Todas las entradas de: Pablo Rego

Pablo Rego lleva escribiendo en medios digitales y realizando programas de radio sobre música, arte y cultura desde 1998. Realizando programas de radio sobre tango y World Music, redactando para diferentes proyectos en Argentina, España y medios que trascienden las fronteras como Músicas del Mundo.

La brillante “Molly Tuttle” lanza su disco debut en Nashville.

Nashville, EE.UU – Molly Tuttle celebra el lanzamiento de su muy esperado álbum debut, “When You’re Ready”, luego de un gran concierto a sala llena a principios de esta semana en el Basement East de Nashville.

La artista, que acaba de cumplir 26 años, dueña de una voz clara y verdadera y un impresionante sentido melódico, se ha convertido en una sensación gracias a los comentarios que corrieron de boca en boca dada su increíble técnica “flatpicking” para tocar la guitarra guitarra y sus emocionantes actuaciones en vivo.

Tuttle fue nombrada “Instrumentalista del Año” en los Premios de Música Americana 2018 sólo por la fuerza de su primer EP, “Rise”, y también ha sido dos veces ganadora del premio “Guitar Player of the Year” de IBMA.

Molly Tuttle” comenzó a actuar a una edad temprana como parte de una banda familiar de bluegrass junto a su padre y sus hermanos.  Hace cuatro años se mudó a Nashville en donde amplió sus gustos musicales y construyó su comunidad musical. Ahora, al frente de su propia banda, continúa rompiendo fronteras y cosechando el respeto de sus compañeros, mientras vende shows en todo el territorio de los Estados Unidos y el Reino Unido.

Con “When You’re Ready”, Tuttle consigue hacer el álbum que siempre soñó, con una colección de canciones personales que desafían el género y que demuestran que es más que una virtuosa.

Grabado en Nashville con el productor Ryan Hewitt (The Avett Brothers, The Lumineers), “When You’re Ready” es la presentación perfecta para su sorprendente rango y versatilidad musical, y establece a Tuttle como un artista con una larga y emocionante carrera por delante.

Tuttle saldrá a la carretera en una extensa gira por Norteamérica, que incluye destacados como Merlefest, Newport Folk Festival, Telluride y más. Toda la información de sus conciertos en www.mollytuttlemusic.com/tour 

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Nuevo single y conciertos en Estados Unidos de los canadienses “Delhi 2 Dublin”.

La banda de fusión canadiense Delhi 2 Dublin anuncia el lanzamiento de su nuevo single “My People”, una canción que resulta en parte himno para sentirse bien y en parte un comentario social.

“Hay algunos desafíos que nos afectan profundamente hoy en día, desde el cambio climático y la pobreza hasta el racismo y más. ¡Pero aún podemos unirnos, ser amables unos con otros, cuidarnos mutuamente y ser parte de este viaje loco en este planeta juntos! Al final, eso es lo que más importa” La idea de la banda es difundir, a través de una sonrisa, el mensaje de permanecer unidos más allá de las circunstancias.

Delhi 2 Dublin visitará en las próximas semanas algunas ciudades de la costa Oeste de Estados Unidos, incluidas San Francisco, Portland y Seattle, dando conciertos en los que compartirán, además de “My people”,  la mayor parte de su nuevo álbum próximo a salir.

Más información de los conciertos en https://www.delhi2dublin.com/shows/

BOBBY LONG estrena su nuevo y oscuro video cómico “Nautical”

El cantante y compositor británico Bobby Long revela su extravagante sentido del humor en el nuevo video musical de “Nautical”, el primer sencillo de su nuevo álbum de estudio, “SULTANS”.

El álbum encuentra al cantautor que explora su amor por The Beatles y la psicodelia vintage junto con su productor y colaborador de mucho tiempo, Jack Dawson, quien también aparece en la portada de “SULTANS” y en el video.

El oscuro y entretenido video cinematográfico está inspirado en películas como The Collector and Misery y fue filmado en la zona rural de Nueva Jersey por el cineasta Arthur Douglass (The Underwater Realm, The Real Life First Person Shooter Series).

El video “Nautical” se desenreda como una pesadilla de cómic negro, con Bobby Long como un psicópata alegre que decide secuestrar y encarcelar a un colaborador musical interpretado por Dawson, que culmina en un “concierto” para maniquíes y animales de corral.

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Bobby Long estará de gira por Estados Unidos hasta finales de Abril, más información en musicbobbylong.com/tour

Silvestre Dangond visita Argentina en Abril.

Silvestre Dangond, ganador del Grammy Latino 2018 al mejor álbum de vallenato con su disco “Esto es vida” (Sony Music, 2018) y también en los premios Lo Nuestro 2019 a la colaboración del año con su single “Justicia ft. Natti Natasha”, regresa a Argentina presentándose el próximo Viernes 5 de Abril en el mítico Estadio Obras Sanitarias de la mano de “¡Esto es vida! Tour!

La estrella internacional colombiana, Silvestre Dangond es cantante, presentador de televisión y compositor. Es considerado uno de los principales representantes de “la nueva ola” de música vallenata. Silvestre es idolatrado por sus fanáticos, apodados “Silvestristas”.

Actualmente, el multipremiado artista se encuentra presentando “Vivir Bailando”, sabor y energía colombiana en su máxima expresión, donde Silvestre Dangond y Maluma se unen por primera vez para lanzar un tema que promete convertirse en el éxito del 2019, pues reúne toda la cadencia tradicional del vallenato y el electrizante toque urbano.

A este éxito musical se suma al que realizó junto al cantante chileno Américo, “Mi Deseo”, que ya superó los 10 millones de vistas en YouTube y sigue en ascenso.

Su carrera prolífera se catapultó a la fama internacional con el tema “La Colegiala”; otros como “Cásate Conmigo” junto a Nicky Jam o “Ya no me duele más”  reafirmaron un lugar en el mundo de la música y una trayectoria imparable para el  carismático guajiro  que logró una verdadera pasión silvestrista.

Las entradas para ver a Silvestre Dangond en Argentina están disponibles en www.tuentrada.com

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“País semejante”, un homenaje a la música popular latinoamericana de la década del ’60 y ‘70

Con un sonido fusión, que manifiestan una relación con el Jazz y otros géneros urbanos, Luis Caro recupera un repertorio de música folklórica, original de la década del ‘60 y ’70, en su nuevo álbum “País semejante”, en el que se destaca la interpretación profunda y sentida de una experimentada voz, junto a grandes músicos y excelentes arreglos.

La edición de este álbum es acompañada conceptualmente por un libro con obras de artistas plásticos como Carlos Alonso, Felipe Gimenez, Carlos Del Río, entre otros y textos de Luis Caro, Víctor Bidart, José Antonio Román, Carlos Polimeni, Sonnia De Monte, Rafael Bielsa y Nino Ramella.

País semejante” será presentado en un concierto en vivo en Buenos Aires el próximo 13 de Abril a las 21hs en Café Vinilo, Gorriti 3780, Palermo (+54 011 4866-6510)

Luis Caro fue protagonista de un tiempo en el que la música expresó, a través de una identidad bien definida, la manifestación de un pueblo intelectual que resistía a la creciente globalización, con la consiguiente ola que empezaba a proponer o a imponer cambios en las relaciones, intereses y hábitos propios de los pueblos. Mucha de esta resistencia quedó grabada en las letras de los temas que Luis Caro rescata y revive en “País semejante

El músico, actor y escritor argentino, nacido en Mar del Palta,  se inició en la “Comedia Marplatense” que dirigía Gregorio Nachman, un  director de teatro desaparecido durante los años de la dictadura militar. En 1976 Caro se exilió y vivió en Perú, Ecuador y Panamá, recorriendo en forma itinerante toda Sudamérica.

Esta experiencia de vida conectó a Caro con el nacimiento de la Canción Latinoamericana presentándose junto a, por ejemplo,  Alí Primera, Nicomédes Santa Cruz, Amparo Ochoa, Soledad Bravo, Pedro Luis Ferrer, Sara González, Los Jaivas, Victor Heredia, Fito Páez, Facundo Cabral, Polo Montañez, Joan Manuel Serrat o Mercedes Sosa.

Con “País semejante Luis Caro crea una obra de arte integral compuesta de arte visual, poesía y un álbum musical con canciones que, si bien mantienen un compromiso con la estética original, proyecta el sonido hacia una dimensión contemporánea, demostrando así que el recuerdo se mantiene vivo y el sonido que resuena en aquellos temas puede recrearse hoy con elementos actual, creando una estética moderna para cantar letras que conservan su vigencia.

Los músico que arropan el trabajo y la voz de Luis Caro son Fermín Ferraris (piano), Nicolás Pasetti (contrabajo) y Juan Miguel Carotenuto (batería), egresados de la Facultad de Bellas Artes de la ciudad de La Plata y de permanentes recorridos que interconectan las artes y las estéticas con natural maestría.

La escucha del disco transporta a un clima de reflexión mediante obras de una época en la que el pensamiento profundo y comprometido hecho canción era moneda corriente. Además de la excelencia nativa que está impresa en la música, la vuelta de tuerca que le dan los músicos y la forma en la que interactúa la voz Luis Caro, perfectamente armonizada con los otros instrumentos, invitan a la recreación de paisajes y escenarios que quedaron grabados en el inconsciente colectivo como íconos de un tiempo de fuertes manifestaciones socio-culturales.

Para más información de este completo artista argentino que explora el teatro, la literatura y la canción, contando con varios discos, libros y obras de teatro editados, está disponible su página Web www.luiscaro.com.ar

La mística Capadocia hecha música en el nuevo álbum de Johnson & Keaggy

El nuevo álbum del dúo conformado por Jeff Johnson y Phil Keaggy es un homenaje a la región de Capadocia, ubicada en el centro de Turquía y que inspira espiritualidad y fe religiosa desde hace siglos. Su particular geografía, la atmósfera del lugar, el paisaje de casas, iglesias y hasta comunidades enteras esculpidas en la piedra conmovieron a Jeff Johnson durante su viaje allí en 2017.

Cappadocia” (Ark Music) transmite la profunda espiritualidad que emana de esa región, y también busca destacar la historia, la geografía y la belleza geológica del lugar. El dúo lo presenta como música exquisita, delicada, de la nueva era, con inflexiones de música del mundo, para pintar su retrato musical.

El viaje de 2017 incluyó la visita de Johnson y su esposa a una basílica tallada dentro de la ladera de una montaña en la que se destaca una ventana en forma de rosa a través de la cual el sol crea unos efectos místicos particulares. La experiencia de descubrir este mundo oculto y la acústica del lugar conmovieron a la pareja e impulsaron a Jeff a reunirse con su socio-músico para realizar “Cappadocia

Además de la exploración emocional, estética y espiritual del arte, Johnson y Keaggy están relacionados con la música como expresión artística de la fe cristiana. Capadocia es y fue históricamente un lugar de culto de la fe cristiana, funcionando en diversas oportunidades como refugio en medio de diferentes olas de dominio de otras religiones en la región.

Phil Keaggy, un maestro de las guitarras acústicas y eléctricas, utiliza una amplia variedad de instrumentos en esta grabación, que incluyen guitarra acústica clásica y española, un cümbüş turco, una guitarra acústica de 12 cuerdas, guitarras Les Paul y Zion (entre otros), bajo sin trastes, ukelele y E-bow. El tecladista Jeff Johnson se mueve del piano a los sintetizadores para combinar la música con texturas adicionales que incluyen los sonidos de percusión, cuerdas y flauta. Ambos músicos también incorporaron ocasionales vocalizaciones sin palabras muy sutiles en el fondo.

Las composiciones de “Cappadocia” están atravesadas por sonidos de Medio Oriente y van describiendo lugares concretos, edificios particulares y conceptos relacionados con parábolas filosóficas y espirituales que refieren a pasajes bíblicos y hechos históricos.

La música en “Cappadocia” continúa con el mismo estilo musical suave que Jeff Johnson y Phil Keaggy exhibieron por primera vez en sus álbumes anteriores que resultaron altamente exitosos: “Frio Suite” (2009) y “Watersky” (2012). Ambos músicos tienen largas e ilustres carreras como artistas de grabación en solitario y también como artistas en diferentes formatos grupales.

Phil Keaggy, uno de los guitarristas más aclamados y admirados del mundo, comenzó a tocar cuando tenía diez años. Tomó el escenario nacional estadounidense con su banda de rock Glass Harp con la que grabó siete álbumes de estudio y un concierto en vivo en el Carnegie Hall. Cuando Keaggy inició su carrera como solista, decidió grabar música que reflejara sus creencias cristianas. Desde entonces, ha grabado todo tipo de música, sumando cerca de cinco docenas de álbumes, realizando giras internacionales, produciendo también a otros músicos y desempeñándose como músico cesionista en Nashville.

El trabajo inicial de Johnson fue rock progresivo vocal, pero su sonido evolucionó para centrarse más en el jazz, la nueva era, el instrumental contemporáneo, los estilos contemplativo-espiritual y celta.

“A lo largo de mi carrera musical he disfrutado haciendo grabaciones basadas en conceptos como “Cappadocia“”, explica Johnson. “Disfruto la experiencia de escuchar atentamente un álbum completo en una sola sesión y tomar el viaje que creó el artista. Todavía creo que las audiencias modernas disfrutarán de la experiencia completa del álbum si más de ellos le dieran una oportunidad”.

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El Reggae es declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

El Comité Intergubernamental para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO reunido en Port-Louis, capital de Mauricio, decidió incluir en la lista de géneros musicales de alta raigambre cultural al Reggae de Jamaica.

En la reunión estuvo presente la Ministra de Cultura de Jamaica, Olivia Grange, que viajó especialmente a Mauricio para el evento. Según la Ministra esta decisión reconoce y destaca el valor cultural del género que difundiera internacionalmente Bob Marley y en el que se destacan el mensaje de amor, unión y paz.

La UNESCO, para elegir el Reggae de entre cuarenta solicitudes presentadas, tomó en cuenta la aportación de este género musical a la reflexión internacional sobre cuestiones como la injusticia, la resistencia, el amor y la condición humana destacando la fuerza intelectual, sociopolítica, espiritual y sensual de este elemento del patrimonio cultural.

Además se destaca la trascendencia del género más allá de sus comienzos como expresión musical de comunidades marginadas para ser abrazado por amplios sectores de la sociedad sin distinción de sexo, etnia o religión.

La lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad se creó en 2003 e incluye, además del Reggae, alrededor de cuatrocientas tradiciones o expresiones culturales entre las que se encuentran géneros musicales como el Flamenco y el Tango.

Alto nivel de Jazz argentino en el nuevo disco de Hernán Mandelman.

El baterista y compositor argentino Hernán Mandelman continúa su viaje discográfico con su tercer trabajo llamado “Memoria”, en el que refleja un Jazz de alto vuelto con identidad propia, vanguardista y maduro, pero también rico en ideas y conceptos.

Memoria” es un disco para escuchar, pero también para pensar. Mandelman, que cuenta con un amplia experiencia tanto en la escena nacional como internacional, está acompañado aquí por un sexteto (con el que grabó también “Reflexiones en verano” (2015)) integrado por Juan Cruz de Urquiza en trompeta, Natalio Sued en saxo tenor, Rodrigo Domínguez en saxo alto, Francisco Lo Vuolo al piano, Sebastián de Urquiza en el contrabajo y Hernán Mandelman en batería y composición Esta formación, sin lugar a dudas, consigue expresar todo lo que el autor ha pensado al definir las líneas argumentales de los temas.

La música de “Memoria” expresa, desde un lugar particular del mundo, los conflictos sociales, las búsquedas intelectuales y filosóficas que hay detrás de los grandes cambios en las sociedades y que se van desarrollando como olas energéticas que impulsan nuevos climas socioculturales, mejores o no.

Según Mandelman, “la composiciones que habitan el álbum fueron abordadas desde una perspectiva diferente,  buscando, en tiempos cada vez más duros y violentos, que  cada tema refleje un clima, un estado de ánimo particular”.

Cada título de cada tema propone una idea que se desarrolla luego en la música (o es una clave nacida de la obra). El “estado de ánimo particular” es el que marca las directivas estéticas en las excelentes y expresionistas composiciones de “Memoria”. Todos los datos cuentan como una estructura contenedora sobre la que luego van fluyendo las emociones o los mensajes del inconsciente.

Cuando la música tiene el volumen conceptual y la calidad artística de las composiciones, arreglos y ejecución grabados por este gran sexteto en ”Memoria”, el arte se manifiesta en un alto nivel, siendo una herramienta de comunicación y transformación desde lo sensitivo hacia lo más denso de la manifestación humana, como es la realidad del mundo de la materia.

Hernán Mandelman nació en Buenos Aires en 1972. Desde los años 90s formó parte de diferentes agrupaciones musicales del ámbito local. En el año 2000 se radicó en Brasil y posteriormente en Europa, donde tuvo la oportunidad de tomar contacto con músicos de la escena internacional. De regreso a Buenos Aires en 2006, grabó el disco “Amistad” formando parte de un cuarteto y en 2010 editó su primer disco como solista, “Detrás de esa puerta“, encabezando un quinteto. En el año 2014 regresó al estudio de grabación, esta vez con nuevo sexteto con el que grabó “Reflexiones en  verano” y “Memoria“.

Más información en la página de Hernán Mandelman

Frescura y virtuosismo litoraleños en el acordeón de Lucas Monzón.

Franco” es el nombre del nuevo disco del acordeonista argentino Lucas Monzón, un músico nacido en Charata (Chaco) que continúa el camino iniciado en sus trabajos anteriores, desarrollando un folklore de fusión surgido del litoral argentino y que se va proyectando a lugares cada vez más lejanos.

Enrolado en una indiscutida ola de folkloristas del mundo la música de Monzón se funde con otros ritmos propios del folklore latinoamericano y recrea células vitales del ADN de la cultura que revive sonidos de una música inmigrante propia de la región como ocurre también con artistas que lo inspiran como Egberto Gismonti, Astor Piazzola, Hermeto Pascoal, Mário Laginha, entre otros.

El clima de ”Franco” surge de las combinaciones de instrumentos que cambia la formación estructural de dúo a trío y a quinteto. El aporte de cada instrumento, (Lucas Monzón en  composición y acordeón, Guido Martínez en contrabajo y bajo eléctrico, Sebastián Henríquez en guitarra, Horacio Cacoliris en percusión,  Matias Martino en piano) siempre con el acordeón como protagonista, tiene el sentido de la búsqueda del color, sutilezas y la ejecución cuidada y elevada de la música.

El chamamé es una música emotiva que confunde lo límites ilimitados del alma con un paisaje compuesto de río, horizontes diversos, siestas y festejos. Y los artistas que llevan esta música en la sangre, como ocurre con este talentoso intérprete, vuelan al tocar, capaces de reflejar la sensibilidad de una geografía y su gente, pero también la historia de los pueblos y sus legados nativos y heredados.

La música de Lucas Monzón es un rayo de la luz que compone la evolución de la música del litoral, como un gran sol naciente, desde hace algunas décadas, artistas como Raúl Barboza, Nini Flores, Chango Spasiuk,  los hermanos Núñez  o  Coqui Ortiz han proyectado esta luz; este artista chaqueño surfea virtuosamente esa luz que ilumina cada vez más rincones del mundo.

La lista de temas de “Franco” incluye obras propias y la interpretación de músicas de compositores destacados del litoral argentino como Roque Librado González, Carlos Aguirre, Fermín FierroAlejandro Manzoni. En la canción “Así es Formosa” (Fermín Fierro) el artista rinde un homenaje al legado de Nini Flores. La grabación del disco contó con la participación especial de prestigiosos músicos invitados como  Carlos Aguirre en piano y voz y Marcelo Dellamea en guitarra.

Lucas Monzón aprendió a tocar el acordeón a los cuatro años de edad y desarrolló un estudio minucioso del instrumento con la ayuda de su padre Alfredo Monzón (guitarrista y cantante), con quien realizó sus primeras presentaciones en público. Antes de lanzarse como solista conformó el tradicional grupo Amandayé de Corrientes. Compartió escenarios con artistas como Raúl Barboza,  Chango Spasiuk, Juan Quintero, Hermeto Pascoal, Rudi y Niní Flores, Liliana Herrero, Luiz Carlos Borges, Carlos “Negro” Aguirre, Coqui Ortiz, Luciana Jury, Los Guauchos, NDE Ramírez, entre otros.

Franco” es un disco de música inspirada en el folklore litoraleño con gran presencia del  chamamé y del rasguido doble e  influencias de músicas transgénero que crean un folklore-fusión del mundo desde una mirada particular.

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Nuevo disco de A Saidera, la Big Band de Latinoamérica.

Tendiendo puentes entre géneros, países y autores, “Sur”, el segundo disco de A Saidera, recoge elementos característicos de la música popular de diferentes regiones de América Latina y los integra en una estética de Big Band de Jazz.

Así como se encuentran presente géneros como el joropo venezolano, el candombe uruguayo, el festejo peruano o la zamba y la milonga argentinas, la formación de Big Band permite crear un sonido potente y rico en matices con arreglos variados que plantean diferentes climas que funcionan como propuesta estética y también como aglutinante de grandísimos músicos, los propios de A Saidera y los invitados.

El sonido, los arreglos, los temas elegidos  para “Sur” son el producto final para disfrutar de una selección de música popular latinoamericana, con una interesante variedad cromática propia de una banda de diecisiete músicos con diferentes arregladores, lo que además de entregar un álbum variado y disfrutable, promete una gran fiesta sonora en sus conciertos.

Además de los músicos que buscan resonar de maneras diferentes en cada arreglo y en cada intervención, la grabación de “Sur” ha contado con la participación de destacadísimos músicos de la escena latinoamericana, muchos de los cuales son autores de los temas del disco, como Lito Vitale, Andre Mehmari, Hugo Fattoruso, Ligia Piro, Juan “Pollo” Raffo, Lucho Gonzalez, Carlos “Negro” Aguirre, Darío Jalfin, Willy Gonzalez, Mariano Delgado y Gabriela Waciarz.

A Saidera fue creada en 2009 a partir de la iniciativa del clarinetista y arreglador Emiliano Álvarez de formar  una orquesta de MPB (Música Popular Brasileña) inspirada en las “Orquestas a base de Sopros”, aquellas agrupaciones tradicionales estructuradas como Big Bands de jazz, dedicadas a los ritmos de samba, choro, frevo y baião del repertorio antiguo y contemporáneo de Brasil.

En 2012, el grupo grabó su primer disco, “Sotaque”,  plasmando en ese trabajo arreglos propios y otros de grandes arregladores brasileños (Jovino Santos Neto, Lea Freire) de temas clásicos y contemporáneos de la MPB como también músicas originales.

Con  el tiempo A Saidera decidió abrir el abanico de su repertorio incluyendo ritmos de otros países de Latinoamérica, bajo la dirección musical y arreglos de Javier Mareco, grabando desde esta perspectiva su segundo álbum “Sur”.

Más información en www.asaidera.com.ar