Surinam, Harvey Wirht, a unirse a ella y dijo: “Hagamos un álbum“. Llamaron a un gran guitarrista de un grupo de baile local. Aunque muy solicitado por los mejores artistas de salegy, Raledey aceptó acudir a Antalaha y ayudar con este álbum. Los tres músicos alquilaron un piso y se pusieron a trabajar.

La idea era hacer canciones sin arreglos complejos, acústicas, para crear un paisaje sonoro más adecuado para los delicados temas que Razia quería abordar, y que pusiera su voz al frente y en el centro.

Razia nació en 1959. Su madre tenía 17 años y su padre no estaba dispuesto a casarse con su madre, ya que ambos provenían de ramas incompatibles del Islam. Con el corazón roto y avergonzado, la madre de Razia dejó a la niña en Antalaha con su propia madre, Tombozandry, y se fue a la isla de Comoros. Aunque regresó para estar con Razia once años después, las dos nunca han estado cerca, y la madre y el padre de Razia nunca hablan en absoluto. Esta historia estuvo siempre presente para Razia mientras trabajaba en The Road, ya que todas estas personas aún vivían en Antalaha. “Mi madre vivía a unos cinco minutos de donde yo estaba“, recuerda Razia. “Mi abuela estaba a unos diez minutos en auto, y mi padre estaba a unos cuatro minutos a pie. ¡Así que tenía todo el resto de mi vida a mi alrededor!”

Los horizontes nuevos de la música acadiana de Vishtèn

Horizons (Horizontes) es el nuevo álbum del grupo canadiense Vishtèn. Horizons presenta composiciones originales que amalgaman los géneros musicales actuales y tradicionales, así como los textos y las melodías tradicionales de Acadia.

El estilo de este grupo francófono se basa en el ritmo contagioso del zapateado y la voz, fusionado con el violín, la guitarra, el acordeón, la mandolina, las flautas, el piano, el bodhrán (pandero irlandés) y la guimbarda.

Para este nuevo álbum, los artistas han optado por ir un paso más allá al presentar nuevos instrumentos como la guitarra eléctrica y el piano, así como bailes típicos y las melodías de canciones pegajosas.

El trio lo integran Emmanuelle (voz, mandolina, zapateado, guimbarda, pitos, pandero y baile) y Pastelle LeBlanc (voz y acordeón) de la región Evangeline de la Isla Prince Edward, y Pascal Miousse (violin, guitarra y voz) procedente de las islas Magdalenas.

Los discos anteriores del grupo son: Vishten (2004), 11:11 (Coop Breizh, 2007), Live (Distribution Plages, 2008), Mosaïk (Coop Breizh, 2012) y Terre Rouge (Distribution Plages, 2015).